Uma das primeiras pintoras femininas a conseguir aclamação mundial por parte da crítica e do público em geral, Georgia O’Keeffe foi uma pintora americana que criou imagens impressionistas inovadoras que desafiaram as percepções e evoluíram constantemente ao longo da sua carreira.
Depois de estudar na School of the Art Institute of Chicago, frequentou a Art Students League em Nova Iorque, estudando com William Merritt Chase. Embora tenha impressionado a liga com sua pintura a óleo “Dead Rabbit with Copper Pot”, faltou-lhe auto-confiança e decidiu seguir uma carreira como artista comercial e mais tarde como professora e depois chefe do departamento de arte da Universidade West Texas A&M. Naquela época ela se familiarizou com uma paisagem que se tornaria icônica dentro de seu trabalho, o Palo Duro Canyon.
O’Keeffe não parou de produzir desenhos de carvão e aquarelas durante seu hiato, alguns dos quais foram vistos por Alfred Stieglitz, seu futuro marido. Stieglitz foi um fotógrafo de sucesso e promotor de arte moderna, dono da 291 Gallery em Nova York. Ele ficou impressionado com a sinceridade de seu trabalho e organizou sua primeira exposição individual em 2017, composta de pinturas a óleo e aquarelas concluídas no Texas.
Após seu casamento, O’Keeffe se tornou parte de um círculo interno de pintores modernistas americanos que freqüentemente expunham na galeria de Stieglitz. Muitas das obras produzidas por Georgia O’Keeffe durante as décadas de 1920 e 1930 pairam aliciantemente nas margens entre a figuração e a abstração. A noção de que o carro poderia ser inteiramente não representativo, ou abstrato, foi amplamente explorada na década de 1910, particularmente nas obras do pintor russo Wassily Kandinsky e do holandês Piet Mondrian. As obras de O’Keeffe mudaram para pinturas a óleo que pareciam ser formas naturais ampliadas. Em 1925, a sua primeira pintura de flores em grande escala foi exposta em Nova Iorque. Petúnia marcou o início de um período de exploração sobre o tema floral que continuaria durante toda a sua carreira. Ao ampliar o seu tema, ela enfatizou a forma e a cor e chamou a atenção para os pequenos detalhes dentro da flor.
Durante sua vida, a flor é um motivo ao qual Georgia O’Keeffe sempre retorna, pois os artistas sempre voltaram aos seus amados temas – Van Gogh hisSunflowers, Monet his Water Lilies, e Rembrandt seu auto-retrato. Os temas da pintura de O’Keeffe chamaram a atenção de colecionadores e críticos que responderam com alacridade. A sua discussão sobre as obras de O’Keeffe foi frequentemente colorida pelos princípios popularizados de Sigmund Freud, que na década de 1920 eram generalizados na América. Em uma atmosfera cultural inicialmente excitada e gradualmente transformada por suas teorias, a arte e sua recepção crítica – como muitos outros aspectos da vida moderna – onde invariavelmente, e indelevelmente colorida pela consideração freudiana. Muitos afirmam que as imagens que Georgia O’Keeffe criou ao pintar flores, era um trabalho altamente sexual, e muitos chegaram ao ponto de dizer que era uma forma de arte erótica; mas O’Keeffe rejeitou essa teoria de forma consistente. Numa tentativa de desviar a atenção dos seus críticos das suas interpretações freudianas do seu trabalho, ela começou a pintar num estilo mais representativo.
Na sua série sobre Nova Iorque, O’Keeffe destacou-se na pintura de estruturas arquitectónicas como sendo altamente realista e empregou de forma especializada o estilo de Precisionismo dentro do seu trabalho. “Radiator Building-Night, New York” de 1927 também pode ser interpretado como um retrato duplo de Steiglitz e O’Keeffe. Este tipo de retrato foi popular entre o círculo de Steiglitz na época e muito influenciado pela poesia de Gertrude Stein.
Em 1929, buscando solidão e uma fuga de uma multidão que talvez se sentisse artística e socialmente opressiva, O’Keeffe viajou para o Novo México e começou um caso de amor inspirador com o cenário visual do estado. Durante 20 anos ela passou parte de cada ano trabalhando no Novo México, tornando-se cada vez mais interessada nas formas de caveiras de animais e nas paisagens do sudoeste.
Enquanto a sua popularidade continuava a crescer, O’Keeffe procurava cada vez mais consolo no Novo México. Sua pintura Cabeça de Carneiro com Hollyhock encapsula tanta novidade enquanto ainda mantém com sua estética clássica de ampliar e mostrar a beleza em pequenos e naturais detalhes. Enquanto o seu interesse pelo sudoeste aumentava, também aumentava o valor das suas pinturas nas galerias de Nova Iorque.
Foi apresentada em duas retrospectivas de uma mulher no Art Institute of Chicago e no Museum of Modern Art em Manhattan nos anos 40, tornando-se a primeira mulher a ter uma retrospectiva nesta última. Ela desenvolveu um interesse obsessivo em formações rochosas perto de sua casa no Novo México e passou horas pintando ao sol e ao vento.
Em 1946 o marido de O’Keeffe Stieglitz sofreu uma trombose cerebral e ela se mudou de volta para Nova York por três anos após sua morte para assentar sua propriedade antes de se estabelecer permanentemente no Novo México. Com a perda de Stieglitz veio a diminuição da sua exposição pública. O’Keeffe voltou a interessar-se pelas formas arquitectónicas, desta vez concentrando-se em detalhes como a sua parede do pátio e a sua porta. Sua escada à lua de 1958 marcou mais uma mudança em seu trabalho, que muitos interpretaram como um auto-retrato que retratava a natureza transitória de sua vida. Outros o viam como uma afirmação religiosa que mostrava uma ligação entre a terra e as forças cósmicas acima dela.
Adicionando a uma história de abstração, no início dos anos 60 O’Keeffe pintou uma extensa coleção de paisagens aéreas de nuvens inspiradas em sua visão a partir das janelas dos aviões. Em 1970 o Museu Whitney de Arte Americana iniciou a primeira carreira retrospectiva de sua obra em Nova York desde 1946, o que reviveu muito sua carreira.
Embora a sua visão tenha ficado comprometida nos anos 70, continuou a trabalhar com lápis e carvão até 1984 e também produziu potes de barro e uma série de aguarelas. Em 1986 ela morreu em sua casa em Santa Fé, Novo México e pediu que suas cinzas fossem espalhadas sobre o topo da Montanha Pedernal.
Embora seu trabalho variasse entre os retratos literais, abstrações e paisagens, a obra de O’Keeffe ainda é mais identificada por suas pinturas florais icônicas. Em 2014, o Museu Georgia O’Keefe vendeu uma pintura floral por 44 milhões de dólares em leilão, estabelecendo o recorde de obras de arte vendidas por uma artista feminina. A peça, intitulada Jimson Weed/White Flower No.1 foi pintada em 1932 e é uma representação icônica de uma flor em grande escala.
Georgia O’Keeffe morreu em 1986, com a idade de noventa e nove anos. Em sua vida, ela recebeu uma aclamação crítica sem precedentes. Foi eleita para o Instituto Nacional de Artes & Cartas, a Academia Americana de Artes & Cartas, e recebeu a Medalha da Liberdade dos Estados Unidos. Em 1946, foi a primeira mulher homenageada com uma retrospectiva no Museu de Arte Moderna e, vinte e cinco anos depois, a retrospectiva do Museu Whitney sobre esta obra “Mighty Mother’s” recebeu uma aclamação crítica renovada e uma ardente seguidora feminista. Após a sua morte, grande parte do património da sua propriedade foi transferido para a Fundação Georgia O’Keefe. Mais tarde, quando esta fundação dissolveu o Museu Georgia O’Keeffe, foi estabelecido em Santa Fé, Novo México. Os bens da sua propriedade incluíam um imenso corpo de trabalho e materiais de arquivo. A sua casa no Novo México foi designada como Património Histórico Nacional, sendo também propriedade do museu O’Keeffe.
Com o seu trabalho e vida, O’Keeffe não tinha qualquer desculpa pela sua própria visão. Quando ela tentou superar a sua intuição para completar o trabalho contratado, ela ficou perturbada e sempre se retirou para o que lhe parecia familiar e natural. Ela continua a ser uma das artistas mais importantes e inovadoras do século XX.