Georgia O’Keeffe var en af de første kvindelige malere, der opnåede verdensomspændende anerkendelse fra kritikere og offentligheden, og var en amerikansk maler, der skabte innovative impressionistiske billeder, der udfordrede opfattelser og udviklede sig konstant i løbet af sin karriere.
Efter at have studeret på School of the Art Institute of Chicago gik hun på Art Students League i New York, hvor hun studerede under William Merritt Chase. Selv om hun imponerede ligaen med sit oliemaleri “Dead Rabbit with Copper Pot”, manglede hun selvtillid og besluttede at forfølge en karriere som reklamekunstner og senere som lærer og senere leder af kunstafdelingen på West Texas A&M University. På det tidspunkt stiftede hun bekendtskab med et landskab, der skulle blive ikonisk i hendes værk, Palo Duro Canyon.
O’Keeffe holdt ikke op med at lave kultegninger og akvareller i sin pause, hvoraf nogle blev set af Alfred Stieglitz, hendes senere mand. Stieglitz var en succesfuld fotograf og promotor af moderne kunst, som ejede 291 Gallery i New York City. Han blev ramt af oprigtigheden i hendes værker og organiserede hendes første soloudstilling i 2017, som bestod af oliemalerier og akvareller, der var færdiggjort i Texas.
Efter deres ægteskab blev O’Keeffe en del af en inderkreds af amerikanske modernistiske malere, som ofte udstillede i Stieglitz’ galleri. Mange af de værker, som Georgia O’Keeffe fremstillede i 1920’erne og 1930’erne, svæver lokkende på grænsen mellem figuration og abstraktion. Forestillingen om, at biler kan være helt ikke-repræsentative eller abstrakte, blev udforsket bredt i årtiet fra 1910, især i værker af den russiske maler Wassily Kandinsky og hollænderen Piet Mondrian. O’Keeffes værker skiftede i retning af oliemalerier, der fremstod som forstørrede naturformer. I 1925 blev hendes første store blomstermaleri udstillet i New York i stor skala. Petunia markerede begyndelsen på en periode med udforskning af blomstertemaet, som skulle fortsætte gennem hele hendes karriere. Ved at forstørre sit motiv fremhævede hun form og farve og henledte opmærksomheden på de små detaljer i blomsten.
Blomsten er et motiv, som Georgia O’Keeffe altid vender tilbage til i løbet af sit liv, ligesom kunstnere altid er vendt tilbage til deres elskede temaer – Van Gogh sine solblomster, Monet sine akvareller og Rembrandt sit selvportræt. O’Keeffes malerier fangede samleres og kritikeres opmærksomhed, som reagerede hurtigt. Deres diskussion af O’Keeffes værker var ofte farvet af Sigmund Freuds populæriserede tankegods, som i 1920’erne var meget udbredt i Amerika. I en kulturel atmosfære, der først blev pirret og efterhånden forandret af hans teorier, blev kunsten og dens kritiske modtagelse – ligesom mange andre aspekter af det moderne liv – uvægerligt og uudsletteligt farvet af freudianske overvejelser. Mange hævdede, at de billeder, som Georgia O’Keeffe skabte, når hun malede blomster, var et meget seksuelt arbejde, og mange gik så langt som til at sige, at det var en erotisk kunstform; men O’Keeffe afviste konsekvent denne teori. I et forsøg på at få kritikernes opmærksomhed væk fra deres freudianske fortolkninger af hendes værker begyndte hun at male i en mere repræsentativ stil.
I sin serie om New York udmærkede O’Keeffe sig ved at male arkitektoniske strukturer som meget realistiske og anvendte dygtigt præcisionismens stil i sit arbejde. “Radiator Building-Night, New York” fra 1927 kan også tolkes som et dobbeltportræt af Steiglitz og O’Keeffe. Objektportrætter af denne art var populære i Steiglitz’ kreds på det tidspunkt og var stærkt påvirket af Gertrude Steins poesi.
I 1929 rejste O’Keeffe, der søgte ensomhed og en flugt fra en menneskemængde, der måske føltes kunstnerisk og socialt undertrykkende, til New Mexico og indledte en inspirerende kærlighedsaffære med statens visuelle landskab. I 20 år brugte hun en del af hvert år på at arbejde i New Mexico, og hun blev mere og mere interesseret i dyreskallenes former og landskaberne i sydvesten.
Mens hendes popularitet fortsatte med at vokse, søgte O’Keeffe i stigende grad trøst i New Mexico. Hendes maleri Ram’s Head with Hollyhock indkapsler så meget nyt, samtidig med at hun fastholder sin klassiske æstetik med at forstørre og vise skønheden i små, naturlige detaljer. Mens hendes interesse for sydvesten voksede, steg også værdien af hendes malerier på gallerierne i New York.
Hun blev præsenteret i to one-woman retrospectives på Art Institute of Chicago og The Museum of Modern Art på Manhattan i 40’erne, og hun blev den første kvinde, der nogensinde fik en retrospective på sidstnævnte. Hun udviklede en besat interesse for klippeformationer i nærheden af sit hjem i New Mexico og brugte timer på at male i sol og vind.
I 1946 fik O’Keeffes mand Stieglitz en hjernetrombose, og hun flyttede tilbage til New York i tre år efter hans død for at afvikle hans bo, inden hun permanent bosatte sig i New Mexico. Med tabet af Stieglitz fulgte en mindsket offentlig eksponering af hende. O’Keeffe begyndte atter at interessere sig for arkitektoniske former, denne gang med fokus på detaljer som f.eks. hendes terrassevæg og dør. Hendes maleri Ladder to the Moon fra 1958 markerede endnu et skift i hendes arbejde, som mange tolkede som et selvportræt, der skildrede hendes livs flygtige natur. Andre så det som et religiøst udsagn, der viste en forbindelse mellem jorden og de kosmiske kræfter over den.
I begyndelsen af 1960’erne malede O’Keeffe, som supplement til sin abstraktionshistorie, en omfattende samling af skybilleder fra luften, der var inspireret af hendes udsigt fra vinduerne i flyvemaskiner. I 1970 indledte Whitney Museum of American Art den første retrospektive karriere af hendes værker i New York siden 1946, hvilket i høj grad genoplivede hendes karriere.
Men selv om hendes syn blev svækket i 1970’erne, fortsatte hun med at arbejde med blyant og trækul indtil 1984 og fremstillede også lerkrukker og en akvarel-serie. I 1986 døde hun i sit hjem i Santa Fe, New Mexico, og bad om at få sin aske spredt på toppen af Pedernal Mountain.
Mens hendes arbejde varierede mellem bogstavelige portrætter, abstraktioner og landskaber, er O’Keeffe’s arbejde stadig mest identificeret ved hendes ikoniske blomstermalerier. I 2014 solgte Georgia O’Keefe Museum et blomstermaleri for 44 millioner dollars på en auktion, hvilket satte rekorden for kunstværker solgt af en kvindelig kunstner. Værket, der har titlen Jimson Weed/White Flower No.1, blev malet i 1932 og er en ikonisk fremstilling af en blomst i stor skala.
Georgia O’Keeffe døde i 1986 i en alder af nioghalvfems år. I sin levetid modtog hun en hidtil uset kritikerroser. Hun blev valgt til National Institute of Arts & Letters, American Academy of Arts & Letters, og hun modtog USA’s Medal of Freedom. I 1946 var hun den første kvinde, der blev hædret med en retrospektiv udstilling på Museum of Modern Art, og 25 år senere gav Whitney Museum’s retrospektiv af denne “Mighty Mother’s” værk hende fornyet kritisk anerkendelse og en glødende feministisk fanskare. Efter hendes død blev en stor del af hendes formue overført til Georgia O’Keefe Foundation. Senere, da denne fond blev opløst, blev Georgia O’Keeffe-museet oprettet i Santa Fe, New Mexico. Aktiverne fra hendes bo omfattede en enorm mængde værker og arkiverede materialer. Hendes hjem i New Mexico blev udpeget som et nationalt historisk vartegn og er også ejet af O’Keeffe-museet.
I sit værk og i sit liv var O’Keeffe uforbeholdent tro mod sin egen vision. Når hun forsøgte at tilsidesætte sin intuition for at fuldføre et ansat værk, blev hun urolig og trak sig altid tilbage til det, der føltes velkendt og naturligt. Hun er fortsat en af de vigtigste og mest innovative kunstnere i det 20. århundrede.