L’une des premières femmes peintres à être acclamée dans le monde entier par la critique et le grand public, Georgia O’Keeffe est une peintre américaine qui a créé des images impressionnistes innovantes qui ont défié les perceptions et ont constamment évolué tout au long de sa carrière.
Après avoir étudié à l’école de l’Art Institute de Chicago, elle a fréquenté l’Art Students League de New York, où elle a étudié sous la direction de William Merritt Chase. Bien qu’elle ait impressionné la ligue avec sa peinture à l’huile » Lapin mort avec pot en cuivre « , elle manque de confiance en elle et décide de poursuivre une carrière d’artiste commerciale, puis d’enseignante et ensuite de directrice du département d’art de l’université West Texas A&M. C’est à cette époque qu’elle fait connaissance avec un paysage qui deviendra iconique dans son œuvre, le Palo Duro Canyon.
O’Keeffe ne cesse de produire des dessins au fusain et des aquarelles pendant son hiatus, dont certains sont vus par Alfred Stieglitz, son futur mari. Stieglitz était un photographe à succès et un promoteur d’art moderne qui possédait la galerie 291 à New York. Il a été frappé par la sincérité de son travail et a organisé sa première exposition personnelle en 2017, composée de peintures à l’huile et d’aquarelles réalisées au Texas.
Après leur mariage, O’Keeffe a fait partie d’un cercle restreint de peintres modernistes américains qui exposaient fréquemment dans la galerie de Stieglitz. De nombreuses œuvres produites par Georgia O’Keeffe au cours des années 1920 et 1930 planent de manière séduisante sur les marges entre figuration et abstraction. L’idée que la voiture puisse être entièrement non représentative, ou abstraite, a été largement explorée au cours de la décennie 1910, notamment dans les œuvres du peintre russe Wassily Kandinsky et du Néerlandais Piet Mondrian. Les œuvres d’O’Keeffe se sont orientées vers des peintures à l’huile qui semblaient être des formes naturelles magnifiées. En 1925, sa première peinture de fleurs à grande échelle est exposée à New York. Petunia marque le début d’une période d’exploration du thème de la fleur qui se poursuivra tout au long de sa carrière. En agrandissant son sujet, elle mettait l’accent sur la forme et la couleur et attirait l’attention sur les petits détails de la fleur.
Durant sa vie, la fleur est un motif auquel Georgia O’Keeffe revient toujours, comme les artistes sont toujours revenus à leurs thèmes favoris – Van Gogh sesSunflowers, Monet ses Water Lilies, et Rembrandt son autoportrait. Les sujets des tableaux de O’Keeffe ont attiré l’attention des collectionneurs et des critiques qui ont réagi avec empressement. Leurs discussions sur les œuvres de O’Keeffe étaient souvent colorées par les principes popularisés de Sigmund Freud, qui, dans les années 1920, étaient très répandus en Amérique. Dans une atmosphère culturelle initialement titillée et progressivement transformée par ses théories, l’art et sa réception critique – comme de nombreux autres aspects de la vie moderne – étaient invariablement et indélébilement colorés par la considération freudienne. Nombreux sont ceux qui prétendent que les images que Georgia O’Keeffe créait en peignant des fleurs étaient un travail hautement sexuel, et beaucoup sont allés jusqu’à dire qu’il s’agissait d’une forme d’art érotique ; mais O’Keeffe a toujours rejeté cette théorie. Dans une tentative de détourner l’attention de ses critiques de leurs interprétations freudiennes de son travail, elle a commencé à peindre dans un style plus représentatif.
Dans sa série sur New York, O’Keeffe excelle à peindre des structures architecturales comme très réalistes et emploie de manière experte le style du Précisionnisme dans son travail. « Radiator Building-Night, New York » de 1927 peut également être interprété comme un double portrait de Steiglitz et O’Keeffe. Ce type de portrait d’objet était populaire dans le cercle de Steiglitz à l’époque et grandement influencé par la poésie de Gertrude Stein.
En 1929, à la recherche de solitude et d’une échappatoire à une foule qui se sentait peut-être oppressive sur le plan artistique et social, O’Keeffe s’est rendue au Nouveau-Mexique et a entamé une histoire d’amour inspirée avec le paysage visuel de l’État. Pendant 20 ans, elle a passé une partie de chaque année à travailler au Nouveau-Mexique, s’intéressant de plus en plus aux formes des crânes d’animaux et aux paysages du sud-ouest.
Alors que sa popularité ne cessait de croître, O’Keeffe cherchait de plus en plus à se consoler au Nouveau-Mexique. Sa peinture Tête de bélier avec rose trémière englobe tant de nouveauté tout en maintenant avec son esthétique classique de magnifier et de montrer la beauté dans les petits détails naturels. Alors que son intérêt pour le sud-ouest augmentait, la valeur de ses peintures dans les galeries new-yorkaises augmentait également.
Elle a fait l’objet de deux rétrospectives solo à l’Art Institute of Chicago et au Museum of Modern Art de Manhattan dans les années 40, devenant la première femme à avoir une rétrospective dans ce dernier. Elle développe un intérêt obsessionnel pour les formations rocheuses près de sa maison au Nouveau-Mexique et passe des heures à peindre au soleil et au vent.
En 1946, le mari d’O’Keeffe, Stieglitz, est victime d’une thrombose cérébrale et elle retourne à New York pendant trois ans après sa mort pour régler sa succession avant de s’installer définitivement au Nouveau-Mexique. La perte de Stieglitz entraîne une diminution de son exposition au public. O’Keeffe s’intéresse à nouveau aux formes architecturales, en se concentrant cette fois sur des détails comme le mur et la porte de son patio. Son tableau Ladder to the Moon (1958) marque un autre changement dans son œuvre, que beaucoup interprètent comme un autoportrait illustrant la nature transitoire de sa vie. D’autres y voient une déclaration religieuse qui montre un lien entre la terre et les forces cosmiques au-dessus d’elle.
Ajoutant à une histoire d’abstraction, au début des années 1960, O’Keeffe peint une vaste collection de paysages de nuages aériens inspirés de sa vue depuis les fenêtres des avions. En 1970, le Whitney Museum of American Art entreprend la première rétrospective de son œuvre à New York depuis 1946, ce qui relance considérablement sa carrière.
Bien que sa vue soit devenue compromise dans les années 1970, elle a continué à travailler au crayon et au fusain jusqu’en 1984 et a également produit des pots d’argile et une série d’aquarelles. En 1986, elle meurt à son domicile de Santa Fe, au Nouveau-Mexique, et demande que ses cendres soient dispersées au sommet de la montagne Pedernal.
Alors que son travail variait entre les portraits littéraux, les abstractions et les paysages, l’œuvre d’O’Keeffe est toujours la plus identifiée par ses peintures de fleurs emblématiques. En 2014, le Georgia O’Keefe Museum a vendu une peinture florale pour 44 millions de dollars aux enchères, établissant le record pour une œuvre d’art vendue par une artiste féminine. L’œuvre, intitulée Jimson Weed/White Flower No.1 a été peinte en 1932 et est une représentation iconique d’une fleur à grande échelle.
Georgia O’Keeffe est décédée en 1986, à l’âge de quatre-vingt-dix-neuf ans. De son vivant, elle a reçu un accueil critique sans précédent. Elle a été élue au National Institute of Arts & Letters, à l’American Academy of Arts & Letters, et a reçu la United States Medal of Freedom. En 1946, elle a été la première femme honorée par une rétrospective au Musée d’art moderne et, vingt-cinq ans plus tard, la rétrospective du Whitney Museum consacrée à l’œuvre de cette » mère puissante » lui a valu un nouvel éloge de la critique et un ardent soutien féministe. Après sa mort, une grande partie des biens de sa succession a été transférée à la Fondation Georgia O’Keefe. Après la dissolution de cette fondation, le Georgia O’Keeffe Museum a été créé à Santa Fe, au Nouveau-Mexique. Les biens de sa succession comprenaient un immense ensemble d’œuvres et de documents d’archives. Sa maison au Nouveau-Mexique a été désignée comme National Historic Landmark et appartient également au musée O’Keeffe.