Una delle prime pittrici ad ottenere il plauso mondiale della critica e del pubblico, Georgia O’Keeffe fu una pittrice americana che creò immagini impressioniste innovative che sfidarono le percezioni e si evolsero costantemente nel corso della sua carriera.
Dopo aver studiato alla School of the Art Institute di Chicago frequentò l’Art Students League di New York, studiando sotto William Merritt Chase. Anche se impressionò la lega con il suo dipinto a olio “Dead Rabbit with Copper Pot”, le mancò la fiducia in se stessa e decise di perseguire una carriera come artista commerciale e più tardi come insegnante e poi capo del dipartimento d’arte alla West Texas A&M University. In quel periodo conobbe un paesaggio che sarebbe diventato iconico nel suo lavoro, il Palo Duro Canyon.
O’Keeffe non smise di produrre disegni a carboncino e acquerelli durante la sua pausa, alcuni dei quali furono visti da Alfred Stieglitz, suo futuro marito. Stieglitz era un fotografo di successo e un promotore dell’arte moderna che possedeva la Galleria 291 a New York City. Fu colpito dalla sincerità del suo lavoro e organizzò la sua prima mostra personale nel 2017, composta da dipinti a olio e acquerelli completati in Texas.
Dopo il loro matrimonio, la O’Keeffe divenne parte di una cerchia ristretta di pittori modernisti americani che spesso esponevano nella galleria di Stieglitz. Molte delle opere prodotte da Georgia O’Keeffe durante gli anni ’20 e ’30 si librano in modo allettante ai margini tra figurazione e astrazione. La nozione che l’auto potrebbe essere interamente non rappresentativa, o astratta, è stata ampiamente esplorata nel decennio dal 1910, in particolare nelle opere del pittore russo Wassily Kandinsky e dell’olandese Piet Mondrian. Le opere della O’Keeffe si spostarono verso dipinti a olio che sembravano essere forme naturali ingrandite. Nel 1925, il suo primo quadro floreale su larga scala fu esposto a New York City. Petunia segnò l’inizio di un periodo di esplorazione sul tema dei fiori che sarebbe continuato per tutta la sua carriera. Ingrandendo il suo soggetto, enfatizza la forma e il colore e porta l’attenzione sui piccoli dettagli all’interno del fiore.
Durante la sua vita, il fiore è un motivo a cui Georgia O’Keeffe ritorna sempre, come gli artisti sono sempre tornati ai loro temi preferiti – Van Gogh i suoi Girasoli, Monet le sue Ninfee, e Rembrandt il suo autoritratto. I soggetti della pittura della O’Keeffe hanno catturato l’attenzione di collezionisti e critici che hanno risposto con alacrità. Le loro discussioni sulle opere della O’Keeffe erano spesso colorate dai principi popolarizzati di Sigmund Freud, che negli anni ’20 erano diffusi in America. In un’atmosfera culturale inizialmente titillata e gradualmente trasformata dalle sue teorie, l’arte e la sua ricezione critica – come molti altri aspetti della vita moderna – erano invariabilmente e indelebilmente colorate dalla considerazione freudiana. Molti sostengono che le immagini che Georgia O’Keeffe creava quando dipingeva fiori, era un lavoro altamente sessuale, e molti si spinsero fino a dire che era una forma d’arte erotica; ma la O’Keeffe rifiutò questa teoria in modo coerente. Nel tentativo di spostare l’attenzione dei suoi critici dalle loro interpretazioni freudiane del suo lavoro, cominciò a dipingere in uno stile più rappresentativo.
Nella sua serie su New York, la O’Keeffe eccelleva nel dipingere strutture architettoniche come altamente realistiche e impiegava sapientemente lo stile del Precisionismo nel suo lavoro. “Radiator Building-Night, New York” del 1927 può anche essere interpretato come un doppio ritratto di Steiglitz e O’Keeffe. Ritratti di oggetti di questo tipo erano popolari nella cerchia di Steiglitz all’epoca e molto influenzati dalla poesia di Gertrude Stein.
Nel 1929, in cerca di solitudine e di una fuga da una folla che forse sentiva artisticamente e socialmente opprimente, O’Keeffe viaggiò nel New Mexico e iniziò una storia d’amore ispirata con lo scenario visivo dello stato. Per 20 anni trascorse parte di ogni anno a lavorare nel New Mexico, interessandosi sempre più alle forme dei teschi di animali e ai paesaggi del sud-ovest.
Mentre la sua popolarità continuava a crescere, O’Keeffe cercava sempre più conforto nel New Mexico. Il suo dipinto Testa d’ariete con agrifoglio racchiude tanta novità, pur mantenendo la sua estetica classica di ingrandire e mostrare la bellezza nei piccoli dettagli naturali. Mentre il suo interesse per il sud-ovest aumentava, aumentava anche il valore dei suoi dipinti nelle gallerie di New York.
Fu presente in due retrospettive personali all’Art Institute di Chicago e al Museum of Modern Art di Manhattan negli anni 40, diventando la prima donna ad avere una retrospettiva in quest’ultimo. Sviluppò un interesse ossessivo per le formazioni rocciose vicino alla sua casa nel New Mexico e passava ore a dipingere al sole e al vento.
Nel 1946 il marito di O’Keeffe, Stieglitz, fu colpito da una trombosi cerebrale e lei tornò a New York per tre anni dopo la sua morte per sistemare il suo patrimonio prima di stabilirsi definitivamente nel New Mexico. Con la perdita di Stieglitz arrivò la diminuzione della sua esposizione pubblica. La O’Keeffe si interessò nuovamente alle forme architettoniche, questa volta concentrandosi su dettagli come il muro del patio e la porta. Il suo dipinto del 1958 Ladder to the Moon segnò un altro cambiamento nel suo lavoro che molti interpretarono come un autoritratto che rappresentava la natura transitoria della sua vita. Altri lo videro come una dichiarazione religiosa che mostrava un legame tra la terra e le forze cosmiche che la sovrastano.
Aggiungendo a una storia di astrazione, nei primi anni ’60 O’Keeffe dipinse una vasta collezione di paesaggi nuvolosi aerei ispirati dalla sua vista dai finestrini degli aerei. Nel 1970 il Whitney Museum of American Art iniziò la prima retrospettiva del suo lavoro a New York dal 1946, che rilanciò notevolmente la sua carriera.
Anche se la sua vista divenne compromessa negli anni 70, continuò a lavorare a matita e carboncino fino al 1984 e produsse anche vasi di creta e una serie di acquerelli. Nel 1986 morì nella sua casa di Santa Fe, New Mexico e chiese che le sue ceneri fossero sparse sulla cima della Pedernal Mountain.
Mentre il suo lavoro variava tra i ritratti letterali, le astrazioni e i paesaggi, l’opera della O’Keeffe è ancora identificata dai suoi iconici dipinti di fiori. Nel 2014 il Georgia O’Keefe Museum ha venduto all’asta un dipinto floreale per 44 milioni di dollari stabilendo il record di opere d’arte vendute da un’artista donna. Il pezzo, intitolato Jimson Weed/White Flower No.1 è stato dipinto nel 1932 ed è una rappresentazione iconica di un fiore su larga scala.
Georgia O’Keeffe morì nel 1986, all’età di novantanove anni. Durante la sua vita, ha ricevuto un successo di critica senza precedenti. Fu eletta al National Institute of Arts & Letters, all’American Academy of Arts & Letters e ricevette la United States Medal of Freedom. Nel 1946, fu la prima donna onorata con una retrospettiva al Museum of Modern Art e, venticinque anni dopo, la retrospettiva del Whitney Museum sull’opera di questa “Mighty Mother” le procurò un rinnovato successo di critica e un ardente seguito femminista. Dopo la sua morte, una gran parte del suo patrimonio fu trasferita alla Georgia O’Keefe Foundation. Più tardi, quando questa fondazione si sciolse, fu istituito il Georgia O’Keeffe Museum a Santa Fe, New Mexico. I beni del suo patrimonio includevano un immenso corpo di opere e materiali d’archivio. La sua casa nel New Mexico è stata designata come National Historic Landmark ed è anche di proprietà del museo O’Keeffe.
Nel suo lavoro e nella sua vita, la O’Keeffe fu impenetrabilmente fedele alla sua visione. Quando tentava di superare la sua intuizione per completare un lavoro assunto, diventava inquieta e tornava sempre a ciò che le sembrava familiare e naturale. Rimane una delle artiste più importanti e innovative del ventesimo secolo.