1 The Knife
Formé par le chanteur Peter Gabriel et le claviériste Tony Banks alors qu’ils étaient étudiants à l’école publique Charterhouse, Genesis a commencé sa carrière discographique de manière peu prometteuse avec un premier album oublié de 1969 produit par Jonathan King et possédant un titre, From Genesis to Revelation, qui l’a vu classé avec la musique religieuse chez les disquaires. L’année suivante, Trespass, leur premier album pour Charisma Records, se rapproche du rock progressif pour lequel ils deviendront bientôt célèbres, et The Knife, ajouté tardivement à l’album, en est le morceau le plus fort. Les paroles – une répudiation pointue du genre de mythes colportés par les affiches de recrutement militaire – étaient, comme Gabriel l’a admis plus tard, l’œuvre d’un « écolier public se rebellant contre son milieu », mais elles restent émouvantes et anticipent l’hymne anti-guerre de Metallica, Disposable Heroes, qui sortira 15 ans plus tard. Les tempos changeants, l’orgue de marche et la guitare dentelée de The Knife sont mieux représentés sur l’album Live de 1973 du groupe, avec les nouveaux ajouts Phil Collins (batterie) et Steve Hackett (guitare) conférant au morceau une férocité proto-thrash appropriée.
2 The Musical Box
Pour leur troisième album Nursery Cryme, la formation classique de Genesis est en place, et le lyrisme excentrique, macabre, noir et comique qui caractérisera l’ère de Peter Gabriel au sein du groupe passe au premier plan. La pochette de l’album – un exercice de victorianisme tordu peint par Paul Whitehead – représente des petites filles jouant au croquet avec des têtes coupées, et s’inspire du titre de l’album. Gabriel a esquissé la narration tordue de la chanson dans une courte vignette sur la pochette intérieure, racontant l’histoire d’un jeune garçon qui avait été décapité par son amie Cynthia au cours d’une partie de croquet, revenant en tant qu’esprit hantant sa boîte à musique, se manifestant devant elle comme un esprit vieillissant rapidement avec « les désirs d’une vie entière surgissant à travers lui ». Ce qui donne la chair de poule, mais c’est la musique qui donne le plus de frissons : ses trois mouvements passent d’un folk baroque aux accents orientaux à une section médiane où l’on retrouve les claviers aux tonalités floues de Tony Banks et les arpèges tapés au doigt de Steve Hackett, pour aboutir à un passage final sinistre et nostalgique qui donne à Gabriel l’espace nécessaire pour explorer la voix riche et mélancolique qu’il exploitera plus tard dans sa carrière solo. Le fait qu’il utilise cette voix pour donner vie à un fantôme âgé hurlant « Why won’t you touch me ? » à une fillette de neuf ans – et, lorsqu’il interprète la chanson sur scène, qu’il porte un masque de « vieil homme » effrayant – ne fait qu’illustrer à quel point Genesis pouvait être particulier.
3 Watcher of the Skies
Le Foxtrot de 1972 était dominé par Supper’s Ready, une suite de 23 minutes qui occupait la quasi-totalité de la deuxième face de l’album, reliant sept fragments de chansons distinctes avec des enchaînements et des motifs récurrents, un geste de bravoure qui impressionne encore aujourd’hui. Mais il semble que ce soit tricher que de nommer une telle suite pour ce 10 of the Best. Certes, l’ensemble de Supper’s Ready est plus fort que chacune de ses parties constitutives, et aucun fragment n’est aussi émouvant que ce morceau, qui ouvre l’album. Inspiré de On First Looking Into Chapman’s Homer de Keats et de Childhood’s End d’Arthur C. Clarke, Watcher of the Skies s’ouvre sur une minute et demie de mellotron tourbillonnant, avant que Collins et le bassiste Mike Rutherford ne donnent le coup d’envoi du riff bégayant et staccato qui confère à la chanson son caractère zesté – un groove léger mais sans fioritures qui, dans les dernières minutes, se transforme en un blitz féroce tandis que les touches de Banks suscitent des drames de plus en plus sinistres. Le texte, quant à lui, imagine calmement « la fin de la longue union de l’homme avec la Terre », Gabriel jouant quelque extra-terrestre impassible observant une telle apocalypse – un personnage apparenté, peut-être, à Uatu The Watcher de Marvel Comics, et un rôle que le chanteur toujours théâtral interpréterait en concert en portant un maquillage day-glo et une grande capuche dentelée.
4 Firth of Fifth
Tony Banks considérait que les paroles qu’il avait écrites avec Mike Rutherford pour Firth of Fifth – point culminant du meilleur album du groupe, Selling England by the Pound de 1973 – étaient parmi les pires de sa carrière, et des lignes telles que « The mountain cuts off the town from view / Like a cancer growth is removed by skill » suggèrent qu’il n’est pas faussement modeste. Mais les joies considérables de Firth of Fifth ne résident pas dans ses paroles, mais dans le prélude florissant au piano de Banks, l’hymne prog-rock ascendant de sa section principale, et la façon dont le groupe revisite le morceau d’ouverture de Banks en tant qu’ensemble pour les cinq dernières minutes. En effet, cette section finale exaltante – la guitare en pâmoison de Hackett, les percussions musclées et inventives de Collins, les synthés futuristes de Banks – témoigne de la rareté de Genesis parmi les proggers, un groupe qui n’a jamais permis à ses compétences techniques de déborder dans un excès insensé, ni d’écraser son sens de la chanson. Et la musique qu’ils jouent pendant ces cinq minutes est bien plus efficace comme ode édifiante à la beauté de la nature que ces paroles maladroites.
5 I Know What I Like (In Your Wardrobe)
Puis, parmi leurs épopées de 10 minutes et leurs cycles de chansons de 22 minutes, Genesis a lâché son premier joyau pop inattendu. D’une durée d’un peu plus de quatre minutes, I Know What I Like se lève avec un chatoiement de chaleur, avant de s’enfermer dans un groove semblable à Hole in my Shoe de Traffic, une rêverie hippie qui correspond à l’ambiance de fainéant de la chanson comme une paire de pantalons pattes d’éléphant. L’anti-héros de la chanson est un inadapté, comme tous ceux du répertoire de l’ère Gabriel, un marginal heureux de sa vie de tondeur de gazon, malgré les murmures désapprobateurs de ses voisins de banlieue. Sa rébellion est sonnée par un lick de sitar lancinant et paresseux, un refrain woozy singalong et un solo de flûte que Pan’s People a sans doute interprété par le biais de la danse lorsque la chanson est apparue sur Top Of The Pops après avoir atteint le numéro 21 dans les charts (dont les images n’ont malheureusement pas encore atteint Youtube).
6 In the Cage
En 1974, les tensions couvaient au sein de Genesis. De plus en plus perçu par la presse comme le leader du groupe supposé démocratique, le penchant de Gabriel pour les costumes de scène farfelus – enfiler une tête de renard, s’habiller en fleur ou revêtir un habit de vicaire comme l’exigeait la chanson – est accusé par Banks et al de faire de l’ombre à la musique. Il quitte brièvement le groupe après avoir accepté l’offre du réalisateur de l’Exorciste, William Friedkin, de travailler sur un scénario de film, mais il revient avant de commencer à travailler sur le sixième album de Genesis, The Lamb Lies Down on Broadway. Cet album est une œuvre conceptuelle, inspirée du film El Topo de Jodorowsky, qui suit le voyage d’un enfant des rues de New York dans un royaume souterrain sombre et mystique pour sauver son frère de bêtes horribles. Pour rompre avec la tradition de Genesis, Gabriel a écrit tous les textes de Lamb tout seul, alors qu’il faisait la navette entre le studio d’enregistrement de Headley Grange et Londres, où sa femme et son premier enfant étaient en convalescence à l’hôpital après une naissance traumatisante. Comme ses camarades de groupe le pressaient de consacrer plus de temps au groupe et moins à sa famille, il est tentant de lire Lamb – qui, selon Collins, était un album sur le dédoublement de la personnalité – comme une métaphore des allégeances déchirées de Gabriel. Le point culminant de l’album, In the Cage, semble autobiographique, Gabriel chantant « I’ve got sunshine in my stomach/ Like I just rocked my baby to sleep » (J’ai du soleil dans l’estomac/ Comme si je venais de bercer mon bébé pour l’endormir), avant que l’ouverture douce ne cède la place à une séance d’entraînement prog de plus en plus serrée et frénétique, le riff se resserrant, claustrophobe, tandis que Gabriel chante qu’il est piégé et torturé, « Holding still/ pinned for kill … in this cushioned straitjacket » (Se tenir immobile/ épinglé pour tuer … dans cette camisole de force rembourrée). Lamb est l’album le plus audacieux de Genesis à ce jour, et la tournée qui en découle est la plus ambitieuse, une extravagance audiovisuelle qui voit Gabriel se déguiser en monstres grotesques couverts de pustules et se matérialiser des deux côtés de la scène à la fois. Mais ce sera aussi son dernier. En 1975, il quitte Genesis pour se lancer dans une carrière solo, plongeant le groupe dans le désarroi. The Lamb Lies Down on Broadway est curieusement absent de Spotify ; veuillez accepter cette version live à la place.
7 Turn It On Again
La sortie de Gabriel allait finalement offrir à Genesis les plus grands succès commerciaux de leur carrière, alors que le batteur Phil Collins prenait le micro et dirigeait le groupe loin du prog et vers un rock moderne plus épuré, réalisant au passage des tubes inimaginables auparavant. Les trois premiers albums de Collins en tant que chanteur ont montré un groupe en transition, mais dès 1980, Duke s’est débarrassé de sa chrysalide et a trouvé le son qu’il allait poursuivre de manière si lucrative pendant le reste de la décennie. Cette évolution s’entend le plus clairement sur Turn It on Again : alors que la chanson passe par quatre signatures temporelles différentes en quatre minutes, le riff de guitare central de Rutherford est simple et efficace, tandis que la voix de Collins abandonne l’anglais pointu de jadis pour un accent du centre de l’Atlantique qui passe bien à la radio américaine. Les pronostiqueurs ont crié à l’injustice, mais l’avenir appartenait à cette incarnation de Genesis, et l’empilement de crochets addictifs de Turn It on Again leur a permis de décrocher leur premier single classé dans le top 10.
8 Duchess
Mais Genesis n’avait pas entièrement tourné le dos à ses racines prog. Turn It on Again faisait, en fait, partie d’une suite de chansons thématiquement liées au sein de Duke composant une mini-suite dans la veine de Supper’s Ready, bien que le groupe ne l’ait pas reconnu publiquement à l’époque. Le plus bel élément de cette suite – l’un des meilleurs morceaux de toute la discographie de Genesis – Duchess raconte l’histoire de l’ascension et de la chute d’une diva, avec la voix soul de Collins alimentée par les accords de piano de Banks et une batterie vraiment colossale. Cependant, malgré toutes ses qualités hymniques, les moments les plus envoûtants de Duchess se situent au niveau de l’intro et de l’outro : des passages ambiants et élémentaires de batterie électronique programmée qui suggèrent que le groupe a prêté attention au travail expérimental de Brian Eno. Ce n’est probablement pas une coïncidence, étant donné que Collins a été un collaborateur régulier d’Eno depuis qu’il a joué de la batterie sur Taking Tiger Mountain (By Strategy), en récompense des contributions d’Eno à The Lamb Lies Down on Broadway. Avec les synthés discrets de Banks, les pulsations de la boîte à rythmes créent un paysage sonore hypnotique et évocateur, aérien et futuriste. Collins explorera plus avant le potentiel dramatique des boîtes à rythmes, à la fois avec Genesis et, bien sûr, sur son premier single solo, In the Air Tonight.
9 Abacab
« Less is more » semblait l’éthique de l’album suivant de Genesis, Abacab. « Le punk avait laissé des traces », admet Collins, et cela peut être dur dans le stomp auto-conscient de Who Dunnit ? L’album comporte également une collaboration pop optimiste avec la section des cuivres de Earth Wind & Fire sur No Reply At All. La puissante chanson-titre résume ce que Tony Banks a décrit comme le sentiment général « non romantique » de l’album : un morceau clairsemé et froid, avec une qualité aérienne, spacy, plus proche d’Eno ou de Krautrock que de quoi que ce soit dans le catalogue Genesis. Les pistes se sont vues conférer un poids supplémentaire par l’ingénieur Hugh Padgham, qui a développé l’effet « gated » caractéristique pour les pistes de batterie de Collins qui dominerait le rock des années 80.
10 Domino
En 1986, Collins était devenu l’une des plus grandes stars du monde, les confections soul-rock de ses albums solo l’ayant conduit à un succès multi-platine et à une carrière cinématographique naissante. Une grande partie de l’album Invisible Touch de Genesis de cette année-là – son titre pop brillant et poli, l’agit-rock du baby-boomer de Land of Confusion, la ballade véritablement touchante Throwing It All Away – aurait pu facilement trouver sa place sur ses albums solo. Domino, cependant, était différent. Ce titre est une fusion de tout ce que Genesis avait été et était devenu : une épopée de 11 minutes en plusieurs parties, jouée avec l’attaque minimale d’Abacab, l’envoûtant In the Glow of the Night cédant la place à la bombance synth-rock hymnique de The Last Domino. Invisible Touch est devenu l’album le plus populaire de Genesis et la tournée qui en a résulté s’est terminée par quatre soirées à guichets fermés au Wembley Stadium. Ces concerts sont filmés et donnent lieu à une vidéo qui témoigne des pires excès de l’époque, de la guitare sans tête de Rutherford à l’agression de Collins dans le style des Blues Brothers lors du medley final des classiques de la soul. Domino, cependant, s’est avéré être un dernier souffle de brillance avant la fadeur de We Can’t Dance de 1991 et de Calling All Stations de 1997, inexplicable et sans Collins.
{topLeft}}
{bottomLeft}}
{topRight}
{bottomRight}
{{/goalExceededMarkerPercentage}}
{{/ticker}}
{{heading}}
{{#paragraphs}}
{{.}}
{{/paragraphes}}{{texte mis en évidence}
- Partager sur Facebook
- Partager sur Twitter
- Partager par courriel
- Partager sur LinkedIn
- Partager sur Pinterest
- Partager sur WhatsApp
- Partager sur Messenger
.