Una de las primeras mujeres pintoras en lograr la aclamación mundial de la crítica y el público en general, Georgia O’Keeffe fue una pintora estadounidense que creó innovadoras imágenes impresionistas que desafiaron las percepciones y evolucionaron constantemente a lo largo de su carrera.
Después de estudiar en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, asistió a la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York, donde estudió con William Merritt Chase. Aunque impresionó a la liga con su óleo «Dead Rabbit with Copper Pot» (Conejo muerto con olla de cobre), le faltaba confianza en sí misma y decidió seguir una carrera como artista comercial y, más tarde, como profesora y luego directora del departamento de arte de la West Texas A&M University. En esa época conoció un paisaje que se convertiría en un icono de su obra, el Cañón de Palo Duro.
O’Keeffe no dejó de producir dibujos al carbón y acuarelas durante su paréntesis, algunos de los cuales fueron vistos por Alfred Stieglitz, su futuro marido. Stieglitz era un exitoso fotógrafo y promotor del arte moderno, propietario de la Galería 291 de Nueva York. Le llamó la atención la sinceridad de su obra y organizó su primera exposición individual en 2017, compuesta por óleos y acuarelas realizados en Texas.
Tras su matrimonio, O’Keeffe pasó a formar parte de un círculo íntimo de pintores modernistas estadounidenses que exponían con frecuencia en la galería de Stieglitz. Muchas de las obras producidas por Georgia O’Keeffe durante las décadas de 1920 y 1930 rondan tentadoramente los márgenes entre la figuración y la abstracción. La noción de que el automóvil podía ser totalmente no representativo, o abstracto, fue ampliamente explorada en la década a partir de 1910, especialmente en las obras del pintor ruso Wassily Kandinsky y del holandés Piet Mondrian. Las obras de O’Keeffe se decantaron por pinturas al óleo que parecían formas naturales ampliadas. En 1925, su primer cuadro de flores a gran escala se expuso en Nueva York. Petunia marcó el inicio de un periodo de exploración sobre el tema de las flores que continuaría a lo largo de su carrera. Al ampliar el tema, destacó la forma y el color y llamó la atención sobre los pequeños detalles de la flor.
Durante su vida, la flor es un motivo al que Georgia O’Keeffe siempre vuelve, al igual que los artistas siempre han vuelto a sus temas más queridos: Van Gogh con sus Girasoles, Monet con sus Nenúfares y Rembrandt con su autorretrato. Los temas de la pintura de O’Keeffe llamaron la atención de coleccionistas y críticos, que respondieron con presteza. Sus debates sobre las obras de O’Keeffe se vieron a menudo influidos por los principios popularizados de Sigmund Freud, que en la década de 1920 estaban muy extendidos en Estados Unidos. En una atmósfera cultural inicialmente excitada y gradualmente transformada por sus teorías, el arte y su recepción crítica -como muchos otros aspectos de la vida moderna- estaban invariablemente e indeleblemente teñidos por la consideración freudiana. Muchos afirman que las imágenes que Georgia O’Keeffe creaba al pintar flores, era un trabajo altamente sexual, y muchos llegaron a decir que era una forma de arte erótico; pero O’Keeffe rechazó esa teoría sistemáticamente. En un intento de alejar la atención de sus críticos de las interpretaciones freudianas de su obra, comenzó a pintar en un estilo más representativo.
En su serie sobre Nueva York, O’Keeffe destacó por pintar estructuras arquitectónicas con gran realismo y empleó con maestría el estilo del Precisionismo en su obra. «Radiator Building-Night, New York», de 1927, también puede interpretarse como un doble retrato de Steiglitz y O’Keeffe. Este tipo de retrato objetual era muy popular entre el círculo de Steiglitz en aquella época y estaba muy influenciado por la poesía de Gertrude Stein.
En 1929, en busca de soledad y de un escape de una multitud que quizás se sentía artística y socialmente opresiva, O’Keeffe viajó a Nuevo México y comenzó una inspiradora historia de amor con el paisaje visual del estado. Durante 20 años pasó parte de cada año trabajando en Nuevo México, interesándose cada vez más por las formas de los cráneos de animales y los paisajes del suroeste.
Mientras su popularidad seguía creciendo, O’Keeffe buscaba cada vez más consuelo en Nuevo México. Su cuadro Cabeza de carnero con malvarrosa encierra tanta novedad al tiempo que mantiene su estética clásica de magnificar y mostrar la belleza en los pequeños detalles naturales. Mientras su interés por el suroeste aumentaba, también lo hacía el valor de sus cuadros en las galerías de Nueva York.
Participó en dos retrospectivas individuales en el Instituto de Arte de Chicago y en el Museo de Arte Moderno de Manhattan en los años 40, convirtiéndose en la primera mujer en tener una retrospectiva en este último. Desarrolló un interés obsesivo por las formaciones rocosas cercanas a su hogar en Nuevo México y pasaba horas pintando al sol y al viento.
En 1946 el marido de O’Keeffe, Stieglitz, sufrió una trombosis cerebral y ella se trasladó a Nueva York durante tres años tras su muerte para liquidar su patrimonio antes de establecerse definitivamente en Nuevo México. Con la pérdida de Stieglitz disminuyó su exposición pública. O’Keeffe volvió a interesarse por las formas arquitectónicas, esta vez centrándose en detalles como la pared y la puerta de su patio. Su cuadro Escalera a la luna, de 1958, supuso otro cambio en su obra, que muchos interpretaron como un autorretrato que representaba la naturaleza transitoria de su vida. Otros lo consideraron una declaración religiosa que mostraba un vínculo entre la tierra y las fuerzas cósmicas que se encontraban sobre ella.
Para completar su historia de abstracción, a principios de la década de 1960 O’Keeffe pintó una amplia colección de paisajes nubosos aéreos inspirados en su visión desde las ventanas de los aviones. En 1970, el Museo Whitney de Arte Americano inició la primera retrospectiva de su obra en Nueva York desde 1946, lo que revitalizó enormemente su carrera.
Aunque su vista se vio comprometida en la década de 1970, continuó trabajando a lápiz y carbón hasta 1984 y también produjo vasijas de arcilla y una serie de acuarelas. En 1986 murió en su casa de Santa Fe, Nuevo México, y pidió que sus cenizas se esparcieran en la cima de la montaña Pedernal.
Aunque su obra varió entre los retratos literales, las abstracciones y los paisajes, la obra de O’Keeffe sigue siendo más identificada por sus icónicas pinturas de flores. En 2014 el Museo Georgia O’Keefe vendió un cuadro floral por 44 millones de dólares en una subasta estableciendo el récord de obras de arte vendidas por una artista femenina. La obra, titulada Jimson Weed/White Flower No.1 fue pintada en 1932 y es una representación icónica de una flor a gran escala.
Georgia O’Keeffe murió en 1986, a la edad de noventa y nueve años. En vida, recibió una aclamación crítica sin precedentes. Fue elegida miembro del Instituto Nacional de las Artes & y de la Academia Americana de las Artes & y recibió la Medalla de la Libertad de los Estados Unidos. En 1946, fue la primera mujer honrada con una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno y, veinticinco años más tarde, la retrospectiva del Museo Whitney de la obra de esta «Madre Poderosa» le valió una nueva aclamación de la crítica y un ardiente seguimiento feminista. Tras su muerte, gran parte de su patrimonio se transfirió a la Fundación Georgia O’Keefe. Más tarde, cuando esta fundación se disolvió, se creó el Museo Georgia O’Keeffe en Santa Fe, Nuevo México. Los activos de su patrimonio incluyen un inmenso cuerpo de trabajo y materiales archivados. Su casa en Nuevo México fue designada monumento histórico nacional y también es propiedad del museo O’Keeffe.
En su obra y en su vida, O’Keeffe se mantuvo fiel a su propia visión. Cuando intentaba superar su intuición para completar un trabajo contratado, se sentía perturbada y siempre volvía a lo que le resultaba familiar y natural. Sigue siendo una de las artistas más importantes e innovadoras del siglo XX.