Kamerabewegung bezieht sich auf die tatsächliche oder wahrgenommene physische Bewegung des Kameraapparats durch den Raum. Im Grunde genommen erzeugt die Kamerabewegung beim Zuschauer das Gefühl, dass er sich durch den Raum bewegt.
Frühe Entwicklung
Während es unmöglich ist, mit Sicherheit den ersten Fall von Kamerabewegung in der Filmgeschichte zu nennen, kann die erste bemerkenswerte Anwendung dieser Technik in der Arbeit des Lumière-Kameramanns Eugenio Promio gesehen werden, der seine Kamera zu verschiedenen Zeiten an einem fahrenden Zug, einer Straßenbahn, einem Automobil und einer venezianischen Gondel befestigte. Um 1900 konnten Kameras auch auf Schwenkköpfen montiert werden, was zu einer verstärkten Verwendung von Schwenk- oder Panoramaaufnahmen führte.
Frühe Filmproduzenten und -aussteller erkannten bald, dass das Kino die Effekte verschiedener Jahrmarktsattraktionen wie „Phantomkutschenfahrten“ oder „Hale’s Tours“, bei denen die in Autos oder Kutschen sitzenden Zuschauer das Gefühl hatten, sich mit Hilfe von rollenden Kulissen oder anderen Vorrichtungen durch den Raum zu bewegen, effizient nachstellen konnte. Frühe Filmausstellungen, die aus vielen Kurzfilmen bestanden, enthielten oft eine dieser „Effektsequenzen“, wie The Georgetown Loop (1903).
Georgetown Loop (Colorado) (3:00)
Rise of Narrative
Obwohl die Kamerabewegung als formale Option im Stummfilm nie völlig ignoriert wurde, kam sie als wichtige Technik für den kreativen Ausdruck oder den dramatischen Effekt erst in den 1920er Jahren mit dem deutschen expressionistischen Kino richtig zur Geltung, insbesondere in den Werken von Regisseuren wie F. W. Murnau, Fritz Lang und E. A. Dupont.
Von Geistern heimgesucht (1:58)
Im sowjetischen Kino machte auch der Dokumentarfilm-Pionier Dziga Vertov interessanten Gebrauch von der Kamerabewegung.
Leben auf dem Sprung (1:35)
– Montage
Übergang zum Ton
Der Übergang zum Tonfilm verlangte zunächst, dass die Kamera bewegungslos blieb, damit sie der Tonspur keine fremden Elemente hinzufügte, doch Anfang der 1930er Jahre entdeckten die Regisseure Möglichkeiten, die Kamera wieder frei bewegen zu können. Vor allem das Musical-Genre mit seinen häufigen Tanzsequenzen förderte die Entwicklung verschiedener technischer Hilfsmittel für die Kamerabewegung, wie z. B. des Krans.
Schattenwalzer (0:20)
Einige Regisseure wurden für ihren häufigen Einsatz der bewegten Kamera bekannt: Orson Welles, Max Ophuls, Kenji Mizoguchi und Jean Renoir gehören zu den bekanntesten. Die Konzeption von Szenen rund um den ausgedehnten Einsatz einer beweglichen Kamera bedeutete, dass diese Regisseure die Dauer der Aufnahmen in ihren Filmen drastisch erhöhten (in den späten 1940er Jahren waren Aufnahmen mit einer Dauer von bis zu einer Minute keine Seltenheit) und mit Tiefenschärfe filmten, um ein großes Feld zu schaffen, das die Kamera erkunden konnte.
Last, Great Party (2:14)
Richard Peña Dieser Clip erscheint in: – Kamerabewegung – Tracking (Trucking) Shot
Nachkriegszeit
Teilweise als Folge der Wochenschau-Kinematografie wurden die Kameragehäuse nach dem Zweiten Weltkrieg leichter und kleiner, so dass Kameramänner und -frauen die Kamera leicht halten und weiterfilmen konnten, während sie Personen oder die Entwicklung eines Ereignisses verfolgten. In den späten 1950er Jahren inspirierte diese Fähigkeit viele Filmemacher dazu, ihre Filme vollständig mit Handkameras zu drehen. Das Aufkommen der Cinéma-verité-Bewegung für Dokumentarfilme war ebenfalls ein wichtiger Katalysator für die Förderung des handgehaltenen Stils, der in den Werken von Regisseuren wie Jean-Luc Godard, Nagisa Oshima und Glauber Rocha eine wichtige Rolle spielte.
Die Hollywood-Studios haben den handgehaltenen Look, der im europäischen und lateinamerikanischen Kino so beliebt war, nie vollständig akzeptiert, da sie behaupteten, dass das Wackeln und der Verlust des Bildausschnitts die Zuschauer ablenken. Um dem entgegenzuwirken, wurden verschiedene Vorrichtungen entwickelt, die es ermöglichten, die Kamera in der Hand zu halten, aber gleichzeitig eine gleichmäßige, gleitende Bewegung zu gewährleisten, wobei die berühmteste (und dauerhafteste) die Steadicam war. Die Steadicam ermöglicht die gleiche Freiheit, dem Geschehen zu folgen, beseitigt aber die grobe Struktur der gewöhnlichen Handkameraaufnahmen.
Copacabana (2:40)
Richard Peña Dieser Clip erscheint in: – Kamerabewegung – Steadicam Shot
Heute
Heute kann man den Stil der langen Einstellungen und der bewegten Kamera, der von Filmemachern wie Welles und Renoir entwickelt wurde, in Fernsehsendungen wie ER sehen, was ihnen manchmal ein fast dokumentarisches Gefühl verleiht, das die Authentizität von ansonsten inszenierten Situationen erhöht.
Schließlich ist noch die so genannte „virtuelle“ oder „gefühlte“ Kamerabewegung zu erwähnen. Dabei erzeugen die Filmemacher das Gefühl, sich durch den Raum zu bewegen, ohne die Kamera tatsächlich zu bewegen. Das typischste Beispiel hierfür ist die Zoomaufnahme, bei der ein Kameraobjektiv so manipuliert wird, dass sich die Brennweite zwischen der Kamera und dem Objekt oder der Person, die fotografiert wird, im Laufe einer Aufnahme ändert; so bewegen wir uns von einer Totale zu einer Nahaufnahme oder umgekehrt oder zu einem Detail innerhalb einer Szene.