1 The Knife
Formati dal cantante Peter Gabriel e dal tastierista Tony Banks mentre erano studenti alla scuola pubblica Charterhouse, i Genesis iniziarono la loro carriera discografica in modo infausto con un debutto del 1969 prodotto da Jonathan King e con un titolo, From Genesis to Revelation, che lo vide archiviato con la musica religiosa nei negozi di dischi. L’anno seguente Trespass, il loro primo per la Charisma Records, si avvicinò al rock progressivo per il quale sarebbero presto diventati famosi, e The Knife – un’aggiunta tardiva all’album – fu la sua traccia più forte. Il testo – un acuto ripudio del tipo di miti spacciati dai manifesti di reclutamento militare – era, come Gabriel ammise più tardi, il lavoro di “uno studente della scuola pubblica che si ribellava al suo ambiente”, ma rimane un’opera emozionante, che anticipa l’inno contro la guerra dei Metallica, Disposable Heroes, che venne 15 anni dopo. I tempi mutevoli di The Knife, l’organo marciante e la chitarra seghettata sono meglio rappresentati sull’album Live del gruppo del 1973, con le nuove aggiunte Phil Collins (batteria) e Steve Hackett (chitarra) che danno al brano una giusta ferocia proto-thrash.
2 The Musical Box
Con il terzo album Nursery Cryme, la formazione classica dei Genesis era al suo posto, e l’eccentrico, macabro, nero lirismo comico che avrebbe caratterizzato l’era di Peter Gabriel nel gruppo venne alla ribalta. La copertina dell’album – un esercizio di contorto vittoriano dipinto da Paul Whitehead – raffigurava ragazzine che giocavano a croquet con teste mozzate, e traeva ispirazione dalla title track dell’album. Gabriel abbozzò la narrativa contorta della canzone in una breve vignetta sulla copertina interna, raccontando di un giovane ragazzo che era stato decapitato dalla sua amica Cynthia durante una partita di croquet, ritornando come uno spirito che infesta il suo carillon, manifestandosi davanti a lei come uno spirito che invecchia rapidamente con “i desideri di una vita che lo attraversano”. Roba raccapricciante, ma la musica emoziona di più: i suoi tre movimenti passano dal folk barocco, dalle sfumature orientali, attraverso una sezione centrale con le tastiere dai toni fuzz di Tony Banks e gli arpeggi battuti con le dita di Steve Hackett, fino a un inquietante, struggente passaggio finale che ha dato a Gabriel lo spazio per esplorare la ricca voce soul che avrebbe poi sfruttato nella sua carriera solista. Il fatto che stesse impiegando quella voce per dare vita a un vecchio fantasma che ulula “Why won’t you touch me?” a una bambina di nove anni – e, quando eseguiva la canzone sul palco, indossava un’inquietante maschera da “vecchio” – serve solo a far capire quanto i Genesis potessero essere particolari.
3 Watcher of the Skies
1972 Foxtrot era dominato da Supper’s Ready, una suite di 23 minuti che occupava quasi tutto il secondo lato dell’album, collegando insieme sette frammenti di canzoni separate con sequenze e motivi ricorrenti, un gesto di bravura che impressiona ancora oggi. Ma sembra un imbroglio nominare una tale suite per questa 10 of the Best. Certamente, l’insieme di Supper’s Ready è più forte di qualsiasi delle sue parti costitutive, e nessun frammento è così emozionante come questo, il pezzo di apertura dell’album. Ispirato da On First Looking Into Chapman’s Homer di Keats e Childhood’s End di Arthur C Clarke, Watcher of the Skies si apre con un minuto e mezzo di vorticoso mellotron, prima che Collins e il bassista Mike Rutherford diano il via al riff balbettante e staccato che dà alla canzone il suo frizzante clip – un groove agile ma senza fronzoli che, nei minuti finali, si trasforma in un blitz feroce mentre le chiavi di Banks agitano drammi sempre più sinistri. Il testo, nel frattempo, immagina con calma “la fine della lunga unione dell’uomo con la Terra”, con Gabriel che interpreta un impassibile extra-terrestre che osserva tale apocalisse – un personaggio simile, forse, a Uatu The Watcher della Marvel Comics, e un ruolo che il sempre teatrale cantante ritrarrebbe in concerto indossando un trucco day-glo e un grande, frastagliato cappuccio.
4 Firth of Fifth
Tony Banks considerava i testi che lui e Mike Rutherford scrissero per Firth of Fifth – apice del miglior album della band, Selling England by the Pound del 1973 – tra i peggiori della sua carriera, e versi come “The mountain cuts off the town from view / Like a cancer growth is removed by skill” suggeriscono che non è falsamente modesto. Ma le notevoli gioie di Firth of Fifth non risiedono nelle sue parole, ma nel preludio pianistico in fiore di Banks, nell’ascendente inno prog-rock della sua sezione principale, e nel modo in cui la band rivisita il pezzo iniziale di Banks come un ensemble per i suoi cinque minuti finali. Infatti, questa estasiante sezione finale – la chitarra svenevole di Hackett, le percussioni muscolari e inventive di Collins, i synth futuristici di Banks – è un testamento dei Genesis come quella rarità tra i prog, una band che non ha mai permesso alla sua competenza tecnica di sconfinare in un eccesso insensato, né di sopraffare il senso della canzone. E la musica che suonano in quei cinque minuti è molto più efficace come ode edificante alla bellezza della natura di quei testi goffi.
5 I Know What I Like (In Your Wardrobe)
Poi, tra le loro epopee di 10 minuti e i cicli di canzoni di 22 minuti, i Genesis lanciarono la loro prima inaspettata gemma pop. Con una durata di poco più di quattro minuti, I Know What I Like si alza con un luccichio di calore, prima di chiudersi in un groove simile a Hole in my Shoe dei Traffic, una fantasticheria hippy che si adatta all’atmosfera scansafatiche della canzone come un paio di pantaloni a campana su misura. L’antieroe della canzone è un disadattato, come tutti gli altri nel canzoniere dell’epoca di Gabriel, un fallito felice della sua vita da tagliaerba, nonostante i sussurri di disapprovazione dei suoi vicini di periferia. La sua ribellione è accompagnata da un assillante e pigro lick di sitar, un coro woozy singalong, e un assolo di flauto che Pan’s People interpretò senza dubbio attraverso il mezzo della danza quando la canzone apparve su Top Of The Pops dopo aver raggiunto il numero 21 nelle classifiche (il cui filmato deve purtroppo ancora raggiungere Youtube).
6 In the Cage
Nel 1974, le tensioni ribollivano all’interno dei Genesis. Sempre più percepito dalla stampa come il leader del gruppo apparentemente democratico, l’inclinazione di Gabriel per i costumi di scena stravaganti – indossare una testa di volpe, vestirsi come un fiore o sfoggiare un abito da parroco come richiesto dalla canzone – fu accusato da Banks e altri di mettere in ombra la musica. Lasciò brevemente il gruppo dopo aver accettato un’offerta dal regista dell’Esorcista William Friedkin per lavorare su una sceneggiatura cinematografica, ma si riunì prima di iniziare a lavorare sul sesto album dei Genesis, The Lamb Lies Down on Broadway. Questo LP è un’opera concettuale, ispirata da El Topo di Jodorowsky, che segue il viaggio di un ragazzo di strada di New York in un oscuro e mistico regno sotterraneo per salvare suo fratello da orribili bestie. In una rottura con la tradizione dei Genesis, Gabriel scrisse tutti i testi di Lamb da solo, mentre faceva la spola tra lo studio di registrazione di Headley Grange e Londra, dove sua moglie e il suo primo figlio si stavano riprendendo in ospedale dopo un parto traumatico. Mentre i suoi compagni lo pressavano per dedicare più tempo al gruppo e meno alla sua famiglia, si è tentati di leggere Lamb – che Collins credeva fosse un album sulla scissione delle personalità – come una metafora delle fedeltà lacerate di Gabriel. Certamente il pezzo forte dell’album, In the Cage, sembra autobiografico, Gabriel canta “Ho il sole nello stomaco/ Come se avessi appena cullato il mio bambino per farlo addormentare”, prima che l’apertura dolce lasci il posto a un allenamento prog sempre più stretto e frenetico, il riff che si stringe, claustrofobico, mentre Gabriel canta di essere intrappolato e torturato, “Tenuto fermo/ bloccato per uccidere… in questa camicia di forza imbottita”. Lamb fu l’album più audace dei Genesis, e il conseguente tour il più ambizioso, una stravaganza audiovisiva che vide Gabriel vestito come grotteschi mostri coperti di pustole e apparentemente materializzarsi su entrambi i lati del palco contemporaneamente. Ma sarebbe stato anche l’ultimo. Nel 1975, lasciò i Genesis per perseguire una carriera da solista, gettando la band nello scompiglio. The Lamb Lies Down on Broadway è stranamente assente da Spotify; si prega di accettare invece questa versione dal vivo.
7 Turn It On Again
L’uscita di scena di Gabriel avrebbe infine consegnato ai Genesis i maggiori successi commerciali della loro carriera, poiché il batterista Phil Collins prese il microfono e condusse il gruppo lontano dal prog e verso un rock moderno più snello, ottenendo lungo la strada singoli di successo precedentemente inimmaginabili. I primi tre album di Collins come cantante catturarono una band in transizione, ma da Duke del 1980 si erano liberati della crisalide e avevano individuato il suono che avrebbero così lucrativamente perseguito per il resto del decennio. Questo sviluppo si sentiva più chiaramente in Turn It on Again: mentre la canzone saltava tra quattro diversi tempi nei suoi quattro minuti, il riff di chitarra centrale di Rutherford era semplice ed efficace, mentre la voce di Collins abbandonava l’inglese appuntito di un tempo per un timbro atlantico che avrebbe suonato bene alla radio americana. I prognoscenti gridarono al fallimento, ma il futuro apparteneva a questa incarnazione dei Genesis, e l’accumulo di ganci coinvolgenti di Turn It on Again segnò il loro primo singolo nella top-10.
8 Duchess
Ma i Genesis non avevano completamente voltato le spalle alle loro radici prog. Turn It on Again era, infatti, parte di una suite di canzoni collegate tematicamente all’interno di Duke che componeva una mini-suite nella vena di Supper’s Ready, sebbene il gruppo non lo riconoscesse pubblicamente all’epoca. L’elemento più bello di questo – uno dei brani più belli dell’intera discografia dei Genesis – Duchess raccontava la storia dell’ascesa e della caduta di una diva, con la voce soul di Collins alimentata dagli accordi di piano di Banks e da una batteria davvero colossale. Per tutte le sue qualità anthemiche, tuttavia, i momenti più ammalianti di Duchess sono arrivati con la sua intro e la sua outro: passaggi ambientali ed elementari di batteria elettronica programmata che suggeriscono che la band stava prestando attenzione al lavoro sperimentale di Brian Eno. Questo probabilmente non era una coincidenza, dato che Collins era stato un collaboratore regolare di Eno da quando aveva suonato la batteria su Taking Tiger Mountain (By Strategy), come vendetta per i contributi di Eno a The Lamb Lies Down on Broadway. Insieme ai sintetizzatori trattenuti di Banks, gli impulsi della drum machine evocano un paesaggio sonoro ipnotico ed evocativo che era arioso e futuristico. Collins avrebbe ulteriormente esplorato il potenziale drammatico delle drum machine, sia con i Genesis che, naturalmente, nel suo primo singolo da solista, In the Air Tonight.
9 Abacab
“Less is more” sembrava l’ethos per il successivo album dei Genesis, Abacab. “Il punk aveva lasciato qualche segno”, ammise Collins e questo può essere difficile nello stomp autocosciente di Who Dunnit? Nel frattempo, l’album presenta anche una vivace collaborazione pop con la sezione fiati degli Earth Wind & Fire su No Reply At All. La potente title track riassume quello che Tony Banks ha descritto come il sentimento generale “non romantico” dell’album: una jam spartana e fredda con una qualità ariosa e spacy più simile a Eno o al Krautrock che a qualsiasi cosa nel catalogo dei Genesis. Le tracce furono rese più pesanti dal tecnico Hugh Padgham, che sviluppò il caratteristico effetto “gated” per le tracce di batteria di Collins che avrebbe dominato il rock degli anni ’80.
10 Domino
Nel 1986, Collins era diventato una delle più grandi star del mondo, poiché le confetture soul-rock dei suoi album da solista lo portarono al successo multi-platino e a una carriera cinematografica in erba. Gran parte dell’album dei Genesis Invisible Touch di quell’anno – la sua brillante e lucida title track pop, l’agit-rock da baby boomer di Land of Confusion, la ballata genuinamente toccante Throwing It All Away – avrebbe potuto facilmente essere inserita nei suoi album solisti. Domino, tuttavia, era diverso. Questa traccia è una fusione di tutto ciò che i Genesis erano stati e che ora erano diventati: un’epopea di 11 minuti in più parti suonata con l’attacco minimale di Abacab, l’ossessionante In the Glow of the Night che cede il passo all’anthemica esplosione synth-rock di The Last Domino. Invisible Touch divenne l’album di maggior successo dei Genesis e il conseguente tour culminò con quattro serate sold-out al Wembley Stadium. Queste furono filmate per un successivo video del concerto che era inondato di prove – dalla chitarra senza testa di Rutherford, al truce scippo in stile Blues Brothers di Collins durante un medley finale di classici del soul – dei peggiori eccessi dell’epoca. Domino, comunque, si dimostrò un ultimo sussulto di brillantezza prima dell’insipienza di We Can’t Dance del 1991 e dell’inspiegabile Calling All Stations del 1997, senza Collins.
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