Georgia O’Keeffe var en av de första kvinnliga målarna som fick världsomspännande hyllning av både kritiker och allmänhet.Georgia O’Keeffe var en amerikansk målare som skapade innovativa impressionistiska bilder som utmanade uppfattningar och som ständigt utvecklades under hennes karriär.
Efter att ha studerat vid School of the Art Institute of Chicago gick hon på Art Students League i New York och studerade under William Merritt Chase. Även om hon imponerade på ligan med sin oljemålning ”Dead Rabbit with Copper Pot”, saknade hon självförtroende och bestämde sig för att satsa på en karriär som reklamkonstnär och senare som lärare och sedan chef för konstavdelningen vid West Texas A&M University. Vid den tiden blev hon bekant med ett landskap som skulle bli ikoniskt i hennes verk, Palo Duro Canyon.
O’Keeffe slutade inte att producera kolteckningar och akvareller under sin paus, varav en del sågs av Alfred Stieglitz, hennes blivande make. Stieglitz var en framgångsrik fotograf och främjare av modern konst som ägde 291 Gallery i New York City. Han slogs av uppriktigheten i hennes verk och organiserade hennes första separatutställning 2017, som bestod av oljemålningar och akvareller som färdigställdes i Texas.
Efter deras äktenskap blev O’Keeffe en del av en inre krets av amerikanska modernistiska målare som ofta ställde ut i Stieglitz’ galleri. Många av de verk som Georgia O’Keeffe producerade under 1920- och 1930-talen svävar lockande på gränsen mellan figuration och abstraktion. Föreställningen att bilen kan vara helt icke-representativ, eller abstrakt, utforskades i stor utsträckning under decenniet efter 1910, särskilt i den ryske målaren Wassily Kandinskys och holländaren Piet Mondrians verk. O’Keeffes verk övergick till oljemålningar som verkade vara förstorade naturformer. År 1925 ställdes hennes första storskaliga blomstermålning ut i New York. Petunia markerade början på en period av utforskande av blomstertemat som skulle fortsätta under hela hennes karriär. Genom att förstora sitt motiv betonade hon form och färg och uppmärksammade de små detaljerna i blomman.
Under sitt liv är blomman ett motiv som Georgia O’Keeffe alltid återvänder till, på samma sätt som konstnärer alltid har återvänt till sina älskade teman – Van Gogh sina solblommor, Monet sina näckrosor och Rembrandt sitt självporträtt. O’Keeffes målningars motiv fångade uppmärksamheten hos samlare och kritiker som reagerade med iver. Deras diskussioner om O’Keeffes verk var ofta färgade av Sigmund Freuds populära läror, som på 1920-talet var utbredda i Amerika. I en kulturell atmosfär som först kittlades och gradvis förändrades av hans teorier, var konsten och dess kritiska mottagande – liksom många andra aspekter av det moderna livet – undantagslöst och outplånligt färgade av freudianska överväganden. Många hävdade att de bilder som Georgia O’Keeffe skapade när hon målade blommor var ett arbete som var mycket sexuellt, och många gick så långt som till att säga att det var en erotisk konstform, men O’Keeffe avvisade konsekvent denna teori. I ett försök att flytta kritikernas uppmärksamhet bort från deras freudianska tolkningar av hennes verk började hon måla i en mer representativ stil.
I sin serie om New York utmärkte sig O’Keeffe genom att måla arkitektoniska strukturer som mycket realistiska och använde sig på ett skickligt sätt av precisionismens stil i sitt arbete. ”Radiator Building-Night, New York” från 1927 kan också tolkas som ett dubbelporträtt av Steiglitz och O’Keeffe. Objektporträtt av detta slag var populärt i Steiglitzkretsen vid den här tiden och påverkades i hög grad av Gertrude Steins poesi.
1929 reste O’Keeffe, som sökte ensamhet och en flykt från en folkmassa som kanske kändes konstnärligt och socialt förtryckande, till New Mexico och inledde en inspirerande kärleksaffär med delstatens visuella landskap. Under 20 år tillbringade hon en del av varje år med att arbeta i New Mexico och blev alltmer intresserad av formerna på djurskallar och landskapen i sydväst.
Medans hennes popularitet fortsatte att växa sökte O’Keeffe allt oftare tröst i New Mexico. Hennes målning Ram’s Head with Hollyhock innehåller så mycket nytt samtidigt som hon behåller sin klassiska estetik att förstora och visa skönheten i små, naturliga detaljer. Samtidigt som hennes intresse för sydväst ökade, ökade också värdet på hennes målningar i New York-gallerierna.
Hon presenterades i två retrospektiva enmansutställningar på Art Institute of Chicago och The Museum of Modern Art på Manhattan på 40-talet, och blev den första kvinnan som någonsin fick en retrospektiv på det senare. Hon utvecklade ett tvångsmässigt intresse för bergsformationer nära sitt hem i New Mexico och tillbringade timmar med att måla i sol och vind.
1946 drabbades O’Keeffes make Stieglitz av en hjärntrombos och hon flyttade tillbaka till New York i tre år efter hans död för att reglera hans kvarlåtenskap innan hon permanent bosatte sig i New Mexico. I och med förlusten av Stieglitz minskade hennes offentliga exponering. O’Keeffe började återigen intressera sig för arkitektoniska former, den här gången med fokus på detaljer som hennes terrassvägg och dörr. Hennes målning Ladder to the Moon från 1958 markerade ännu ett skifte i hennes arbete som många tolkade som ett självporträtt som skildrade hennes livs förgänglighet. Andra såg den som ett religiöst uttalande som visade en koppling mellan jorden och kosmiska krafter ovanför den.
Som tillägg till en historia av abstraktion målade O’Keeffe i början av 1960-talet en omfattande samling molnlandskap från luften, inspirerade av hennes utsikt från flygplansfönstren. År 1970 inledde Whitney Museum of American Art den första retrospektiva karriären av hennes verk i New York sedan 1946, vilket i hög grad återupplivade hennes karriär.
Trots att hennes syn försämrades på 1970-talet fortsatte hon att arbeta med blyertspenna och träkol fram till 1984 och producerade även lerkrukor och en akvarellserie. År 1986 dog hon i sitt hem i Santa Fe, New Mexico och begärde att hennes aska skulle spridas på toppen av Pedernal Mountain.
Och även om hennes verk varierade mellan bokstavliga porträtt, abstraktioner och landskap är O’Keeffes verk fortfarande mest identifierat av hennes ikoniska blomstermålningar. År 2014 sålde Georgia O’Keefe Museum en blomstermålning för 44 miljoner dollar på auktion och satte därmed rekord för konstverk sålda av en kvinnlig konstnär. Verket med titeln Jimson Weed/White Flower No.1 målades 1932 och är en ikonisk representation av en storskalig blomma.
Georgia O’Keeffe dog 1986 vid nittionio års ålder. Under sin livstid fick hon ett oöverträffat kritiskt erkännande. Hon valdes in i National Institute of Arts & Letters, American Academy of Arts & Letters och fick USA:s Medal of Freedom. År 1946 var hon den första kvinnan som hedrades med en retrospektiv utställning på Museum of Modern Art, och tjugofem år senare gav Whitney-museets retrospektiv av denna ”Mighty Mother’s” verk henne förnyad kritisk hyllning och ett glödande feministiskt följe. Efter hennes död överfördes en stor del av hennes tillgångar till Georgia O’Keefe Foundation. När denna stiftelse senare upplöstes grundades Georgia O’Keeffe Museum i Santa Fe, New Mexico. Till tillgångarna i hennes dödsbo hörde ett enormt antal verk och arkivmaterial. Hennes hem i New Mexico utsågs till ett nationellt historiskt landmärke och ägs också av O’Keeffe-museet.
I sitt arbete och liv var O’Keeffe oförbehållsamt trogen sin egen vision. När hon försökte åsidosätta sin intuition för att slutföra ett inhyrt arbete blev hon orolig och drog sig alltid tillbaka till det som kändes bekant och naturligt. Hon är fortfarande en av 1900-talets viktigaste och mest innovativa konstnärer.