DevelopmentEdit
-Walt Disney
En 1940, Walt Disney sort Fantasia, son troisième long métrage d’animation, composé de huit segments animés sur des morceaux de musique classique. Au départ, il avait prévu de sortir le film en continu, de nouveaux segments remplaçant les anciens afin que le public ne voie jamais deux fois le même film. L’idée a été abandonnée après les faibles recettes initiales du film au box-office et l’accueil mitigé des critiques. Après des travaux préliminaires sur de nouveaux segments, l’idée a été mise de côté en 1942 et n’a pas été revue pendant le reste de la vie de Disney. En 1980, les animateurs Wolfgang Reitherman et Mel Shaw ont commencé le travail préliminaire sur Musicana, un long métrage « mélangeant le jazz, la musique classique, les mythes, l’art moderne … suivant l’ancien format de Fantasia » qui devait présenter « des contes ethniques du monde entier avec la musique des différents pays ». Le projet fut annulé au profit du Mickey’s Christmas Carol (1983).
L’idée d’une suite à Fantasia a été relancée peu après que Michael Eisner soit devenu directeur général de The Walt Disney Company en 1984, lorsque le neveu de Walt, le vice-président Roy E. Disney, la lui a suggérée lors d’un déjeuner, une idée qui lui était venue à l’esprit dix ans plus tôt. Disney se souvient de sa réaction : « C’est comme si une grosse ampoule s’était allumée au-dessus de sa tête. L’idée était séduisante, mais nous n’avions pas les ressources nécessaires pour la réaliser ». Le président des Walt Disney Studios, Jeffrey Katzenberg, a montré un manque d’intérêt pour le film. Il avait déjà demandé à André Previn de travailler sur un film Fantasia, mais ce dernier avait refusé après avoir appris que le film devait comporter des chansons des Beatles plutôt que de la musique classique. Eisner a approché Leonard Bernstein avec la même idée, mais bien qu’il ait semblé enthousiaste, Bernstein est mort avant le début de la production. Il a fallu attendre sept années supplémentaires avant que le film ne soit envisagé, après que la réédition de Fantasia en 1990 ait rapporté 25 millions de dollars sur le marché intérieur et que sa sortie en vidéo à domicile en 1991 ait suscité 9,25 millions de précommandes. Disney a vu dans ce succès commercial le signe que l’intérêt du public pour la franchise Fantasia était suffisant pour faire une suite. Eisner donne finalement le feu vert au film en 1991 et accepte que Disney en soit le producteur exécutif, à condition que la production soit financée par les recettes des ventes de vidéos. Disney a désigné Donald W. Ernst comme producteur et Hendel Butoy comme réalisateur superviseur ayant apprécié son travail avec The Rescuers Down Under (1990).
Pendant la recherche d’un chef d’orchestre approprié, Disney et le président de Walt Disney Feature Animation Thomas Schumacher ont invité le chef d’orchestre du Metropolitan Opera James Levine et le manager Peter Gelb à une réunion en septembre 1991. Disney se souvient : « J’ai demandé à James ce qu’il pensait d’une version de trois minutes de la cinquième symphonie de Beethoven. Il a fait une pause et m’a dit : ‘Je pense que les trois bonnes minutes seraient magnifiques' ». En novembre 1992, Disney, Schumacher, Levine, Gelb et Butoy se sont rencontrés à Vienne pour discuter du développement d’une collection de bobines d’histoires, l’une d’entre elles étant Pines of Rome, à laquelle Levine a immédiatement pris goût. Butoy a décrit l’enthousiasme de Levine à l’égard du film comme » un enfant dans un magasin de bonbons « . Parce que Katzenberg a continué à exprimer une certaine hostilité envers le film, Disney a tenu des réunions de développement sans lui et a rapporté directement à Eisner à la place, quelque chose que l’auteur James B. Stewart a écrit « aurait été impensable sur tout autre projet d’animation future. »
La production a commencé sous le titre provisoire de Fantasia Continued avec une sortie en 1997. Le titre a été changé pour Fantasia 1999, puis Fantasia 2000 pour coïncider avec sa sortie en salles en 2000. Disney a constitué son ordre de passage initial avec la moitié du programme de Fantasia et seulement « trois ou quatre nouveaux numéros » dans le but de sortir un « film semi-nouveau ». Se rendant compte que l’idée ne fonctionnerait pas, il a gardé trois segments de Fantasia – L’Apprenti sorcier, La Suite Casse-Noisette et La Danse des heures – dans le programme pendant « un bon moment ». La Nuit sur le mont Chauve a été le segment le plus difficile à retirer de son ordre de passage original, car il s’agissait de l’un de ses préférés. Il l’avait placé au milieu du film sans l’Ave Maria, mais il a estimé que cela ne fonctionnait pas et a abandonné l’idée. Plus tard, la Danse des heures a été abandonnée et la Suite Casse-Noisette a été remplacée par Rhapsody in Blue au cours des derniers mois de la production, suite à la réaction des nombreuses projections tests. Disney a conservé L’Apprenti sorcier dans le programme final en hommage à Fantasia. Le segment a fait l’objet d’une restauration numérique par Cinesite à Los Angeles. Disney a envisagé d’utiliser Clair de Lune, un morceau réalisé à l’origine pour Fantasia qui suivait deux grands hérons blancs volant dans les Everglades la nuit, mais a pensé que c’était » assez ennuyeux « . Une idée d’avoir « un cauchemar et un rêve luttant pour l’âme d’un enfant endormi » sur Rhapsodie sur un thème de Paganini de Sergei Rachmaninoff a été entièrement storyboardée, mais est tombée à l’eau.
SegmentsEdit
Symphonie n°5Edit
Symphonie n°5 est un segment abstrait créé par Pixote Hunt avec le développement de l’histoire par Kelvin Yasuda. En décembre 1997, après avoir rejeté les pitches de quatre autres animateurs, Disney et Ernst ont demandé à Hunt ses idées. C’est au cours d’une promenade matinale à Pasadena, en Californie, que Hunt a pensé pour la première fois à l’histoire, qui dépeint une bataille de formes multicolores « bonnes » contre des formes sombres « mauvaises » et la manière dont le conflit se résout. Il a fallu à Hunt environ deux ans, du début à la fin, pour terminer le segment. Disney et Ernst ont décidé de suivre l’idée de Hunt, qui a évité de produire une œuvre entièrement abstraite, car « on peut facilement obtenir quelque chose d’abstrait sur n’importe quel écran d’ordinateur ». Hunt a divisé le segment en 31 mini-scènes, notant les points où il utiliserait des couleurs vives lorsque la musique était brillante et fluide, puis passerait à des teintes plus sombres lorsque la musique était plus sombre et plus dense. Pour s’inspirer de la façon dont les formes se déplacent, Hunt et ses associés ont visité le zoo de San Diego, une ferme de papillons et ont observé des séquences de chauves-souris au ralenti. Le segment combine des arrière-plans dessinés à la main à l’aide de pastels et de peinture, qui ont été scannés dans le système CAPS (Computer Animation Production System), et des images générées par ordinateur (CGI) de formes et d’effets abstraits, qui ont été superposées. Hunt a expliqué que la numérisation de chaque dessin « était une opération unique », car la platine qui s’appuyait dessus modifiait le pastel une fois qu’il avait été numérisé. À un moment de la production, Hunt et Yasuda ont réalisé 68 dessins au pastel en huit jours. Le segment a été produit à l’aide du logiciel d’animation Houdini.
Pines of RomeEdit
Pines of Rome a été le premier morceau suggéré par Disney pour le film, ainsi que le premier à être animé ; les dessins sont apparus dans les rushes du studio dès octobre 1993. Butoy a été le réalisateur et James Fujii s’est occupé de l’histoire. L’ouverture de la pièce a donné à Disney l’idée de « quelque chose qui vole ». Butoy a esquissé la séquence sur des Post-it jaunes. À l’origine, les baleines volaient du point de vue d’un groupe de pingouins, mais l’idée a été abandonnée pour faire du bébé baleine un personnage central. Les baleines devaient également revenir sur Terre, mais Butoy a déclaré que cela n’était « jamais tout à fait juste », ce qui a conduit à la décision de leur faire traverser un plafond nuageux et de les faire entrer dans un autre monde près de la supernova. Butoy a créé un « tableau d’intensité musicale » à l’intention des animateurs, qui « suivait les hauts et les bas de la musique… plus la musique s’éclaircit, plus la couleur augmente », et vice versa. Il a expliqué qu’étant donné que l’image de synthèse n’en était qu’à ses balbutiements pendant le développement, le premier tiers du segment a été dessiné à la main au crayon pour avoir une idée de la façon dont les baleines allaient se déplacer. Lorsque les dessins ont été scannés dans le système CAPS, Butoy a constaté que les baleines se déplaçaient trop vite ou avaient moins de poids. Les dessins ont été modifiés afin de ralentir les baleines et de les rendre « plus crédibles ». Les yeux des baleines ont été dessinés à la main, car les regards souhaités n’étaient pas entièrement réalisables avec une image de synthèse. L’équipe a décidé d’écrire un code informatique à partir de zéro, car l’animation traditionnelle aurait pris trop de temps et aurait donné des résultats non souhaités. Le code utilisé pour le groupe de baleines a été écrit de manière à ce que les baleines s’éloignent en cas de collision, sans se heurter, se chevaucher ou se traverser. La même technique a été utilisée pour la scène de la bousculade dans Le Roi Lion (1994), qui a été produite à la même époque.
Rhapsody in BlueEdit
Rhapsody in Blue est le premier segment de Fantasia avec une musique du compositeur américain George Gershwin. Il trouve son origine en 1992 lorsque le réalisateur et animateur Eric Goldberg approche Al Hirschfeld pour lui soumettre l’idée d’un court-métrage d’animation réglé sur la composition de Gershwin dans le style des illustrations de Hirschfeld. Hirschfeld a accepté de servir de consultant artistique et a permis aux animateurs d’utiliser et d’adapter ses œuvres précédentes pour le segment. Susan, la femme de Goldberg, était directrice artistique. Duke est nommé d’après l’artiste de jazz Duke Ellington. Le bas de son tube de dentifrice indique « NINA », un œuf de Pâques faisant référence à la fille de Hirschfeld, Nina. Rachel a été conçue d’après la fille des Goldberg et John est basé sur l’historien de l’animation et auteur John Culhane et sur la caricature d’Alexander Woollcott par Hirschfeld. Goldberg a repris l’illustration originale de Gershwin par Hirschfeld et l’a animée pour le faire jouer du piano. Dans la foule sortant de l’hôtel, on voit des représentations de Brooks Atkinson et de Hirschfeld, ainsi que de sa femme Dolly Haas. La séquence est terminée deux mois avant la date prévue. Malgré cela, la séquence était si complexe sur le plan chromatique que le processus de rendu utilisant le système CAPS a retardé le travail sur Tarzan.
Concerto pour piano n°2Modifié
Le Concerto pour piano n°2 a été réalisé par Butoy avec le directeur artistique Michael Humphries. Il a vu le jour dans les années 1930 lorsque Walt Disney a souhaité adapter une collection de contes de fées de Hans Christian Andersen en un film d’animation. Les artistes ont réalisé une série de dessins préliminaires basés sur les histoires, y compris ceux pour The Steadfast Tin Soldier de 1938 par Bianca Majolie qui ont été conservés dans la bibliothèque de recherche sur l’animation du studio et utilisés pour un livre de Disney de 1991 qui reprenait l’histoire accompagnée des croquis du storyboard. Lorsque Disney a suggéré d’utiliser le morceau de Chostakovitch, Butoy a feuilleté le livre et a trouvé que la structure de l’histoire correspondait à la musique. Lorsque Humphries a vu les esquisses, il a conçu le segment avec des œuvres du Caravage et de Rembrandt en tête pour donner au segment un aspect « intemporel », tout en gardant les couleurs « aussi romantiques que possible » pendant les scènes où le soldat et la ballerine font connaissance. Des images en direct d’une vraie ballerine ont servi de guide pour les mouvements de la ballerine en jouet. Butoy a trouvé que le personnage de Jack-in-a-box était difficile à concevoir et à animer, avec sa base à ressort et la façon dont il se déplaçait avec la boîte. Son apparence a subi de nombreuses modifications, en partie en raison du manque de matériel de référence à la disposition de l’équipe.
Ce segment a marqué la première fois que le studio Disney a créé les personnages principaux d’un film entièrement à partir de la CGI ; seuls les arrière-plans, les personnages secondaires ou tertiaires avaient été produits en utilisant la CGI auparavant. Initialement, Butoy avait demandé à Pixar Animation Studios de s’occuper des images de synthèse, mais l’artiste CGI Steve Goldberg l’a convaincu de laisser la propre équipe de Disney les produire. Les arrière-plans ont été réalisés à la main. À l’origine, la séquence des égouts comprenait des rats sympathiques qui faisaient des gags comiques, mais l’équipe a constaté que cela ne correspondait pas à l’ambiance du reste du segment. Les égouts sont devenus un environnement plus effrayant, ce qui, selon Butoy, était « ce que la musique nous disait de faire ». L’animation de la pluie de Bambi (1942) a été scannée dans le système CAPS et modifiée numériquement pour s’intégrer au segment. La fin devait comporter la fin originale avec le soldat et la ballerine fondant dans le feu, mais la musique était trop entraînante pour l’animer et a été modifiée. Un extrait de ce segment a été montré à la conférence SIGGRAPH de 1998.
Le Carnaval des animaux, FinaleEdit
Le Carnaval des animaux, Finale a été réalisé par Goldberg ; sa femme Susan en était la directrice artistique. L’idée vient de l’animateur Joe Grant, l’un des deux directeurs de scénario de Fantasia, qui aimait les autruches de la Danse des heures. Lorsque le développement de Fantasia 2000 a commencé, Grant a suggéré l’idée de faire jouer une des autruches avec un yo-yo sur le dernier mouvement du Carnaval des animaux. Les autruches ont ensuite été remplacées par des flamants roses, car Disney souhaitait éviter de réintroduire des personnages du film original et pensait que les flamants roses seraient plus colorés à l’écran. Goldberg a été en partie inspiré par le co-réalisateur Mike Gabriel, qui jouait avec un yo-yo lorsqu’il faisait une pause en travaillant sur Pocahontas (1995). Le segment a été réalisé avec des images de synthèse et 6 000 peintures à l’aquarelle sur du papier bond épais. Susan a choisi une palette de couleurs distinctes pour le segment qu’elle a comparé au style d’une chemise hawaïenne. Les Goldberg et leur équipe ont visité le zoo de Los Angeles et de San Diego pour étudier l’anatomie et le mouvement des flamants roses.
L’Apprenti sorcierEdit
L’Apprenti sorcier était précédemment du premier film alors que Yen Sid et Mickey Mouse sont dans ce segment.
Pomp and CircumstanceEdit
Eisner a suggéré Pomp and Circumstance comme pièce après avoir assisté à une remise de diplômes et a pensé que sa familiarité conviendrait à un segment de Fantasia. Son idée impliquait une sélection de princesses et de héros Disney dans un cortège de mariage portant leurs futurs enfants qui seraient ensuite présentés lors d’une cérémonie. Les dessins préliminaires des animateurs représentaient un décor gréco-romain ; l’un des membres de l’équipe a décrit l’œuvre comme « un abus épouvantable » des personnages. Eisner accepte de laisser tomber l’histoire, mais insiste pour que la musique soit utilisée. Après que de nombreuses idées aient été mises au rebut en raison de la difficulté à écrire une intrigue claire, l’animateur et réalisateur Francis Glebas a eu l’idée de l’Arche de Noé qu’il a intitulée Donald’s Last Roundup !, plus tard renommée Noah’s Duck, et l’a présentée en pensant qu’elle était « chargée de possibilités comiques ».
L’Oiseau de feuModifié
Pour clore le film, Disney voulait un morceau qui soit « émotionnellement équivalent » aux segments Nuit sur le Mont Chauve et Ave Maria qui clôturaient Fantasia. Disney a choisi L’Oiseau de feu comme morceau à utiliser après qu’une « demi-douzaine » d’autres aient été mis au rebut, notamment la Symphonie n° 9 de Beethoven et le « Hallelujah Chorus » du Messie de Haendel. Disney a pensé à l’idée de la destruction et du renouveau de la Terre après être passé devant le Mont St. Helens suite à son éruption en 1980. Les jumeaux français Paul et Gaëtan Brizzi du studio parisien de Disney ont été engagés pour réaliser le segment. Le Sprite est une créature de la mythologie grecque ressemblant à une Dryade. Elle change six fois de forme : elle est présentée comme un Sprite de l’eau qui plante des fleurs en tant que Sprite des fleurs. Elle devient un Sprite Neutre lorsque son chemin de croissance s’arrête et un Sprite Cendré lorsque la forêt a été détruite. Le segment se termine avec le Sprite de l’onde de pluie, suivi du Sprite de l’herbe. À l’origine, le segment se terminait par un Sprite sous la forme d’une rivière qui s’élève vers le ciel et se transforme en Sprite du soleil, mais cette idée a été abandonnée. Les bois de l’élan ont été produits par CGI et placés sur son corps qui a été dessiné de manière traditionnelle. Le segment a été produit en utilisant le logiciel d’animation Houdini.
MusicEdit
La musique de L’Apprenti sorcier a déjà été enregistrée le 9 janvier 1938 pour le premier film aux Culver Studios, en Californie, avec Leopold Stokowski dirigeant un groupe de musiciens de session. L’enregistrement de Rhapsody in Blue utilisé dans le film est une version modifiée de l’orchestration du morceau par Ferde Grofé, interprétée par le Philharmonia Orchestra sous la direction de Bruce Broughton. La version raccourcie a été réalisée en coupant 125 mesures de piano solo à trois endroits différents. Un enregistrement de James Levine dirigeant les deux pièces avec le Philharmonia figure sur la bande-son du film.
Les six autres pièces ont été enregistrées au Medinah Temple de Chicago, interprétées par l’Orchestre symphonique de Chicago dirigé par Levine. Pines of Rome a été réarrangé en 1993 par Bruce Coughlin, qui a réduit la pièce en quatre mouvements en coupant le deuxième mouvement et en rognant des sections des troisième et quatrième mouvements. La pièce a été enregistrée le 28 mars 1994. Le deuxième enregistrement concerne la Symphonie n° 5, le Carnaval des animaux et Pomp and Circumstance, le 25 avril 1994. Carnaval of the Animals, Finale utilise deux pianos joués par Gail Niwa et Philip Sabransky. Pomp and Circumstance a été arrangé par Peter Schickele et met en vedette le Chicago Symphony Chorus et la soprano soliste Kathleen Battle. L’enregistrement suivant a eu lieu le 24 avril 1995 pour le Concerto pour piano n° 2 avec le pianiste Yefim Bronfman. Le 28 septembre 1996, L’Oiseau de feu est la dernière pièce à être enregistrée ; sa session a duré trois heures. La pièce a été arrangée en utilisant quatre sections de la révision de la partition de Stravinsky en 1919.
InterstitielsEdit
Disney a ressenti le besoin de conserver des interstitiels (ponts) tels qu’utilisés dans Fantasia afin de donner au public une chance de « nettoyer son palais émotionnel » du segment précédent tout en fournissant quelques informations sur le suivant. Don Hahn a réalisé les scènes en direct qui ont été conçues par Pixote Hunt. Hahn a imaginé le décor et les arrière-plans pendant qu’il déjeunait ; il a commencé à dessiner une idée approximative de ce qu’il imaginait sur une serviette de table. Il « voulait montrer des images sur des formes comme les grandes voiles d’un bateau clipper. Elles volent au gré du vent et forment une sorte de salle de concert Stonehenge au milieu d’une vaste plaine vide et imaginaire ».
Hahn se souvient d’une certaine difficulté à trouver quelqu’un pour animer le film, le studio a donc décidé de faire appel à un groupe d’artistes et de musiciens issus de divers domaines du divertissement. Les interstitiels ont été filmés dans différents endroits ; l’orchestre, Jones, Lansbury et Bronfman ont été tournés à Los Angeles, Perlman et Midler à New York, et les autres à Boston, Massachusetts. Chaque scène a été filmée devant un écran vert pour permettre de placer des plans de l’orchestre ou du décor derrière eux. Les plans de Levine, des artistes et de l’orchestre ont été tournés le 31 octobre 1998. Le piano sur lequel Grierson joue dans sa scène avec Jones est le même que celui sur lequel il a joué Rhapsody in Blue pour la bande originale.