El movimiento de cámara se refiere al movimiento físico real o percibido del aparato de cámara a través del espacio. En su nivel más básico, el movimiento de la cámara crea en el espectador la sensación de que se está moviendo por el espacio.
Desarrollo temprano
Aunque sería imposible citar con certeza el primer caso de movimiento de la cámara en la historia del cine, la primera aplicación notable de esta técnica puede verse en el trabajo del camarógrafo de los Lumière Eugenio Promio, que en varias ocasiones montó su cámara en un tren en movimiento, un tranvía, un automóvil y una góndola veneciana. Hacia 1900, las cámaras también podían montarse en cabezales giratorios, lo que condujo a un mayor uso de las tomas panorámicas.
Los primeros productores y exhibidores de películas pronto aprendieron que el cine podía recrear eficazmente los efectos asociados a las diferentes atracciones de feria, como los «paseos en carruajes fantasma» o los «recorridos de Hale», en los que los espectadores, sentados en coches o carruajes, tenían la sensación de desplazarse por el espacio gracias a la ayuda de decorados móviles u otros dispositivos. Las primeras exhibiciones cinematográficas, compuestas por muchos cortometrajes, solían incluir una de estas «secuencias de efectos», como The Georgetown Loop(1903).
Georgetown Loop (Colorado) (3:00)
Surgimiento de la narrativa
Aunque el movimiento de cámara nunca fue ignorado del todo como opción formal en el cine mudo, como técnica principal para la expresión creativa o el efecto dramático sólo surgiría realmente en la década de 1920, con el cine expresionista alemán, especialmente en la obra de directores como F. W. Murnau, Fritz Lang y E. A. Dupont.
Haunted by Spirits (1:58)
En el cine soviético, el pionero del documental Dziga Vertov también hizo un interesante uso del movimiento de cámara.
Life on the Go (1:35)
– Montaje
Transición al sonido
La transición al cine sonoro exigía al principio que la cámara permaneciera sin movimiento, para que no añadiera elementos extraños a la banda sonora, pero a principios de los años 30 los directores descubrieron formas de volver a liberar la cámara para que se moviera. El género musical, especialmente, con su frecuente protagonismo de las secuencias de baile, fomentó el desarrollo de diversos dispositivos técnicos para ayudar al movimiento de la cámara, como la grúa.
Shadow Waltz (0:20)
Ciertos directores se hicieron conocidos por su frecuente uso de la cámara en movimiento: Orson Welles, Max Ophuls, Kenji Mizoguchi y Jean Renoir son algunos de los más conocidos. Concebir las escenas en torno al uso prolongado de la cámara en movimiento significaba que estos directores aumentaban drásticamente la duración de los planos en sus películas (a finales de la década de 1940, los planos que duraban hasta un minuto no eran infrecuentes) y filmaban con un enfoque profundo, para crear un gran campo que la cámara pudiera explorar.
Última gran fiesta (2:14)
Richard Peña Este clip aparece en: – Movimiento de la cámara – Plano de seguimiento (Trucking)
Período de posguerra
En parte como resultado de la cinematografía de los noticiarios, los cuerpos de las cámaras se hicieron más ligeros y pequeños después de la Segunda Guerra Mundial, de modo que los camarógrafos y camarógrafas podían sostener fácilmente la cámara y continuar filmando mientras seguían a las personas o el desarrollo de un evento. A finales de la década de 1950, esta capacidad inspiró a muchos cineastas a rodar sus películas totalmente con cámaras de mano. El auge del movimiento documental del cinema verité fue también un importante catalizador para promover el estilo de cámara en mano, que ocupó un lugar destacado en la obra de directores como Jean-Luc Godard, Nagisa Oshima y Glauber Rocha.
Los estudios de Hollywood nunca aceptaron del todo el estilo de cámara en mano que era tan popular en el cine europeo y latinoamericano, alegando que el temblor y la pérdida de encuadre distraían a los espectadores. Para remediarlo, se desarrollaron varios dispositivos que permitían sostener la cámara pero que garantizaban un movimiento suave y deslizante, siendo el más famoso (y duradero) la Steadicam. La Steadicam permitía la misma libertad para seguir la acción, pero eliminaba la textura más áspera de las tomas manuales ordinarias.
Copacabana (2:40)
Richard Peña Este clip aparece en: – Movimiento de cámara – Plano con Steadicam
Hoy en día
Hoy en día, el estilo de toma larga y cámara en movimiento del que fueron pioneros cineastas como Welles y Renoir puede verse en programas de televisión como Urgencias, dándoles a veces una sensación casi documental que añade autenticidad a situaciones que de otro modo serían escenificadas.
Por último, hay que mencionar lo que podría llamarse movimiento de cámara «virtual» o «percibido». En este caso, los cineastas crean la sensación de moverse por el espacio sin mover realmente la cámara. El ejemplo más típico es el zoom, en el que se manipula el objetivo de la cámara para que la distancia focal entre la cámara y el objeto o la persona que se está fotografiando cambie en el transcurso de la toma; así, pasamos de un plano largo a un primer plano, o viceversa, o a algún detalle dentro de una escena.