Il movimento della macchina da presa si riferisce al movimento fisico, reale o percepito, dell’apparato della macchina da presa nello spazio. Al suo livello più elementare, il movimento della cinepresa crea nello spettatore la sensazione di muoversi nello spazio.
Sviluppo iniziale
Sebbene sia impossibile citare con certezza il primo caso di movimento della cinepresa nella storia del cinema, la prima applicazione notevole di questa tecnica può essere vista nel lavoro del cameraman dei Lumière Eugenio Promio, che in varie occasioni montò la sua cinepresa su un treno in movimento, un tram, un’automobile e una gondola veneziana. Dal 1900, le cineprese potevano essere montate anche su teste girevoli, il che portò a un maggiore uso di inquadrature panoramiche.
I primi produttori ed esercenti di film impararono presto che il cinema poteva ricreare efficacemente gli effetti associati a diverse attrazioni da fiera, come le “corse in carrozza fantasma” o i “tour di Hale”, in cui gli spettatori, seduti in auto o carrozze, avevano la sensazione di muoversi nello spazio grazie all’aiuto di scenari scorrevoli o altri dispositivi. Le prime mostre cinematografiche, composte da molti cortometraggi, includevano spesso una di queste “sequenze ad effetto”, come The Georgetown Loop (1903).
Georgetown Loop (Colorado) (3:00)
Rise of Narrative
Anche se il movimento della macchina da presa non è mai stato completamente ignorato come opzione formale nel film muto, come tecnica principale per l’espressione creativa o l’effetto drammatico sarebbe veramente emerso solo negli anni ’20, con il cinema espressionista tedesco, in particolare nel lavoro di registi come F. W. Murnau, Fritz Blitzer, Fritz Blitzer e Fritz B. W. Murnau, Fritz Lang e E. A. Dupont.
Haunted by Spirits (1:58)
Nel cinema sovietico, anche il pioniere del documentario Dziga Vertov fece un uso interessante del movimento della macchina da presa.
Life on the Go (1:35)
– Montage
Transizione al suono
Il passaggio al cinema sonoro all’inizio richiedeva che la macchina da presa rimanesse immobile, in modo da non aggiungere elementi estranei alla colonna sonora, ma all’inizio degli anni ’30 i registi scoprirono modi per liberare nuovamente la macchina da presa dal movimento. Il genere musicale, in particolare, con la sua frequente evidenziazione di sequenze di danza, incoraggiò lo sviluppo di vari dispositivi tecnici per aiutare il movimento della cinepresa, come la gru.
Shadow Waltz (0:20)
Alcuni registi divennero noti per il loro frequente uso della macchina da presa in movimento: Orson Welles, Max Ophuls, Kenji Mizoguchi e Jean Renoir sono tra i più noti. Concepire le scene intorno all’uso esteso della cinepresa mobile significava che questi registi aumentavano drasticamente la durata delle inquadrature nei loro film (alla fine degli anni ’40, non erano rare le inquadrature che duravano fino a un minuto) e filmavano con una messa a fuoco profonda, per creare un grande campo da esplorare per la cinepresa.
Last, Great Party (2:14)
Richard Peña Questo clip appare in: – Camera Movement – Tracking (Trucking) Shot
Post-War Period
Parzialmente come risultato della cinematografia dei cinegiornali, i corpi macchina sono diventati più leggeri e più piccoli dopo la seconda guerra mondiale, in modo che i cameramen potessero facilmente tenere la telecamera e continuare a filmare mentre seguivano le persone o lo sviluppo di un evento. Verso la fine degli anni ’50, questa capacità ispirò molti registi a girare i loro film totalmente con cineprese a mano. L’ascesa del movimento documentaristico Cinema Verité fu anche un importante catalizzatore per la promozione dello stile a mano, che figurava in modo prominente nel lavoro di registi come Jean-Luc Godard, Nagisa Oshima e Glauber Rocha.
Gli studios di Hollywood non hanno mai accettato completamente il look a mano che era così popolare nel cinema europeo e latinoamericano, sostenendo che il tremolio e la perdita di inquadratura distraevano gli spettatori. Come rimedio a questo, furono sviluppati vari dispositivi che permettevano alla cinepresa di essere tenuta a mano ma che garantivano anche un movimento fluido e scorrevole, il più famoso (e duraturo) era la Steadicam. La Steadicam permetteva la stessa libertà di seguire l’azione ma eliminava la struttura più ruvida delle normali riprese a mano.
Copacabana (2:40)
Richard Peña Questa clip appare in: – Camera Movement – Steadicam Shot
Oggi
Oggi, il long-take, lo stile della camera mobile pionieristico di registi come Welles e Renoir può essere visto in spettacoli televisivi come ER, dando loro a volte una sensazione quasi documentaria che aggiunge autenticità a situazioni altrimenti messe in scena.
Infine, bisogna menzionare quello che si potrebbe chiamare movimento “virtuale” o “percepito” della telecamera. In questo caso, i registi creano la sensazione di muoversi nello spazio senza muovere effettivamente la telecamera. L’esempio più tipico è lo zoom, in cui l’obiettivo di una cinepresa viene manipolato in modo che la lunghezza focale tra la cinepresa e l’oggetto o la persona fotografata venga modificata nel corso dell’inquadratura; in questo modo si passa da un campo lungo a un primo piano, o viceversa, o a qualche dettaglio all’interno di una scena.