Georgia O’Keeffe az egyik első női festő, aki világszerte elismerést szerzett a kritikusok és a nagyközönség körében, Georgia O’Keeffe amerikai festőnő volt, aki innovatív impresszionista képeket alkotott, amelyek megkérdőjelezték a felfogást és folyamatosan fejlődtek pályája során.
A chicagói School of the Art Institute of Chicago után a New York-i Art Students League-be járt, ahol William Merritt Chase mellett tanult. Bár lenyűgözte a ligát a “Döglött nyúl rézedénnyel” című olajfestményével, nem volt elég önbizalma, és úgy döntött, hogy kereskedelmi művészként, majd később tanárként, majd a West Texas A&M University művészeti tanszékének vezetőjeként folytatja karrierjét. Ekkor ismerkedett meg egy olyan tájjal, amely később ikonikussá vált a munkásságában, a Palo Duro Canyonnal.
O’Keeffe szünete alatt sem hagyta abba a szénrajzok és akvarellek készítését, amelyek közül néhányat későbbi férje, Alfred Stieglitz is látott. Stieglitz sikeres fotográfus és a modern művészet támogatója volt, aki a 291 Galéria tulajdonosa volt New Yorkban. Meglepődött a munkáiban rejlő őszinteségen, és 2017-ben megszervezte első önálló kiállítását, amely a Texasban elkészült olajfestményekből és akvarellekből állt.
Házasságuk után O’Keeffe az amerikai modernista festők belső körének tagja lett, akik gyakran állítottak ki Stieglitz galériájában. Georgia O’Keeffe 1920-as és 1930-as években készült számos műve csábítóan lebeg a figuráció és az absztrakció határán. Az 1910-től kezdődő évtizedben széles körben foglalkoztak azzal a gondolattal, hogy az autó lehet teljesen ábrázolásmentes vagy absztrakt, különösen az orosz festő, Wassily Kandinszkij és a holland Piet Mondrian műveiben. O’Keeffe művei eltolódtak az olajfestmények felé, amelyek felnagyított természeti formáknak tűntek. Első nagyméretű virágfestményét 1925-ben állították ki New Yorkban. A Petúnia jelezte a virágtéma felfedezésének kezdetét, amely egész pályafutása során folytatódott. A téma felnagyításával hangsúlyozta a formát és a színeket, és felhívta a figyelmet a virágon belüli apró részletekre.
Élete során a virág olyan motívum, amelyhez Georgia O’Keeffe mindig visszatér, ahogyan a művészek is mindig visszatérnek szeretett témáikhoz – Van Gogh a napraforgóihoz, Monet a tavirózsáihoz és Rembrandt az önarcképéhez. O’Keeffe festményeinek témái felkeltették a gyűjtők és a kritikusok figyelmét, akik készségesen reagáltak rájuk. Az O’Keeffe műveiről folytatott vitáikat gyakran Sigmund Freud népszerűsített tételei színesítették, amelyek az 1920-as évekre széles körben elterjedtek Amerikában. A kezdetben az ő elméletei által felcsigázott és fokozatosan átalakuló kulturális légkörben a művészetet és annak kritikai fogadtatását – mint a modern élet sok más aspektusát – változatlanul és kitörölhetetlenül a freudi megfontolások színezték. Sokan állították, hogy azok a képek, amelyeket Georgia O’Keeffe a virágok festésekor alkotott, erősen szexuális jellegű alkotások voltak, és sokan odáig mentek, hogy erotikus művészeti formának mondták; de O’Keeffe következetesen elutasította ezt az elméletet. Annak érdekében, hogy elmozdítsa kritikusai figyelmét a munkásságáról alkotott freudi értelmezéseikről, ábrázolóbb stílusban kezdett festeni.
A New Yorkról szóló sorozatában O’Keeffe az építészeti struktúrák rendkívül realisztikusnak való megfestésében jeleskedett, és művein belül szakszerűen alkalmazta a precizizmus stílusát. Az 1927-ben készült “Radiator Building-Night, New York” című alkotás Steiglitz és O’Keeffe kettős portréjaként is értelmezhető. Az ilyen jellegű tárgyportrék akkoriban népszerűek voltak a Steiglitz-körben, és nagy hatással volt rájuk Gertrude Stein költészete.
1929-ben O’Keeffe magányt keresve és menekülve a tömeg elől, amelyet talán művészileg és társadalmilag is nyomasztónak érzett, Új-Mexikóba utazott, és inspiráló szerelmi viszonyba kezdett az állam vizuális tájaival. Húsz éven át minden év egy részét Új-Mexikóban töltötte, ahol egyre jobban érdekelték az állati koponyák formái és a délnyugati tájak.
Míg népszerűsége egyre nőtt, O’Keeffe egyre inkább Új-Mexikóban keresett vigaszt. A Ram’s Head with Hollyhock című festménye annyi újdonságot foglal magába, hogy megőrizte klasszikus esztétikáját, amely az apró, természetes részletekben rejlő szépséget nagyítja fel és mutatja meg. Miközben a délnyugat iránti érdeklődése nőtt, festményeinek értéke is nőtt a New York-i galériákban.
A 40-es években két egyszemélyes retrospektív kiállításon is szerepelt a chicagói Art Institute of Chicagóban és a manhattani Museum of Modern Artban, ez utóbbiban az első nő volt, akinek retrospektív kiállítása volt. Megszállottan érdeklődött az új-mexikói otthona közelében lévő sziklaalakzatok iránt, és órákon át festett a napon és a szélben.
1946-ban O’Keeffe férje, Stieglitz agytrombózist szenvedett, és a férfi halála után három évre visszaköltözött New Yorkba, hogy rendezze a hagyatékát, mielőtt végleg Új-Mexikóban telepedett volna le. Stieglitz elvesztésével párhuzamosan csökkent a nyilvánosság előtt való kitettsége. O’Keeffe ismét az építészeti formák iránt kezdett érdeklődni, ezúttal olyan részletekre összpontosítva, mint a teraszfal és az ajtó. A Létra a Holdra című 1958-as festménye újabb változást jelentett munkásságában, amelyet sokan önarcképként értelmeztek, amely életének mulandóságát ábrázolja. Mások vallási vallomásként tekintettek rá, amely a föld és a felette lévő kozmikus erők közötti kapcsolatot mutatja be.
Az absztrakció történetét kiegészítve, az 1960-as évek elején O’Keeffe a repülőgépek ablakaiból való kilátásból ihletett légi felhőképek kiterjedt gyűjteményét festette meg. 1970-ben a Whitney Museum of American Art 1946 óta először rendezett New Yorkban retrospektív karriert munkáiból, ami nagyban felpezsdítette karrierjét.
Noha az 1970-es években látása megromlott, 1984-ig folytatta a ceruzával és szénnel való munkát, valamint agyagedényeket és egy akvarellsorozatot is készített. 1986-ban az új-mexikói Santa Fében lévő otthonában halt meg, és azt kérte, hogy hamvait a Pedernal-hegy tetején szórják szét.
Míg munkássága a szó szerinti portrék, absztrakciók és tájképek között váltakozott, O’Keeffe munkásságát máig leginkább ikonikus virágfestményeivel azonosítják. 2014-ben a Georgia O’Keefe Múzeum 44 millió dollárért árverezett el egy virágfestményt egy aukción, ezzel rekordot állítva fel a női művész által eladott műalkotások tekintetében. A Jimson Weed/White Flower No.1 című művet 1932-ben festették, és egy nagyméretű virág ikonikus ábrázolása.
Georgia O’Keeffe 1986-ban, kilencvenkilenc éves korában halt meg. Életében példátlan kritikai elismerésben részesült. Beválasztották a National Institute of Arts & Letters, az American Academy of Arts & Letters tagjai közé, és megkapta az Egyesült Államok Szabadság-érmét. 1946-ban ő volt az első nő, akit retrospektív kiállítással tisztelt meg a Museum of Modern Art, és huszonöt évvel később a Whitney Múzeum retrospektív kiállítása a “Hatalmas anya” munkásságával újabb kritikai elismerést és lelkes feminista követőket szerzett neki. Halála után hagyatékának nagy részét a Georgia O’Keefe Alapítványra ruházták át. Később, amikor ez az alapítvány megszűnt, az új-mexikói Santa Fe-ben létrehozták a Georgia O’Keeffe Múzeumot. A hagyatékából származó vagyon hatalmas mennyiségű művet és archív anyagot tartalmazott. Az O’Keeffe Múzeum tulajdonában van az új-mexikói otthona is, amelyet nemzeti műemlékké nyilvánítottak.
Munkájában és életében O’Keeffe megalkuvás nélkül hű volt saját elképzeléseihez. Amikor mégis megpróbálta felülírni az intuícióját, hogy befejezze a bérmunkát, zavarba jött, és mindig visszahúzódott ahhoz, amit ismerősnek és természetesnek érzett. A huszadik század egyik legjelentősebb és leginnovatívabb művésze maradt.