DevelopmentEdit
-Walt Disney
En 1940, Walt Disney estrenó Fantasía, su tercer largometraje de animación, que consistía en ocho segmentos animados ambientados con piezas de música clásica. En un principio, el director planeó estrenar la película de forma continua, sustituyendo los segmentos más antiguos por otros nuevos, de modo que el público nunca viera la misma película dos veces. La idea se abandonó tras la escasa recaudación inicial de la película y la respuesta desigual de la crítica. Después de los trabajos preliminares sobre los nuevos segmentos, la idea se archivó en 1942 y no se retomó durante el resto de la vida de Disney. En 1980, los animadores Wolfgang Reitherman y Mel Shaw iniciaron los trabajos preliminares de Musicana, un largometraje «que mezclaba jazz, música clásica, mitos, arte moderno… siguiendo el viejo formato de Fantasía» que debía presentar «cuentos étnicos de todo el mundo con la música de los distintos países». El proyecto se canceló en favor de Mickey’s Christmas Carol (1983).
La idea de una secuela de Fantasía se reavivó poco después de que Michael Eisner se convirtiera en director general de The Walt Disney Company en 1984, cuando el sobrino de Walt, el vicepresidente Roy E. Disney, se lo sugirió en un almuerzo, algo que se le ocurrió por primera vez diez años antes. Disney recordó su reacción: «Fue como si se le encendiera una gran bombilla en la cabeza. La idea era atractiva, pero no teníamos los recursos para llevarla a cabo». El presidente de Walt Disney Studios, Jeffrey Katzenberg, mostró su desinterés por la película. En una ocasión había pedido a André Previn que trabajara en una película de Fantasía, pero éste se negó al enterarse de que iba a contar con canciones de los Beatles y no con música clásica. Eisner se dirigió a Leonard Bernstein con la misma idea, pero aunque parecía entusiasmado, Bernstein murió antes de que comenzara la producción. Tuvieron que pasar otros siete años antes de que se considerara la posibilidad de realizar la película, después de que la reedición de Fantasía en 1990 recaudara 25 millones de dólares en el mercado nacional y de que su lanzamiento en vídeo doméstico en 1991 provocara 9,25 millones de pedidos anticipados. Disney vio su éxito comercial como una señal de que había suficiente interés del público en la franquicia de Fantasía para hacer una secuela. Eisner finalmente dio luz verde a la película en 1991 y accedió a que Disney actuara como productor ejecutivo con la condición de que su producción se financiara con los ingresos de las ventas de vídeo. Disney asignó a Donald W. Ernst como productor y a Hendel Butoy como director supervisor al haberle gustado su trabajo con The Rescuers Down Under (1990).
Durante la búsqueda de un director adecuado, Disney y el presidente de Walt Disney Feature Animation, Thomas Schumacher, invitaron al director de la Metropolitan Opera James Levine y al director Peter Gelb a una reunión en septiembre de 1991. Disney recuerda: «Le pregunté a James qué opinaba sobre una versión de tres minutos de la quinta sinfonía de Beethoven. Hizo una pausa y dijo: ‘Creo que los tres minutos adecuados serían hermosos'». En noviembre de 1992, Disney, Schumacher, Levine, Gelb y Butoy se reunieron en Viena para hablar de una colección de bobinas de historias desarrolladas, una de las cuales era Pines of Rome, a la que Levine se aficionó inmediatamente. Butoy describió el entusiasmo de Levine por la película como «un niño en una tienda de caramelos». Como Katzenberg seguía expresando cierta hostilidad hacia la película, Disney celebró reuniones de desarrollo sin él y, en su lugar, informó directamente a Eisner, algo que el autor James B. Stewart escribió que «habría sido impensable en cualquier otro proyecto de animación futuro».
La producción se inició bajo el título provisional de Fantasía continuada con un estreno en 1997. El título se cambió a Fantasia 1999, seguido de Fantasia 2000 para coincidir con su estreno en cines en 2000. Disney formó su orden de marcha inicial con la mitad del programa de Fantasía y sólo «tres o cuatro números nuevos» con el objetivo de estrenar una «película seminueva». Al darse cuenta de que la idea no iba a funcionar, mantuvo tres segmentos de Fantasía -El aprendiz de brujo, La suite del Cascanueces y La danza de las horas- en el programa durante «bastante tiempo». Night on Bald Mountain fue el segmento más difícil de eliminar de su orden original porque era uno de sus favoritos. Lo había colocado en medio de la película sin el Ave María, pero le pareció que no funcionaba y desechó la idea. Más tarde, la Danza de las Horas fue eliminada y la Suite del Cascanueces fue sustituida por la Rapsodia en Azul durante los últimos meses de la producción tras la respuesta de las numerosas proyecciones de prueba. Disney mantuvo El aprendiz de brujo en el programa final como homenaje a Fantasía. El segmento fue restaurado digitalmente por Cinesite en Los Ángeles. Disney consideró utilizar Clair de Lune, una pieza realizada originalmente para Fantasía que seguía a dos garzas blancas volando por los Everglades de noche, pero pensó que era «bastante aburrida». La idea de tener «una pesadilla y un sueño luchando por el alma de un niño dormido» con la Rapsodia sobre un tema de Paganini, de Sergei Rachmaninoff, fue completamente guionizada, pero no se llevó a cabo.
SegmentosEditar
Sinfonía nº 5Editar
La Sinfonía nº 5 es un segmento abstracto creado por Pixote Hunt con desarrollo de la historia por Kelvin Yasuda. En diciembre de 1997, tras rechazar los lanzamientos de otros cuatro animadores, Disney y Ernst pidieron a Hunt sus ideas. Hunt pensó por primera vez en la historia durante un paseo matutino por Pasadena (California), en la que se representaba una batalla de formas multicolores «buenas» contra otras oscuras «malvadas» y cómo se resolvía el conflicto. Hunt tardó aproximadamente dos años, de principio a fin, en completar el segmento. Disney y Ernst se decidieron por la idea de Hunt; éste evitó producir una obra totalmente abstracta porque «se puede conseguir algo abstracto en cualquier pantalla de ordenador» con facilidad. Hunt dividió el segmento en 31 miniescenas, anotando los puntos en los que emplearía colores vivos cuando la música fuera brillante y fluida, y luego cambiaría a tonos más oscuros cuando la música se sintiera más oscura y densa. Para inspirarse en el movimiento de las formas, Hunt y sus colaboradores visitaron el zoo de San Diego, un mariposario y observaron imágenes de murciélagos a cámara lenta. El segmento combina fondos dibujados a mano con pasteles y pintura que se escanearon en el Sistema de Producción de Animación por Ordenador (CAPS), e imágenes generadas por ordenador (CGI) de formas y efectos abstractos, que se superpusieron. Hunt explicó que el escaneo de cada dibujo «era un asunto de una sola vez», ya que la platina que lo presionaba alteraba el pastel una vez escaneado. En un momento de la producción, Hunt y Yasuda completaron 68 dibujos al pastel en ocho días. El segmento se produjo utilizando el software de animación Houdini.
Pinos de RomaEditar
Pinos de Roma fue la primera pieza que Disney sugirió para la película, así como la primera en ser animada; los diseños aparecieron en los diarios del estudio ya en octubre de 1993. Butoy fue el director y James Fujii se encargó de la historia. La apertura de la obra dio a Disney la idea de «algo que vuela». Butoy dibujó la secuencia en notas Post-it amarillas. En un principio, la historia incluía a las ballenas volando desde la perspectiva de un grupo de pingüinos, pero la idea se desechó para convertir al bebé ballena en un personaje central. Las ballenas también iban a regresar a la Tierra, pero Butoy dijo que «nunca se sintió del todo bien», lo que llevó a la decisión de hacerlas atravesar un techo de nubes y entrar en un mundo diferente junto a la supernova. Butoy creó una «tabla de intensidad musical» para que los animadores la siguieran, que «seguía los altibajos de la música… a medida que la música se aclara, también lo hace el color», y viceversa. Explicó que, como el CGI estaba en sus inicios durante el desarrollo, el primer tercio del segmento se dibujó a mano con lápiz para tener una idea de cómo se moverían las ballenas. Cuando los dibujos se escanearon en el sistema CAPS, Butoy descubrió que las ballenas se movían demasiado rápido o tenían menos peso. Los dibujos se modificaron para que las ballenas fueran más lentas y «más creíbles». Los ojos de las ballenas se dibujaron a mano, ya que las miradas y los ojos deseados no se podían conseguir del todo con CGI. Butoy recordó el reto de hacer que el agua apareciera y se moviera con la mayor naturalidad posible; el equipo decidió escribir un código informático desde cero, ya que la animación tradicional habría llevado demasiado tiempo y habría producido resultados no deseados. El código que maneja la manada de ballenas se escribió de manera que las ballenas se alejaran en caso de colisión y no chocaran, se superpusieran o se atravesaran. La misma técnica se utilizó para la escena de la estampida en El Rey León (1994), que se produjo al mismo tiempo.
Rapsodia en azulEditar
Rapsodia en azul es el primer segmento de Fantasía con música del compositor estadounidense George Gershwin. Se originó en 1992, cuando el director y animador Eric Goldberg se dirigió a Al Hirschfeld para plantearle la idea de realizar un cortometraje animado con la composición de Gershwin, al estilo de las ilustraciones de Hirschfeld. Hirschfeld aceptó servir de asesor artístico y permitió a los animadores utilizar y adaptar sus trabajos anteriores para el segmento. Susan, la esposa de Goldberg, fue la directora de arte. Duke debe su nombre al artista de jazz Duke Ellington. En la parte inferior de su tubo de pasta de dientes se lee «NINA», un huevo de Pascua que hace referencia a la hija de Hirschfeld, Nina. Rachel se diseñó en honor a la hija de los Goldberg y John está basado en el historiador de la animación y autor John Culhane y en la caricatura de Hirschfeld de Alexander Woollcott. Goldberg tomó la ilustración original de Hirschfeld de Gershwin y la animó para que tocara el piano. Entre la multitud que sale del hotel hay representaciones de Brooks Atkinson y Hirschfeld, junto con su esposa Dolly Haas. El segmento se completó dos meses antes de lo previsto. A pesar de ello, la secuencia era tan compleja desde el punto de vista cromático que el proceso de renderización mediante el sistema CAPS retrasó el trabajo en Tarzán.
Concierto para piano nº 2Editar
El Concierto para piano nº 2 fue dirigido por Butoy con el director artístico Michael Humphries. Se originó en la década de 1930 cuando Walt Disney quiso adaptar una colección de cuentos de hadas de Hans Christian Andersen en una película de animación. Los artistas completaron una serie de diseños preliminares basados en los cuentos, incluidos los de El soldadito de plomo de 1938, de Bianca Majolie, que se guardaron en la biblioteca de investigación de animación del estudio y se utilizaron para un libro de Disney de 1991 que volvía a contar la historia acompañada de los bocetos del storyboard. Cuando Disney sugirió utilizar la pieza de Shostakovich, Butoy hojeó el libro y descubrió que la estructura de la historia encajaba con la música. Cuando Humphries vio los bocetos, diseñó el segmento teniendo en cuenta obras de Caravaggio y Rembrandt para darle un aire «intemporal», al tiempo que mantenía los colores «lo más románticos posible» durante las escenas en las que el soldado y la bailarina se conocen por primera vez. Se utilizaron imágenes de acción real de una bailarina como guía para los movimientos de la bailarina de juguete. Butoy consideró que el personaje de Jack-in-a-box era difícil de diseñar y animar por su base de muelles y por cómo se movía con la caja. Su aspecto sufrió numerosos cambios, en parte debido a la falta de material de referencia del que disponía el equipo.
El segmento supuso la primera vez que el estudio Disney creaba los personajes principales de una película íntegramente con CGI; antes sólo se habían producido fondos, personajes secundarios o terciarios con CGI. Inicialmente, Butoy pidió a Pixar Animation Studios que se encargara de los gráficos por ordenador, pero el artista de CGI Steve Goldberg le convenció para que fuera el propio equipo de Disney el que lo produjera. Los fondos se completaron a mano. En un principio, la secuencia de los desagües incluía simpáticas ratas que hacían gags cómicos, pero el equipo consideró que no encajaba con el ambiente del resto del segmento. Los desagües se convirtieron en un entorno más terrorífico, algo que, según Butoy, era «lo que la música nos decía que hiciéramos». La animación de la lluvia de Bambi (1942) se escaneó en el sistema CAPS y se alteró digitalmente para que encajara en el segmento. El final iba a presentar el final original con el soldado y la bailarina derritiéndose en el fuego, pero la música era demasiado alegre para animarla y se cambió. Un extracto del segmento se mostró en la conferencia SIGGRAPH de 1998.
El Carnaval de los Animales, FinaleEdit
El Carnaval de los Animales, Finale fue dirigido por Goldberg; su esposa Susan fue su directora de arte. La idea surgió del animador Joe Grant, uno de los dos directores de historia de Fantasía, a quien le encantaban los avestruces de La danza de las horas. Cuando comenzó el desarrollo de Fantasía 2000, Grant sugirió la idea de que uno de los avestruces jugara con un yoyó con el último movimiento de El carnaval de los animales. Los avestruces se cambiaron más tarde por flamencos, ya que Disney deseaba evitar la reintroducción de personajes de la película original y pensó que los flamencos quedarían más vistosos en la pantalla. Goldberg se inspiró en parte en el codirector Mike Gabriel, que jugaba con un yoyó mientras descansaba de su trabajo en Pocahontas (1995). El segmento se produjo con CGI y 6.000 pinturas de acuarela en papel bond pesado. Susan eligió una paleta de colores distinta para el segmento, que comparó con el estilo de una camisa hawaiana. Los Goldberg y su equipo visitaron el zoo de Los Ángeles y San Diego para estudiar la anatomía y el movimiento de los flamencos.
El aprendiz de brujoEditar
El aprendiz de brujo era anteriormente de la primera película mientras que Yen Sid y Mickey Mouse aparecen en este segmento.
Pompa y CircunstanciaEditar
Eisner sugirió Pompa y Circunstancia como pieza después de asistir a una graduación y pensó que su familiaridad sería adecuada para un segmento de Fantasía. Su idea consistía en una selección de princesas y héroes de Disney en una procesión nupcial llevando a sus futuros hijos, que luego serían presentados en una ceremonia. Los diseños preliminares de los animadores mostraban un escenario grecorromano; uno de los miembros del personal describió el trabajo artístico como «un abuso atroz» de los personajes. Eisner aceptó abandonar la historia, pero insistió en que se utilizara la música. Después de que se desecharan numerosas ideas debido a la dificultad de escribir una trama clara, el animador y director Francis Glebas tuvo la idea del Arca de Noé que tituló ¡El último asalto de Donald!, más tarde retitulada como El pato de Noé, y la lanzó pensando que estaba «cargada de posibilidades cómicas».
El pájaro de fuegoEditar
Para cerrar la película, Disney quería una pieza que fuera «emocionalmente equivalente» a los segmentos Night on Bald Mountain y Ave Maria que cerraban Fantasía. Disney eligió El pájaro de fuego como la pieza a utilizar después de que se descartaran «media docena» de otras, incluyendo la Sinfonía nº 9 de Beethoven y el «Coro del Aleluya» del Mesías de Händel. Disney pensó en la idea de la destrucción y renovación de la Tierra después de pasar por el Monte St. Helens tras su erupción en 1980. Los gemelos franceses Paul y Gaëtan Brizzi, del estudio de Disney en París, fueron contratados para dirigir el segmento. El Sprite es una criatura parecida a la dríade de la mitología griega. Su forma cambia seis veces: se presenta como un Sprite de agua que planta flores como un Sprite de flores. Se convierte en una Sprite Neutral cuando su rastro de crecimiento se detiene y en una Sprite Ceniza cuando el bosque ha sido destruido. El segmento termina con ella como un Sprite de Onda de Lluvia, seguido por el Sprite de Hierba. El segmento originalmente terminaba con el Sprite en forma de río que se eleva hacia el cielo y se transforma en un Sprite Sol, pero esto fue abandonado. La cornamenta del alce se produjo mediante CGI y se colocó sobre su cuerpo, que se dibujó de forma tradicional. El segmento se produjo utilizando el software de animación Houdini.
MusicEdit
La música de El aprendiz de brujo ya se grabó el 9 de enero de 1938 para la primera película en los estudios Culver, California, con Leopold Stokowski dirigiendo a un grupo de músicos de sesión. La grabación de Rhapsody in Blue utilizada en la película es una versión editada de la orquestación de Ferde Grofé de la pieza interpretada por la Philharmonia Orchestra con el director Bruce Broughton. La versión acortada se hizo cortando 125 compases del solo de piano en tres lugares diferentes. En la banda sonora de la película aparece una grabación de James Levine dirigiendo ambas piezas con la Philharmonia.
Las seis piezas restantes se grabaron en el Templo Medinah de Chicago, interpretadas por la Orquesta Sinfónica de Chicago dirigida por Levine. Pines of Rome fue reordenada en 1993 por Bruce Coughlin, quien redujo la pieza de cuatro movimientos cortando el segundo y recortando secciones del tercer y cuarto movimiento. La pieza se grabó el 28 de marzo de 1994. La segunda grabación incluyó la Sinfonía nº 5, Carnaval de los Animales, y Pompa y Circunstancia, el 25 de abril de 1994. Carnival of the Animals, Finale utiliza dos pianos tocados por Gail Niwa y Philip Sabransky. Pompa y Circunstancia fue arreglada por Peter Schickele y cuenta con el Coro Sinfónico de Chicago y la soprano solista Kathleen Battle. La siguiente grabación tuvo lugar el 24 de abril de 1995 para el Concierto para piano nº 2 con el pianista Yefim Bronfman. El 28 de septiembre de 1996, El pájaro de fuego fue la última pieza que se grabó; su sesión duró tres horas. La pieza se arregló utilizando cuatro secciones de la revisión de la partitura de Stravinsky de 1919.
IntersticiosEditar
Disney sintió la necesidad de mantener los intersticios (puentes) tal y como se utilizaban en Fantasía para dar al público la oportunidad de «limpiar su paladar emocional» del segmento anterior y, al mismo tiempo, proporcionar cierta información sobre el siguiente. Don Hahn dirigió las escenas de acción real que fueron diseñadas por Pixote Hunt. Hahn ideó el decorado y los fondos mientras almorzaba; procedió a esbozar una idea aproximada de lo que imaginaba en una servilleta. Quería «mostrar imágenes con formas como las grandes velas de un clíper. Vuelan con el viento y forman una especie de sala de conciertos de Stonehenge en medio de una vasta llanura vacía e imaginaria».
Hahn recordó algunas dificultades para encontrar a alguien que presentara la película, por lo que el estudio decidió recurrir a un grupo de artistas y músicos de diversos ámbitos del espectáculo. Los intermedios se filmaron en varios lugares; la orquesta, Jones, Lansbury y Bronfman se rodaron en Los Ángeles, Perlman y Midler en Nueva York, y otros en Boston, Massachusetts. Cada escena se rodó delante de una pantalla verde para poder colocar planos de la orquesta o del decorado detrás de ellos. Las tomas de Levine, los artistas y la orquesta se filmaron el 31 de octubre de 1998. El piano que Grierson toca en su escena con Jones es el mismo en el que tocó Rhapsody in Blue para la banda sonora.