DevelopmentEdit
-Walt Disney
Nel 1940, Walt Disney rilasciò Fantasia, il suo terzo film d’animazione, composto da otto segmenti animati su brani di musica classica. Inizialmente aveva pianificato di avere il film in uscita continua con nuovi segmenti in sostituzione di quelli vecchi in modo che il pubblico non avrebbe mai visto lo stesso film due volte. L’idea fu abbandonata in seguito ai bassi incassi iniziali del film e a una risposta mista da parte della critica. Dopo il lavoro preliminare sui nuovi segmenti, l’idea fu accantonata nel 1942 e non fu rivisitata per il resto della vita della Disney. Nel 1980, gli animatori Wolfgang Reitherman e Mel Shaw iniziato lavori preliminari su Musicana, un lungometraggio “mescolando jazz, musica classica, miti, arte moderna … seguendo il vecchio formato Fantasia” che doveva presentare “racconti etnici di tutto il mondo con la musica dei vari paesi”. Il progetto fu cancellato in favore di Mickey’s Christmas Carol (1983).
L’idea di un sequel di Fantasia fu ripresa poco dopo che Michael Eisner divenne amministratore delegato di The Walt Disney Company nel 1984, quando il nipote di Walt, il vicepresidente Roy E. Disney, glielo suggerì a un pranzo, qualcosa che gli era venuto in mente dieci anni prima. Disney ha ricordato la sua reazione: “Fu come se una grande lampadina si fosse accesa sopra la sua testa. L’idea era allettante, ma non avevamo le risorse per realizzarla”. Il presidente dei Walt Disney Studios, Jeffrey Katzenberg, mostrò una mancanza di interesse per il film. Una volta aveva chiesto ad André Previn di lavorare su un film di Fantasia, ma Previn ha rifiutato dopo aver saputo che doveva contenere canzoni dei Beatles piuttosto che musica classica. Eisner si avvicinò a Leonard Bernstein con la stessa idea, ma mentre sembrava entusiasta, Bernstein morì prima che la produzione iniziasse. Ci vollero altri sette anni prima che il film fosse preso in considerazione, dopo che la ristampa di Fantasia del 1990 incassò 25 milioni di dollari in patria e la sua uscita in home video del 1991 provocò 9,25 milioni di preordini. Disney ha visto il suo successo commerciale come un segno che c’era abbastanza interesse del pubblico nel franchise di Fantasia per fare un sequel. Eisner ha finalmente dato il via libera al film nel 1991 e ha accettato di avere Disney servire come produttore esecutivo sulla base che la sua produzione è stata finanziata dai proventi delle vendite video. Disney assegnò Donald W. Ernst come produttore e Hendel Butoy come regista supervisore avendo apprezzato il suo lavoro con The Rescuers Down Under (1990).
Durante la ricerca di un direttore d’orchestra adatto, Disney e il presidente della Walt Disney Feature Animation Thomas Schumacher invitarono il direttore d’orchestra del Metropolitan Opera James Levine e il manager Peter Gelb ad un incontro nel settembre 1991. Disney ha ricordato: “Chiesi a James cosa ne pensasse di una versione di tre minuti della quinta sinfonia di Beethoven. Fece una pausa e disse ‘Penso che i tre minuti giusti sarebbero bellissimi'”. Nel novembre 1992, Disney, Schumacher, Levine, Gelb e Butoy si incontrarono a Vienna per discutere di una collezione di story reel sviluppati, uno dei quali era Pines of Rome, che piacque subito a Levine. Butoy ha descritto l’entusiasmo di Levine verso il film come “come un bambino in un negozio di caramelle”. Perché Katzenberg ha continuato a esprimere una certa ostilità verso il film, Disney ha tenuto riunioni di sviluppo senza di lui e ha riferito direttamente a Eisner invece, qualcosa che l’autore James B. Stewart ha scritto “sarebbe stato impensabile su qualsiasi altro progetto di animazione futuro.”
Produzione iniziata con il titolo di lavoro di Fantasia continua con un rilascio nel 1997. Il titolo è stato cambiato in Fantasia 1999, seguito da Fantasia 2000 per coincidere con la sua uscita nelle sale nel 2000. Disney ha formato il suo ordine di esecuzione iniziale con la metà del programma Fantasia e solo “tre o quattro nuovi numeri” con l’obiettivo di rilasciare un “film semi-nuovo”. Rendendosi conto che l’idea non avrebbe funzionato, ha mantenuto tre segmenti di Fantasia – L’Apprendista Stregone, La Suite dello Schiaccianoci, e la Danza delle Ore – nel programma per “un bel po’”. Night on Bald Mountain fu il segmento più difficile per lui da rimuovere dal suo ordine di esecuzione originale perché era uno dei suoi preferiti. Lo aveva messo a metà del film senza Ave Maria, ma sentiva che non funzionava e scartò l’idea. Più tardi, la Danza delle Ore fu abbandonata e La Suite dello Schiaccianoci fu sostituita dalla Rapsodia in Blu durante gli ultimi mesi di produzione in seguito alla risposta di numerose proiezioni di prova. Disney mantenne L’apprendista stregone nel programma finale come omaggio a Fantasia. Il segmento è stato sottoposto a restauro digitale da Cinesite a Los Angeles. Disney considerato l’utilizzo di Clair de Lune, un pezzo originariamente fatto per Fantasia che seguiva due grandi aironi bianchi in volo attraverso le Everglades di notte, ma pensato che fosse “piuttosto noioso”. Un’idea di avere “un incubo e un sogno che lottano per l’anima di un bambino addormentato” su Rhapsody on a Theme of Paganini di Sergei Rachmaninoff fu completamente storyboardata, ma cadde nel vuoto.
SegmentsEdit
Symphony No. 5Edit
Symphony No. 5 è un segmento astratto creato da Pixote Hunt con sviluppo della storia di Kelvin Yasuda. Nel dicembre 1997, dopo aver rifiutato le proposte di altri quattro animatori, Disney e Ernst chiesero a Hunt le sue idee. Hunt pensò per la prima volta alla storia durante una passeggiata mattutina a Pasadena, in California, che raffigurava una battaglia di forme multicolori “buone” contro forme scure “cattive” e come il conflitto si risolve. Hunt impiegò circa due anni, dall’inizio alla fine, per completare il segmento. Disney e Ernst decisero di seguire l’idea di Hunt; Hunt evitò di produrre un’opera interamente astratta perché “si può ottenere qualcosa di astratto su ogni schermo di computer” con facilità. Hunt divise il segmento in 31 mini-scene, annotando i punti in cui avrebbe utilizzato colori vivaci quando la musica era brillante e fluida, per poi passare a tinte più scure quando la musica sembrava più scura e densa. Per trarre ispirazione su come le forme si sarebbero mosse, Hunt e i suoi collaboratori hanno visitato lo zoo di San Diego, un allevamento di farfalle e hanno osservato filmati al rallentatore di pipistrelli. Il segmento combina sfondi disegnati a mano usando pastelli e pittura che sono stati scannerizzati nel Computer Animation Production System (CAPS), e immagini generate al computer (CGI) di forme astratte ed effetti, che sono state stratificate sopra. Hunt ha spiegato che la scansione di ogni disegno “era un affare unico” poiché la piastra che premeva su di esso alterava il pastello una volta che era stato scansionato. Ad un certo punto della produzione, Hunt e Yasuda hanno completato 68 disegni a pastello in otto giorni. Il segmento è stato prodotto utilizzando il software di animazione Houdini.
Pini di RomaModifica
Pini di Roma fu il primo pezzo che Disney suggerì per il film, nonché il primo ad essere animato; i disegni apparvero nei giornalieri dello studio già nell’ottobre 1993. Butoy fu il regista e James Fujii si occupò della storia. L’apertura dell’opera diede a Disney l’idea di “qualcosa che vola”. Butoy ha abbozzato la sequenza su dei post-it gialli. La storia originariamente prevedeva che le balene volassero dalla prospettiva di un gruppo di pinguini, ma l’idea fu scartata per rendere il cucciolo di balena un personaggio centrale. Le balene dovevano anche tornare sulla Terra, ma Butoy ha detto che “non è mai sembrato giusto”, portando alla decisione di farle sfondare un soffitto di nuvole ed entrare in un mondo diverso dalla supernova. Butoy ha creato una “tabella di intensità musicale” per gli animatori da seguire che “tracciava gli alti e bassi della musica … come la musica si illumina così fa il colore”, e viceversa. Ha spiegato che poiché la CGI era agli inizi durante lo sviluppo, il primo terzo del segmento è stato disegnato a mano a matita per avere un’idea di come si sarebbero mosse le balene. Quando i disegni sono stati scansionati nel sistema CAPS, Butoy ha scoperto che le balene si muovevano troppo velocemente o avevano meno peso. I disegni sono stati modificati per rendere le balene più lente e “più credibili”. Gli occhi delle balene sono stati disegnati a mano, poiché gli sguardi desiderati non erano completamente realizzabili con la CGI. Butoy ha ricordato la sfida di far apparire e muovere l’acqua nel modo più naturale possibile; il team ha deciso di scrivere il codice del computer da zero poiché l’animazione tradizionale avrebbe richiesto troppo tempo e avrebbe prodotto risultati indesiderati. Il codice che gestisce il branco di balene è stato scritto in modo che le balene si allontanassero se dovessero scontrarsi e non si scontrassero, sovrapponessero o attraversassero l’una con l’altra. La stessa tecnica è stata usata per la scena della fuga nel Re Leone (1994), che è stata prodotta nello stesso periodo.
Rhapsody in BlueEdit
Rhapsody in Blue è il primo segmento di Fantasia con musica del compositore americano George Gershwin. Ha avuto origine nel 1992 quando il regista e animatore Eric Goldberg avvicinò Al Hirschfeld per l’idea di un corto animato impostato sulla composizione di Gershwin nello stile delle illustrazioni di Hirschfeld. Hirschfeld accettò di servire come consulente artistico e permise agli animatori di usare e adattare i suoi precedenti lavori per il segmento. La moglie di Goldberg, Susan, era direttore artistico. Duke prende il nome dall’artista jazz Duke Ellington. Il fondo del suo tubetto di dentifricio recita “NINA”, un uovo di Pasqua che si riferisce alla figlia di Hirschfeld, Nina. Rachel è stata disegnata come la figlia dei Goldberg e John è basato sullo storico dell’animazione e autore John Culhane e sulla caricatura di Alexander Woollcott fatta da Hirschfeld. Goldberg prese l’illustrazione originale di Hirschfeld di Gershwin e la animò per farlo suonare il piano. Nella folla che emerge dall’hotel ci sono rappresentazioni di Brooks Atkinson e Hirschfeld, insieme a sua moglie Dolly Haas. Il segmento fu completato due mesi prima del previsto. Nonostante questo, la sequenza era così cromaticamente complessa che il processo di rendering con il sistema CAPS ritardò il lavoro su Tarzan.
Piano Concerto No. 2Edit
Piano Concerto No. 2 fu diretto da Butoy con il direttore artistico Michael Humphries. Ebbe origine negli anni ’30 quando Walt Disney volle adattare una raccolta di fiabe di Hans Christian Andersen in un film d’animazione. Gli artisti completarono una serie di disegni preliminari basati sulle storie, compresi quelli per The Steadfast Tin Soldier del 1938 di Bianca Majolie che furono conservati nella biblioteca di ricerca sull’animazione dello studio e utilizzati per un libro Disney del 1991 che raccontava la storia accompagnata dagli schizzi degli storyboard. Quando Disney suggerì di usare il pezzo di Shostakovich, Butoy sfogliò il libro e trovò che la struttura della storia si adattava alla musica. Quando Humphries ha visto gli schizzi, ha progettato il segmento con opere di Caravaggio e Rembrandt in mente per dare al segmento un tocco “senza tempo”, mantenendo i colori “il più romantico possibile” durante le scene in cui il soldato e la ballerina fanno la prima conoscenza. Il filmato in live action di una vera ballerina è stato usato come guida per i movimenti della ballerina giocattolo. Butoy ha trovato il Jack-in-a-box un personaggio difficile da disegnare e animare con la sua base a molla e come si muoveva con la scatola. Il suo aspetto ha subito numerosi cambiamenti, in parte a causa della mancanza di materiale di riferimento a disposizione del team.
Il segmento ha segnato la prima volta che lo studio Disney ha creato i personaggi principali di un film interamente in CGI; solo gli sfondi, i personaggi secondari o terziari erano stati prodotti utilizzando la CGI in precedenza. Inizialmente Butoy chiese alla Pixar Animation Studios di occuparsi della computer grafica, ma l’artista CGI Steve Goldberg lo convinse a lasciare che fosse il team della Disney a produrla. Gli sfondi sono stati completati a mano. Originariamente la sequenza degli scarichi includeva ratti amichevoli che eseguivano gag comiche, ma il team ha scoperto che non si adattava all’atmosfera del resto del segmento. Gli scarichi divennero un ambiente più spaventoso, qualcosa che Butoy disse che era “ciò che la musica ci stava dicendo di fare”. L’animazione della pioggia di Bambi (1942) è stata scannerizzata nel sistema CAPS e alterata digitalmente per adattarla al segmento. Il finale doveva presentare il finale originale con il soldato e la ballerina che si sciolgono nel fuoco, ma la musica era troppo in levare per animarlo e fu cambiato. Un estratto del segmento fu mostrato alla conferenza SIGGRAPH del 1998.
The Carnival of the Animals, FinaleEdit
The Carnival of the Animals, Finale fu diretto da Goldberg; sua moglie Susan ne fu il direttore artistico. L’idea è nata dall’animatore Joe Grant, uno dei due direttori delle storie di Fantasia che amava gli struzzi in Dance of the Hours. Quando iniziò lo sviluppo per Fantasia 2000, Grant suggerì l’idea di far suonare uno degli struzzi con uno yo-yo all’ultimo movimento di The Carnival of the Animals. Gli struzzi furono poi cambiati in fenicotteri, poiché la Disney voleva evitare di reintrodurre i personaggi del film originale e pensava che i fenicotteri sarebbero stati più colorati sullo schermo. Goldberg è stato in parte ispirato dal co-regista Mike Gabriel, che giocava con uno yo-yo mentre si prendeva una pausa dalla lavorazione di Pocahontas (1995). Il segmento è stato prodotto con CGI e 6.000 dipinti ad acquerello su carta pesante. Susan ha scelto una tavolozza di colori distinta per il segmento che ha paragonato allo stile di una camicia hawaiana. I Goldberg e il loro team hanno visitato lo zoo di Los Angeles e San Diego per studiare l’anatomia e il movimento dei fenicotteri.
L’apprendista stregoneModifica
L’apprendista stregone era precedentemente dal primo film mentre Yen Sid e Topolino sono in questo segmento.
Pomp and CircumstanceEdit
Eisner suggerì Pomp and Circumstance come pezzo dopo aver assistito a una laurea e pensò che la sua familiarità sarebbe stata adatta a un segmento di Fantasia. La sua idea prevedeva una selezione di principesse ed eroi Disney in un corteo nuziale che portava i loro futuri figli che sarebbero poi stati presentati in una cerimonia. I disegni preliminari degli animatori raffiguravano un ambiente greco-romano; uno dei membri dello staff descrisse l’opera d’arte come “un terribile abuso” dei personaggi. Eisner accettò di abbandonare la storia, ma insistette per utilizzare la musica. Dopo che numerose idee furono scartate a causa della difficoltà di scrivere una trama chiara, l’animatore e regista Francis Glebas se ne uscì con l’idea dell’Arca di Noè che intitolò Donald’s Last Roundup!, poi rititolata come Noah’s Duck, e la propose pensando che fosse “carica di possibilità comiche”.
The FirebirdEdit
Per chiudere il film, Disney voleva un pezzo che fosse “emotivamente equivalente” ai segmenti Night on Bald Mountain e Ave Maria che chiudevano Fantasia. Disney scelse L’uccello di fuoco come pezzo da usare dopo che “una mezza dozzina” di altri furono scartati, tra cui la Sinfonia n. 9 di Beethoven e il “Coro dell’Alleluia” dal Messiah di Handel. Disney ha pensato all’idea della distruzione e del rinnovamento della Terra dopo aver superato il Monte St. Helens in seguito alla sua eruzione nel 1980. I gemelli francesi Paul e Gaëtan Brizzi dello studio Disney di Parigi furono assunti per dirigere il segmento. Il folletto è una creatura simile alla driade della mitologia greca. La sua forma cambia sei volte; viene introdotta come un Acqua Sprite che pianta fiori come Flower Sprite. Diventa uno Sprite Neutro quando il suo percorso di crescita si ferma e uno Sprite Cenere quando la foresta è stata distrutta. Il segmento termina con lei come Sprite Onda-Pioggia, seguito dallo Sprite Erba. Il segmento originariamente terminava con lo Sprite sotto forma di un fiume che scorre, che sale in cielo e si trasforma in uno Sprite Sole, ma questo è stato abbandonato. Le corna dell’alce sono state prodotte in CGI e poste sopra il suo corpo che è stato disegnato tradizionalmente. Il segmento fu prodotto usando il software di animazione Houdini.
MusicEdit
La musica di The Sorcerer’s Apprentice fu già registrata il 9 gennaio 1938 per il primo film ai Culver Studios, California, con Leopold Stokowski a dirigere un gruppo di musicisti di sessione. La registrazione di Rhapsody in Blue usata nel film è una versione modificata dell’orchestrazione di Ferde Grofé del pezzo eseguita dalla Philharmonia Orchestra con il direttore Bruce Broughton. La versione accorciata è stata realizzata tagliando 125 battute di assolo di pianoforte in tre punti diversi. Una registrazione di James Levine che dirige entrambi i pezzi con la Philharmonia appare nella colonna sonora del film.
I restanti sei pezzi furono registrati al Medinah Temple di Chicago, eseguiti dalla Chicago Symphony Orchestra diretta da Levine. Pines of Rome fu riarrangiato nel 1993 da Bruce Coughlin, che ridusse il pezzo in quattro movimenti tagliando il secondo movimento e tagliando sezioni del terzo e quarto movimento. Il pezzo fu registrato il 28 marzo 1994. La seconda registrazione coinvolse la Sinfonia n. 5, Carnevale degli animali e Pomp and Circumstance, il 25 aprile 1994. Carnival of the Animals, Finale usa due pianoforti suonati da Gail Niwa e Philip Sabransky. Pomp and Circumstance fu arrangiato da Peter Schickele e presenta il Chicago Symphony Chorus e la solista soprano Kathleen Battle. La successiva registrazione ebbe luogo il 24 aprile 1995 per il Concerto per pianoforte n. 2 con il pianista Yefim Bronfman. Il 28 settembre 1996, L’uccello di fuoco fu l’ultimo pezzo ad essere registrato; la sessione durò tre ore. Il pezzo fu arrangiato usando quattro sezioni dalla revisione di Stravinsky del 1919 della partitura.
InterstitialsEdit
Disney sentì il bisogno di mantenere gli interstitials (ponti) come usati in Fantasia per dare al pubblico la possibilità di “pulire il loro palato emotivo” dal segmento precedente, fornendo anche alcune informazioni su quello successivo. Don Hahn diresse le scene d’azione dal vivo che furono disegnate da Pixote Hunt. Hahn ha concepito il set e gli sfondi mentre pranzava; ha proceduto ad abbozzare un’idea approssimativa di ciò che immaginava su un tovagliolo. Voleva “mostrare immagini su forme come grandi vele di una nave a clipper. Volano nel vento e formano una specie di sala da concerto di Stonehenge nel mezzo di una vasta pianura immaginaria e vuota”.
Hahn ricordava qualche difficoltà nel trovare qualcuno che presentasse il film, così lo studio decise di utilizzare un gruppo di artisti e musicisti di vari campi dello spettacolo. Gli intermezzi furono girati in vari luoghi; l’orchestra, Jones, Lansbury e Bronfman furono girati a Los Angeles, Perlman e Midler a New York City, e altri a Boston, Massachusetts. Ogni scena è stata girata davanti a uno schermo verde per permettere alle inquadrature dell’orchestra o del set di essere messe dietro di loro. Le riprese di Levine, degli artisti e dell’orchestra sono state girate il 31 ottobre 1998. Il pianoforte che Grierson suona nella sua scena con Jones è lo stesso su cui ha suonato la Rhapsody in Blue per la colonna sonora.