O movimento da câmera refere-se ao movimento físico real ou percebido do aparelho de câmera através do espaço. No seu nível mais básico, o movimento de câmera cria uma sensação no espectador de que ele ou ela está se movendo pelo espaço.
Early Development
Embora seja impossível citar com certeza a primeira instância de movimento de câmera na história do cinema, a primeira aplicação notável desta técnica pode ser vista no trabalho do operador de câmera Lumière Eugenio Promio, que em várias ocasiões montou sua câmera em um trem em movimento, um bonde, um automóvel e uma gôndola veneziana. Por volta de 1900, as câmeras também podiam ser montadas em cabeças giratórias, o que levou ao aumento do uso de panorâmicas.
Os produtores e exibidores de cinema cedo aprenderam que o cinema podia recriar de forma eficiente os efeitos associados a diferentes atrações de feiras, como “passeios de carruagem fantasma” ou “passeios de Hale”, nos quais os espectadores, sentados em carros ou carruagens, tinham a sensação de se movimentar pelo espaço, graças à ajuda da rolagem de cenários ou outros dispositivos. As primeiras exibições de filmes, compostas de muitos curtas-metragens, incluem frequentemente uma destas “sequências de efeito”, como The Georgetown Loop(1903).
Georgetown Loop (Colorado) (3:00)
Rise of Narrative
Embora o movimento da câmera nunca tenha sido completamente ignorado como uma formalização no cinema mudo, como uma técnica importante para a expressão criativa de efeito ordramático, ele realmente surgiria apenas na década de 1920, com o cinema expressionista alemão, especialmente no trabalho de diretores como F. W. Murnau, Fritz Lang e E. A. Dupont.
Assombrado pelos Espíritos (1:58)
No cinema soviético, o documentarista pioneiro Dziga Vertov também fez uso interessante do movimento da câmera.
Life on the Go (1:35)
– Montagem
Transição para o Som
A transição para o cinema sonoro exigiu inicialmente que a câmara permanecesse sem movimento, para que não adicionasse elementos estranhos à banda sonora, mas no início dos anos 30 os realizadores descobriram formas de voltar a libertar a câmara para se mover. O gênero musical, especialmente, com o destaque frequente de seqüências de dança, incentivou o desenvolvimento de vários dispositivos técnicos para auxiliar no movimento da câmera, como ocrane.
Shadow Waltz (0:20)
Diversos realizadores ficaram conhecidos pelo seu uso frequente da câmara em movimento: Orson Welles, Max Ophuls, Kenji Mizoguchi, e Jean Renoir são os mais conhecidos. Conceber cenas em torno do uso prolongado da câmera em movimento significou que estes diretores aumentaram dramaticamente a duração das filmagens em seus filmes (no final dos anos 40, filmagens que duravam até um minuto não eram incomuns) e filmadas com foco profundo, para criar um campo de trabalho para a câmera explorar.
Last, Great Party (2:14)
Richard Peña Este clip aparece dentro: – Camera Movement – Tracking (Trucking) Shot
Pós-Guerra
Parcialmente, como resultado da cinematografia em série, os corpos das câmeras ficaram mais leves e menores após a Segunda Guerra Mundial, para que os operadores de câmera e as mulheres pudessem facilmente segurar a câmera e continuar filmando enquanto seguiam as pessoas ou o desenvolvimento de um evento. No final da década de 1950, esta capacidade inspirou muitos cineastas a filmar totalmente com câmeras de mão. A ascensão do movimento documentário cinema verité foi também um importante catalisador para a promoção do estilo handheld, que figurou de forma destacada no trabalho de diretores como Jean-Luc Godard, Nagisa Oshima e Glauber Rocha.
Estúdios Hollywood nunca aceitaram completamente o visual handheld que era tão popular no cinema europeu e latino-americano, alegando que o tremor e a perda do enquadramento de espectadores distraídos. Como remédio para isso, foram desenvolvidos vários dispositivos que permitiriam à câmera ver, mas que também garantiriam um movimento suave e deslizante, sendo o mais famoso (e duradouro) o Steadicam. O Steadicam permitiria a mesma liberdade para seguir a ação, mas eliminaria a textura mais áspera das tomadas comuns.
Copacabana (2:40)
Richard Peña Este clip aparece em: – Camera Movement – Steadicam Shot
Today
Today, o estilo de câmera de longa duração e movimento pioneiro de cineastas como Welles e Renoir pode ser visto em programas de televisão como o ER, dando-lhes por vezes um sentimento quase documental que aumenta a autenticidade de situações encenadas de outra forma.
Finalmente, deve-se mencionar o que pode ser chamado de movimento de câmera “virtual” ou “percebido”. Nisso, os cineastas criam a sensação de se mover pelo espaço sem realmente mover a câmera. O exemplo mais atípico disto é a fotografia com zoom, na qual uma lente de câmera é manipulada para que a distância focal entre a câmera e a pessoa que está sendo fotografada seja alterada durante o curso de uma foto; assim, passamos de uma foto longa para um close-up, ou vice versa, ou para um detalhe interessante dentro de uma cena.