1 The Knife
Formados por el cantante Peter Gabriel y el teclista Tony Banks mientras eran estudiantes en la escuela pública de Charterhouse, Genesis comenzó su carrera discográfica de forma poco propicia con un debut de 1969, mejor olvidado, producido por Jonathan King y con un título, From Genesis to Revelation (De Génesis a la Revelación), que lo archivó junto a la música religiosa en las tiendas de discos. Al año siguiente, Trespass, su primer disco para Charisma Records, se acercaba más al rock progresivo por el que pronto se harían famosos, y The Knife -una adición tardía al álbum- era su tema más fuerte. La letra -un repudio mordaz del tipo de mitos que se venden en los carteles de reclutamiento militar- fue, según admitió Gabriel más tarde, obra de «un colegial que se rebelaba contra su entorno», pero sigue siendo un tema conmovedor, que anticipa el himno antibélico de Metallica, Disposable Heroes, que llegó 15 años después. Los tempos cambiantes, el órgano de marcha y la guitarra dentada de The Knife están mejor representados en el álbum Live de 1973 del grupo, con las nuevas incorporaciones de Phil Collins (batería) y Steve Hackett (guitarra), que dan al tema una adecuada ferocidad proto-thrash.
2 The Musical Box
Para su tercer álbum Nursery Cryme, la alineación clásica de Genesis estaba en su lugar, y el lirismo excéntrico, macabro y negro-comico que caracterizaría la era de Peter Gabriel con el grupo pasó a primer plano. La carátula del álbum -un ejercicio de retorcida Victoriana pintado por Paul Whitehead- representaba a niñas jugando al croquet con cabezas cortadas, y se inspiraba en la canción que daba título al álbum. Gabriel esbozó la retorcida narrativa de la canción en una breve viñeta en la funda interior, en la que hablaba de un joven que había sido decapitado por su amiga Cynthia durante un partido de croquet, y que regresaba como un espíritu que rondaba su caja musical, manifestándose ante ella como un espíritu que envejecía rápidamente con «los deseos de toda una vida surgiendo a través de él». Es un tema espeluznante, pero la música es la que más emociona: sus tres movimientos pasan de un folk barroco con tintes orientales a una sección intermedia en la que aparecen los teclados de Tony Banks y los arpegios de Steve Hackett, hasta un inquietante y anhelante pasaje final que dio a Gabriel espacio para explorar la rica y conmovedora voz que más tarde capitalizaría en su carrera en solitario. El hecho de que empleara esa voz para dar vida a un fantasma anciano que aúlla «Why won’t you touch me?» a una niña de nueve años -y que, al interpretar la canción en el escenario, llevara una espeluznante máscara de «anciano»- sólo sirve para enmarcar lo peculiar que podía ser Genesis.
3 Watcher of the Skies
El Foxtrot de 1972 estaba dominado por Supper’s Ready, una suite de 23 minutos que ocupaba casi toda la segunda cara del álbum, enlazando siete fragmentos de canciones separadas con segmentos y motivos recurrentes, un gesto de bravura que todavía impresiona hoy. Pero parece una trampa nominar una suite así para este 10 de los mejores. Ciertamente, el conjunto de Supper’s Ready es más fuerte que cualquiera de sus partes, y ningún fragmento es tan conmovedor como éste, la pieza que abre el álbum. Inspirada en On First Looking Into Chapman’s Homer de Keats y en Childhood’s End de Arthur C. Clarke, Watcher of the Skies se abre con un minuto y medio de remolinos de mellotrón, antes de que Collins y el bajista Mike Rutherford pongan en marcha el tartamudo y entrecortado riff que le da a la canción su alegre ritmo, un ritmo ágil pero sin estridencias que, en los últimos minutos, se convierte en un feroz bombardeo mientras las teclas de Banks agitan dramas cada vez más siniestros. La letra, por su parte, imagina tranquilamente «el fin de la larga unión del hombre con la Tierra», Gabriel interpretando a un impasible extraterrestre que observa dicho apocalipsis -un personaje parecido, quizás, a Uatu The Watcher de Marvel Comics, y un papel que el siempre teatral cantante representaría en concierto vistiendo un maquillaje diurno y una gran capucha dentada.
4 Firth of Fifth
Tony Banks consideraba que las letras que él y Mike Rutherford escribieron para Firth of Fifth -el punto culminante del mejor álbum de la banda, Selling England by the Pound, de 1973- estaban entre las peores de su carrera, y líneas como «The mountain cuts off the town from view / Like a cancer growth is removed by skill» sugieren que no está siendo falsamente modesto. Pero las alegrías considerables de Firth of Fifth no residen en sus palabras, sino en el floreciente preludio de piano de Banks, el himno prog-rock ascendente de su sección principal, y la forma en que la banda retoma la pieza inicial de Banks como un conjunto para sus cinco minutos finales. De hecho, esta arrebatadora sección final -la guitarra desvanecida de Hackett, la percusión musculosa e inventiva de Collins, los sintetizadores futuristas de Banks- es un testimonio de que Genesis es esa rareza entre los proggers, una banda que nunca permitió que su competencia técnica se desbordara hacia un exceso sin sentido, ni abrumara su sentido de la canción. Y la música que tocan en esos cinco minutos es mucho más eficaz como oda a la belleza de la naturaleza que esas torpes letras.
5 I Know What I Like (In Your Wardrobe)
Entonces, entre sus epopeyas de 10 minutos y ciclos de canciones de 22 minutos, Genesis dejó caer su primera joya pop inesperada. Con una duración de poco más de cuatro minutos, I Know What I Like se eleva con un brillo de calor, antes de entrar en un ritmo similar a Hole in my Shoe de Traffic, una ensoñación hippie que encaja con el ambiente holgazán de la canción como un par de pantalones de campana a medida. El antihéroe de la canción es un inadaptado, como todos los demás en el cancionero de la era de Gabriel, un desertor escolar feliz con su vida de cortador de césped, a pesar de los susurros de desaprobación de sus vecinos suburbanos. Su rebelión se ve acompañada por un persistente y perezoso ritmo de sitar, un estribillo de ritmo lento y un solo de flauta que Pan’s People interpretó sin duda a través de la danza cuando la canción apareció en el programa Top Of The Pops después de alcanzar el número 21 en las listas de éxitos (una grabación que, lamentablemente, aún no ha llegado a Youtube).
6 In the Cage
En 1974, las tensiones estaban a punto de estallar dentro de Genesis. Cada vez más percibida por la prensa como líder del grupo supuestamente democrático, la afición de Gabriel por los disfraces extravagantes en el escenario -poniéndose una cabeza de zorro, vistiendo como una flor o luciendo un atuendo de vicario, como exigía la canción- fue acusada por Banks et al de eclipsar la música. Dejó brevemente el grupo tras aceptar una oferta del director del Exorcista, William Friedkin, para trabajar en el guión de una película, pero se reincorporó antes de empezar a trabajar en el sexto álbum de Genesis, The Lamb Lies Down on Broadway. Este LP es una pieza conceptual, inspirada en El Topo de Jodorowsky, que sigue el viaje de un niño de la calle de Nueva York a un reino subterráneo oscuro y místico para rescatar a su hermano de bestias horribles. Rompiendo con la tradición de Genesis, Gabriel escribió todas las letras de Lamb por su cuenta, mientras se desplazaba entre el estudio de grabación de Headley Grange y Londres, donde su mujer y su primer hijo se recuperaban en el hospital tras un parto traumático. Como sus compañeros de banda le presionaban para que dedicara más tiempo al grupo y menos a su familia, es tentador leer Lamb -que Collins creía que era un álbum sobre personalidades divididas- como una metáfora de las lealtades desgarradas de Gabriel. Ciertamente, el punto álgido del álbum, In the Cage, parece autobiográfico, con Gabriel cantando «I’ve got sunshine in my stomach/ Like I just rocked my baby to sleep», antes de que la dulce apertura dé paso a un ejercicio prog cada vez más apretado y frenético, con un riff cada vez más apretado, claustrofóbico, mientras Gabriel canta que está atrapado y torturado, «Holding still/ pinned for kill… in this cushioned straitjacket». Lamb fue el álbum más audaz de Genesis hasta la fecha, y la gira resultante, la más ambiciosa, una extravagancia audiovisual en la que Gabriel se disfrazaba de monstruos grotescos cubiertos de pústulas y parecía materializarse en ambos lados del escenario a la vez. Pero también sería el último. En 1975, abandonó Genesis para seguir una carrera en solitario, lo que provocó la desorganización de la banda. The Lamb Lies Down on Broadway está desconcertantemente ausente de Spotify; por favor, acepta esta versión en directo en su lugar.
7 Turn It On Again
La salida de Gabriel acabaría proporcionando a Genesis los mayores éxitos comerciales de su carrera, ya que el batería Phil Collins tomó el micrófono y condujo al grupo lejos del prog y hacia un rock moderno más aerodinámico, logrando por el camino éxitos inimaginables. Los tres primeros álbumes de Collins como cantante captaron a una banda en transición, pero para el Duke de 1980 se habían despojado de la crisálida y localizado el sonido que perseguirían tan lucrativamente durante el resto de la década. Esta evolución se escuchó con mayor claridad en Turn It on Again: aunque la canción saltaba entre cuatro compases distintos en sus cuatro minutos, el riff de guitarra central de Rutherford era sencillo y eficaz, mientras que la voz de Collins abandonaba el marcado carácter inglés de antaño para adoptar un tono medio atlántico que sonaría bien en la radio estadounidense. Los pronosticadores se quejaron, pero el futuro pertenecía a esta encarnación de Genesis, y la pila de adictivos ganchos de Turn It on Again les proporcionó su primer single en el top 10.
8 Duchess
Pero Genesis no había dado la espalda por completo a sus raíces prog. Turn It on Again era, de hecho, parte de una suite de canciones vinculadas temáticamente dentro de Duke que componía una minisuite en la línea de Supper’s Ready, aunque el grupo no lo reconoció públicamente en su momento. El mejor elemento de este tema -uno de los mejores de toda la discografía de Genesis- era Duchess, que contaba la historia del ascenso y la caída de una diva, con la conmovedora voz de Collins impulsada por los acordes de piano de Banks y una batería realmente colosal. Sin embargo, a pesar de sus cualidades antémicas, los momentos más cautivadores de Duchess llegaron con su intro y su outro: pasajes ambientales y elementales de baterías electrónicas programadas que sugieren que la banda estaba prestando atención a la obra experimental de Brian Eno. Probablemente no era una coincidencia, dado que Collins había sido un colaborador habitual de Eno desde que tocó la batería en Taking Tiger Mountain (By Strategy), como venganza por las contribuciones de Eno a The Lamb Lies Down on Broadway. Junto con los comedidos sintetizadores de Banks, los pulsos de la caja de ritmos conjuran un paisaje sonoro hipnótico y evocador, aireado y futurista. Collins seguiría explorando el potencial dramático de las cajas de ritmos, tanto con Genesis como, por supuesto, en su primer single en solitario, In the Air Tonight.
9 Abacab
«Menos es más» parecía el espíritu del siguiente álbum de Genesis, Abacab. «El punk había dejado alguna huella», admitió Collins, y esto puede ser duro en el autoconsciente pisotón de Who Dunnit? Mientras tanto, el álbum también cuenta con una optimista colaboración pop con la sección de vientos de Earth Wind & Fire en No Reply At All. La poderosa canción que da título al disco resume lo que Tony Banks describió como la sensación general de «falta de romanticismo» del álbum: una mermelada escasa y fría con una calidad aireada y espumosa más parecida a Eno o al Krautrock que a cualquier cosa del catálogo de Genesis. El ingeniero Hugh Padgham, que desarrolló el característico efecto «gated» para las pistas de batería de Collins que dominaría el rock de los años 80, se encargó de darles más fuerza.
10 Domino
En 1986, Collins se había convertido en una de las mayores estrellas del mundo, ya que las creaciones de soul-rock de sus álbumes en solitario le llevaron al éxito multiplatino y a una incipiente carrera cinematográfica. Gran parte del álbum de Genesis de ese año, Invisible Touch -su brillante y pulido tema principal, el agit-rock baby boomer de Land of Confusion, la genuinamente conmovedora balada Throwing It All Away- podría haber encajado fácilmente en sus álbumes en solitario. Domino, sin embargo, era diferente. Este tema es una fusión de todo lo que Genesis había sido y en lo que se había convertido: una epopeya de 11 minutos de duración interpretada con el ataque minimalista de Abacab, la inquietante In the Glow of the Night que da paso al bombardeo de synth-rock antémico de The Last Domino. Invisible Touch se convirtió en el álbum más exitoso de Genesis y la gira resultante culminó con cuatro noches con las entradas agotadas en el estadio de Wembley. Estas noches se filmaron para un vídeo de concierto posterior que estaba repleto de pruebas -desde la guitarra sin cabeza de Rutherford hasta el macabro atraco al estilo de los Blues Brothers de Collins durante un popurrí final de clásicos del soul- de los peores excesos de la época. Domino, sin embargo, demostró ser un último suspiro de brillantez antes de la insipidez de We Can’t Dance, de 1991, y de Calling All Stations, de 1997, inexplicable y sin Collins.
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