La définition exacte du roman graphique étant débattue, les origines de la forme sont ouvertes à l’interprétation.
Les Aventures d’Obadiah Oldbuck est le plus ancien exemple américain reconnu de bande dessinée utilisée à cette fin. Elle trouve son origine dans la publication de 1828 Histoire de M. Vieux Bois du caricaturiste suisse Rodolphe Töpffer, et a été publiée pour la première fois en traduction anglaise en 1841 par Tilt &Bogue de Londres, qui a utilisé une édition pirate de Paris de 1833. La première édition américaine a été publiée en 1842 par Wilson & Company à New York en utilisant les plaques d’impression originales de l’édition de 1841. Un autre prédécesseur précoce est Journey to the Gold Diggins by Jeremiah Saddlebags des frères J. A. D. et D. F. Read, inspiré de The Adventures of Obadiah Oldbuck. En 1894, Caran d’Ache aborde l’idée d’un « roman dessiné » dans une lettre au journal Le Figaro et commence à travailler sur un livre sans texte de 360 pages (jamais publié). Aux États-Unis, il existe une longue tradition de réédition sous forme de livre de bandes dessinées déjà publiées. En 1897, le Hearst Syndicate a publié un tel recueil de The Yellow Kid de Richard Outcault et il est rapidement devenu un best-seller.
Des années 1920 aux années 1960Edit
Les années 1920 ont vu un renouveau de la tradition médiévale de la gravure sur bois, le Belge Frans Masereel étant cité comme « le roi incontesté » de ce renouveau. Il a notamment réalisé le Voyage passionné (1919). L’Américain Lynd Ward travaille également dans cette tradition, publiant Gods’ Man, en 1929, et en publiant d’autres au cours des années 1930.
Autres exemples prototypiques de cette période : He Done Her Wrong (1930) de l’Américain Milt Gross, une bande dessinée sans paroles publiée sous forme de livre relié, et Une semaine de bonté (1934), un roman en images séquentielles composé de collages du peintre surréaliste Max Ernst. De même, La vie ? ou le théâtre ? de Charlotte Salomon (composé en 1941-43) combine des images et des textes. (composé de 1941 à 1943) combine images, récit et légendes.
Les années 1940 voient le lancement de Classics Illustrated, une série de bandes dessinées qui adapte principalement des romans notables du domaine public en bandes dessinées autonomes pour les jeunes lecteurs. Citizen 13660, un roman illustré relatant l’internement des Japonais pendant la Seconde Guerre mondiale, est publié en 1946. En 1947, Fawcett Comics publie Comics Novel #1 : « Anarcho, Dictator of Death », une bande dessinée de 52 pages consacrée à une seule histoire. En 1950, St. John Publications produit le roman illustré de format digest, destiné aux adultes, It Rhymes with Lust, une tranche de vie de steeltown influencée par un film noir et mettant en scène une rousse intrigante et manipulatrice nommée Rust. Présenté comme » un roman original complet » sur sa couverture, ce condensé de 128 pages écrit par le pseudonyme » Drake Waller » (Arnold Drake et Leslie Waller), le dessinateur Matt Baker et l’encreur Ray Osrin a connu un succès suffisant pour donner lieu à un deuxième roman illustré sans rapport avec le premier, The Case of the Winking Buddha du romancier Manning Lee Stokes et de l’illustrateur Charles Raab. En prévision du roman graphique à plusieurs histoires de Will Eisner, A Contract with God (1978), le dessinateur Harvey Kurtzman a écrit et dessiné le livre de poche à grande diffusion à quatre histoires Harvey Kurtzman’s Jungle Book (Ballantine Books #338K), publié en 1959.
À la fin des années 1960, les créateurs américains de bandes dessinées deviennent plus aventureux avec la forme. Gil Kane et Archie Goodwin ont auto-publié un roman de bande dessinée de 40 pages au format magazine, His Name Is…. Savage (Adventure House Press) en 1968 – la même année, Marvel Comics publie deux numéros de The Spectacular Spider-Man dans un format similaire. Le chroniqueur et auteur de bandes dessinées Steven Grant soutient également que l’histoire de Doctor Strange de Stan Lee et Steve Ditko dans Strange Tales #130-146, bien que publiée en série de 1965 à 1966, est » le premier roman graphique américain « . De même, le critique Jason Sacks a fait référence aux 13 numéros de « Panther’s Rage » – le premier arc narratif titré, autonome et à numéros multiples connu des comics – qui s’est déroulé de 1973 à 1975 dans la série Black Panther de Marvel’s Jungle Action comme « le premier roman graphique de Marvel ».
Pendant ce temps, en Europe continentale, la tradition de collectionner des séries de bandes populaires telles que Les Aventures de Tintin ou Astérix a conduit à des récits de longue durée publiés initialement en série.
En 1969, l’auteur John Updike, qui avait caressé l’idée de devenir dessinateur dans sa jeunesse, s’est adressé à la Bristol Literary Society, sur « la mort du roman ». Updike a offert des exemples de nouveaux domaines d’exploration pour les romanciers, déclarant qu’il ne voyait « aucune raison intrinsèque pour laquelle un artiste doublement talentueux ne pourrait pas surgir et créer un chef-d’œuvre de roman en bande dessinée ».
Époque moderneÉdition
Le Blackmark (1971) de Gil Kane et Archie Goodwin, un livre de poche de science-fiction/sorcellerie publié par Bantam Books, n’utilisait pas le terme à l’origine ; la notice de quatrième de couverture de l’édition du 30e anniversaire (ISBN 978-1-56097-456-7) le qualifie, rétroactivement, de » tout premier roman graphique américain « . L’Academy of Comic Book Arts a décerné à Kane un prix spécial, le Shazam Award, en 1971, pour ce qu’elle a appelé « son roman de poche en bande dessinée ». Quelle que soit la nomenclature, Blackmark est une histoire de 119 pages de bande dessinée, avec des légendes et des bulles de mots, publiée dans un format de livre traditionnel.
Les créateurs européens expérimentaient également la narration plus longue sous forme de bande dessinée. Au Royaume-Uni, Raymond Briggs produisait des œuvres telles que Father Christmas (1972) et The Snowman (1978), qu’il décrivait lui-même comme provenant de « l’abîme sans fond de la bande dessinée », bien que ces œuvres, ainsi que d’autres œuvres de Briggs telles que When the Wind Blows (1982), plus mature, aient été re-marketées comme des romans graphiques dans le sillage de la popularité du terme. Briggs note cependant : « Je ne sais pas si j’aime trop ce terme ».
Premiers romans graphiques autoproclamés : 1976-1978Edit
En 1976, le terme « roman graphique » est apparu dans la presse pour décrire trois œuvres distinctes. Bloodstar de Richard Corben (adapté d’une histoire de Robert E. Howard) a utilisé le terme pour se catégoriser sur sa jaquette et son introduction. Beyond Time and Again de George Metzger, sérialisé dans des comix underground de 1967 à 1972, a été sous-titré « A Graphic Novel » sur la page de titre intérieure lorsqu’il a été collecté sous la forme d’un livre relié de 48 pages, en noir et blanc, publié par Kyle & Wheary.
Le digest-sized Chandler : Red Tide (1976) de Jim Steranko, conçu pour être vendu en kiosque, utilisait le terme « roman graphique » dans son introduction et « un roman visuel » sur sa couverture.
L’année suivante, Terry Nantier, qui avait passé son adolescence à Paris, revient aux États-Unis et forme Flying Buttress Publications, qui se constituera plus tard en NBM Publishing (Nantier, Beall, Minoustchine), et publie Racket Rumba, une parodie de 50 pages du genre noir-détective, écrite et dessinée par l’artiste français à nom unique Loro. Nantier a ensuite publié The Call of the Stars d’Enki Bilal. La société a commercialisé ces œuvres comme des « albums graphiques ».
Les six premiers numéros de la série The First Kingdom, publiée en 1974 par le scénariste et artiste Jack Katz de Comics and Comix Co. ont été rassemblés dans un livre de poche (Pocket Books, mars 1978), qui se décrivait comme « le premier roman graphique ». Les numéros de la bande dessinée s’étaient décrits eux-mêmes comme de la » prose graphique « , ou simplement comme un roman.
De même, Sabre : Slow Fade of an Endangered Species du scénariste Don McGregor et de l’artiste Paul Gulacy (Eclipse Books, août 1978) – le premier roman graphique vendu sur le » marché direct » nouvellement créé des magasins de bandes dessinées des États-Unis – a été appelé » album graphique » par l’auteur dans des interviews, bien que l’éditeur l’ait surnommé » roman graphique » sur sa page de crédits. « Album graphique » était également le terme utilisé l’année suivante par Gene Day pour son recueil de nouvelles cartonné Future Day (Flying Buttress Press).
Un autre roman graphique précoce, bien qu’il ne porte aucune auto-description, était The Silver Surfer (Simon & Schuster/Fireside Books, août 1978), par Stan Lee et Jack Kirby de Marvel Comics. De manière significative, celui-ci a été publié par un éditeur de livres traditionnel et distribué dans les librairies, tout comme Tantrum (Alfred A. Knopf, 1979) du dessinateur Jules Feiffer décrit sur sa jaquette comme un « roman en images ».
Adoption du termeEdit
Des descriptions hyperboliques de bandes dessinées plus longues en tant que « romans » apparaissent sur des couvertures dès les années 1940. Les premiers numéros de All-Flash de DC Comics, par exemple, décrivaient leur contenu comme des « histoires de la longueur d’un roman » et des « romans complets de quatre chapitres ».
Dans sa plus ancienne citation connue, le critique de bandes dessinées Richard Kyle a utilisé le terme « roman graphique » dans Capa-Alpha #2 (novembre 1964), un bulletin publié par la Comic Amateur Press Alliance, et à nouveau dans un article du magazine Fantasy Illustrated #5 (printemps 1966) de Bill Spicer. Kyle, inspiré par les albums graphiques d’Europe et d’Asie de l’Est (notamment les mangas japonais), utilise l’étiquette pour désigner des bandes dessinées d’un genre artistiquement » sérieux « . Par la suite, Spicer, avec la reconnaissance de Kyle, a édité et publié un périodique intitulé Graphic Story Magazine à l’automne 1967. The Sinister House of Secret Love #2 (janv. 1972), l’une des bandes dessinées extra-longues de 48 pages de DC Comics, utilisait spécifiquement l’expression « un roman graphique de terreur gothique » sur sa couverture.
Le terme « roman graphique » a commencé à gagner en popularité quelques mois après être apparu sur la couverture de l’édition de poche (mais pas l’édition cartonnée) de A Contract with God de Will Eisner (octobre 1978). Ce recueil de nouvelles était une œuvre mature et complexe axée sur la vie de gens ordinaires dans le monde réel, basée sur les propres expériences d’Eisner.
Un universitaire a utilisé les romans graphiques pour introduire le concept de graphiation, la théorie selon laquelle toute la personnalité d’un artiste est visible à travers sa représentation visuelle d’un certain personnage, d’un décor, d’un événement ou d’un objet dans un roman, et peut fonctionner comme un moyen d’examiner et d’analyser le style de dessin.
Même si A Contract with God d’Eisner a finalement été publié en 1978 par une petite société, Baronet Press, il lui a fallu plus d’un an pour trouver une maison d’édition qui permettrait à son œuvre d’atteindre le marché de masse. Dans son introduction, Eisner cite les gravures sur bois des années 1930 de Lynd Ward (voir ci-dessus) comme source d’inspiration.
Le succès critique et commercial de A Contract with God a contribué à établir le terme « roman graphique » dans l’usage courant, et de nombreuses sources ont attribué à tort à Eisner le mérite d’être le premier à l’utiliser. Parmi ces sources, citons le site Web du magazine Time en 2003, qui indiquait dans sa correction : « Eisner reconnaît que le terme ‘roman graphique’ avait été inventé avant son livre. Mais, dit-il, ‘je ne savais pas à l’époque que quelqu’un avait utilisé ce terme auparavant’. Il ne s’attribue pas non plus le mérite d’avoir créé le premier livre graphique. »
L’une des premières applications contemporaines du terme post-Eisner a eu lieu en 1979, lorsque la suite de Blackmark – publiée un an après A Contract with God bien qu’écrite et dessinée au début des années 1970 – a été qualifiée de « roman graphique » sur la couverture du magazine de comics en noir et blanc de Marvel Comics, Marvel Preview #17 (hiver 1979), où Blackmark : The Mind Demons a fait sa première apparition – son contenu de 117 pages était intact, mais sa disposition des panneaux reconfigurée pour tenir sur 62 pages.
A la suite de cela, Marvel a publié de 1982 à 1988 la ligne Marvel Graphic Novel de livres de poche 10″ × 7″ – bien que les numérotant comme des comics, du #1 (The Death of Captain Marvel de Jim Starlin) au #35 (Hitler’s Astrologer de Dennis O’Neil, Mike Kaluta et Russ Heath, mettant en vedette le personnage de radio et de pulp fiction l’Ombre, et sorti en couverture rigide). Marvel a commandé des romans graphiques originaux à des créateurs tels que John Byrne, J. M. DeMatteis, Steve Gerber, le pionnier du roman graphique McGregor, Frank Miller, Bill Sienkiewicz, Walt Simonson, Charles Vess et Bernie Wrightson. Si la plupart d’entre eux mettaient en scène des super-héros Marvel, d’autres, comme Heartburst de Rick Veitch, mettaient en scène des personnages originaux de SF/fantasy ; d’autres encore, comme Dracula de John J. Muth, mettaient en scène des adaptations d’histoires ou de personnages littéraires ; et un, A Sailor’s Story de Sam Glanzman, était un récit naval véridique de la Seconde Guerre mondiale.
Le dessinateur Art Spiegelman, Maus (1986), lauréat du prix Pulitzer, a contribué à établir à la fois le terme et le concept de roman graphique dans l’esprit du grand public. Deux rééditions de mini-séries autonomes de DC Comics ont fait de même, bien qu’elles n’aient pas été publiées à l’origine comme des romans graphiques : Batman : The Dark Knight Returns (1986), une collection de la série de quatre bandes dessinées de Frank Miller mettant en scène un Batman plus âgé confronté aux problèmes d’un avenir dystopique ; et Watchmen (1986-1987), une collection de la série limitée de 12 numéros d’Alan Moore et Dave Gibbons dans laquelle Moore indique qu’il « a entrepris d’explorer, entre autres choses, la dynamique du pouvoir dans un monde post-Hiroshima ». Ces œuvres et d’autres ont fait l’objet de critiques dans les journaux et les magazines, ce qui a entraîné une augmentation de la couverture médiatique. Les ventes de romans graphiques ont augmenté, Batman : The Dark Knight Returns, par exemple, ayant duré 40 semaines sur une liste de best-sellers au Royaume-Uni.
Adoption européenne du termeModifier
En dehors de l’Amérique du Nord, A Contract with God d’Eisner et Maus de Spiegelman ont conduit à la popularisation de l’expression « roman graphique » également. Jusqu’alors, la plupart des pays européens utilisaient une terminologie neutre et descriptive qui faisait référence à la forme du support, et non à son contenu. En Europe francophone, par exemple, l’expression bandes dessinées – qui se traduit littéralement par « bandes dessinées » – est utilisée, tandis que les termes stripverhaal (« histoire en bandes ») et tegneserie (« série dessinée ») sont employés respectivement par les Néerlandais/Flamands et les Scandinaves. Les spécialistes européens des études sur la bande dessinée ont observé que les Américains utilisaient à l’origine le terme graphic novel pour tout ce qui s’écartait de leur format standard de 32 pages, ce qui signifie que tous les albums de bande dessinée franco-belges plus longs et de plus grand format, quel que soit leur contenu, entraient dans cette catégorie.
Les critiques de bandes dessinées américaines ont parfois qualifié les romans graphiques européens d' »Euro-comics », et des tentatives ont été faites à la fin des années 1980 pour féconder le marché américain avec ces œuvres. Les éditeurs américains Catalan Communications et NBM Publishing ont publié des titres traduits, principalement à partir des catalogues d’arriérés de Casterman et Les Humanoïdes Associés.
Les romans graphiques latinosEdit
La Borinqueña est le nom d’un roman graphique et d’un personnage qui a été créé par Edgardo Miranda-Rodriguez. Borinquen faisant référence à Porto Rico, La Borinqueña signifie « la Portoricaine (femme) ».Elle est une étudiante de premier cycle en sciences de la terre et de l’environnement de l’université Columbia qui vit avec ses parents à Williamsburg, Brooklyn. Elle est le premier personnage d’un roman graphique latino à faire l’objet d’une exposition à la Smithsonian Institution. Il existe de nombreux autres auteurs et créateurs latinos dans le genre du roman graphique, notamment George Pérez, bien connu pour son travail sur Wonder Woman.