1 The Knife
A Peter Gabriel énekes és Tony Banks billentyűs által a Charterhouse állami iskola diákjaként alapított Genesis szerencsétlenül kezdte lemezes karrierjét, a legelfeledtebb 1969-es debütáló albummal, amelynek producere Jonathan King volt, és amelynek címe From Genesis to Revelation, és amely a lemezboltokban a vallásos zenék közé került. A következő évben a Charisma Recordsnál megjelent Trespass, az első albumuk, közelebb állt ahhoz a progresszív rockhoz, amelyről hamarosan híressé váltak, és a The Knife – amely későn került fel az albumra – volt a legerősebb szám. A dalszöveg – a katonai toborzási plakátok által terjesztett mítoszok éles elutasítása – Gabriel később elismerte, hogy “egy, a háttere ellen lázadó állami iskolásfiú” műve volt, de még mindig felkavaró anyag, amely megelőlegezi a Metallica háborúellenes himnuszát, a 15 évvel később megjelent Disposable Heroes címűt. A The Knife váltakozó tempói, a menetelő orgona és a fogazott gitár a legjobban az együttes 1973-as Live albumán jelenik meg, ahol az új tagok, Phil Collins (dobok) és Steve Hackett (gitár) megfelelő proto-thrash vadságot kölcsönöznek a számnak.
2 The Musical Box
A Nursery Cryme című harmadik albumukra már a Genesis klasszikus felállása állt össze, és előtérbe került az a különc, hátborzongató, feketén komikus líraiság, amely Peter Gabriel korszakát jellemezte az együttessel. Az album borítója – egy Paul Whitehead által festett, csavaros viktoriánus gyakorlat – levágott fejekkel krokettező kislányokat ábrázolt, és az album nyitódala, a címadó dal ihlette. Gabriel a belső borítón egy rövid vignettában vázolta fel a dal csavaros történetét, amely egy fiatal fiúról szól, akit barátnője, Cynthia egy krokettmeccs közben lefejezett, és aki szellemként tér vissza, aki kísérti a zenélő dobozát, és egy gyorsan öregedő szellemként jelenik meg előtte, akin “egy egész élet vágyai átsebzik”. Hátborzongató anyag, de a zene a legizgalmasabb: a három tétel a barokk, keleti hangzású folklórtól a középső részen át, amelyben Tony Banks fuzz-tónusú billentyűi és Steve Hackett ujjhegyes arpeggiói szólalnak meg, egy hátborzongató, vágyakozó záró szakaszig, amely Gabriel számára teret adott annak a gazdag, soulos hangnak a felfedezésére, amelyet később szólókarrierjében kamatoztatni fog. Az, hogy ezt a hangot arra használta, hogy életre keltsen egy öreg szellemet, aki egy kilencéves kislánynak üvölti, hogy “Why won’t you touch me?” – és amikor a dalt a színpadon adta elő, egy hátborzongató “öregember” maszkot viselt -, csak azt mutatja, mennyire különös tudott lenni a Genesis.
3 Watcher of the Skies
Az 1972-es Foxtrotot a Supper’s Ready uralta, egy 23 perces szvit, amely szinte az egész album második oldalát elfoglalta, és hét különálló daltöredéket kapcsolt össze átmenetekkel és visszatérő motívumokkal, egy bravúros gesztus, amely még ma is lenyűgöző. De csalásnak tűnik egy ilyen szvitet jelölni erre a 10 legjobb közé. Az biztos, hogy a Supper’s Ready egésze erősebb, mint bármelyik alkotóeleme, és egyetlen töredék sem olyan felkavaró, mint ez, az album nyitódarabja. Keats On First Looking Into Chapman’s Homer és Arthur C Clarke Childhood’s End című műve ihlette, a Watcher of the Skies másfél perces kavargó mellotronnal nyit, mielőtt Collins és a basszusgitáros Mike Rutherford berúgja a dadogó, staccato riffet, ami a dalnak a lendületes klipet adja – egy könnyed, de nem funky groove, ami az utolsó percekben vad villámcsapássá változik, ahogy Banks billentyűi egyre baljósabb drámákat kavarnak. A dalszöveg eközben nyugodtan képzeli el “az ember és a Föld hosszú szövetségének végét”, Gabriel pedig valami szenvtelen földönkívülit alakít, aki egy ilyen apokalipszist figyel – egy olyan karaktert, aki talán a Marvel Comics Uatu The Watcheréhez hasonlít, és egy olyan szerepet, amelyet a mindig színházi énekesnő koncerten napfényes sminkben és egy nagy, csipkézett csuklyában jelenítene meg.
4 Firth of Fifth
Tony Banks úgy vélte, hogy az általa és Mike Rutherford által a Firth of Fifth-hez írt szövegek – a zenekar legjobb albumának, az 1973-as Selling England by the Poundnak a csúcspontja – karrierje legrosszabbjai közé tartoznak, és az olyan sorok, mint a “The mountain cuts off the town from view / Like a cancer growth is removed by skill” azt sugallják, hogy nem volt hamisan szerény. A Firth of Fifth jelentős örömei azonban nem a szavakban rejlenek, hanem Banks kivirágzó zongora-előjátékában, a fő rész emelkedő prog-rock himnuszában, és abban, ahogy a zenekar a záró öt percben együttesként újra előveszi Banks nyitódarabját. Valóban, ez az elragadtatott záró szakasz – Hackett ájult gitárja, Collins izmos és ötletes ütőhangszerei, Banks futurisztikus szintetizátorai – a Genesisről tanúskodik, mint a proggerek között ritkaságszámba menő zenekarról, amely soha nem engedte, hogy technikai jártassága értelmetlen túlzásokba menjen át, és hogy elnyomja a dal iránti érzékét. És a zene, amit ebben az öt percben játszanak, sokkal hatásosabb, mint a természet szépségéhez szóló felemelő óda, mint azok az esetlen szövegek.
5 I Know What I Like (In Your Wardrobe)
A 10 perces eposzok és 22 perces dalciklusok között a Genesis ledobta első váratlan pop-gyöngyszemét. Az árnyalatnyival több, mint négy perces I Know What I Like hőfényes csillogással emelkedik, mielőtt a Traffic Hole in my Shoe című dalához hasonló groove-ba zárul, egy hippi álmodozásba, amely úgy illik a dal laza hangulatához, mint egy pár szabott harangláb. A dal antihőse egy kívülálló, mint a Gabriel-korszak daloskönyvének összes többi szereplője, aki a kertvárosi szomszédok rosszalló suttogása ellenére is elégedett a fűnyíró életével. Lázadását egy zsémbes, lusta szitár nyalogatás, egy bágyadt énekkórus és egy fuvolaszóló kíséri, amelyet a Pan’s People kétségtelenül a tánc eszközeivel értelmezett, amikor a dal a Top Of The Popsban jelent meg, miután a slágerlistán a 21. helyig jutott (a felvétel sajnos még nem került a Youtube-ra).
6 In the Cage
1974-re a Genesisben már forrongtak a feszültségek. A sajtó egyre inkább az állítólagosan demokratikus együttes vezetőjének tekintette Gabrielt, aki előszeretettel viselt furcsa színpadi jelmezeket – rókafejet öltött, virágnak öltözött vagy a dalnak megfelelően lelkészi ruhát viselt -, Banks és társai azzal vádolták, hogy háttérbe szorítja a zenét. Rövid időre kilépett az együttesből, miután elfogadta William Friedkin, az Ördögűző rendezőjének ajánlatát, hogy egy filmforgatókönyvön dolgozzon, de a Genesis hatodik, The Lamb Lies Down on Broadway című albumának munkálatai előtt újra csatlakozott. Ez az LP egy Jodorowsky El Topo című filmje által inspirált koncepciómű, amely egy New York-i utcagyerek útját követi egy sötét, misztikus földalatti birodalomba, hogy megmentse testvérét a szörnyűséges fenevadaktól. A Genesis hagyományaitól eltérve Gabriel a Lamb összes dalszövegét egyedül írta, miközben a Headley Grange-i stúdió és London között ingázott, ahol felesége és első gyermeke egy traumás szülést követően kórházban lábadozott. Mivel zenekari társai nyomást gyakoroltak rá, hogy több időt fordítson az együttesre, és kevesebbet a családjára, a Lambet – amely Collins szerint a megosztott személyiségekről szóló album volt – kísértésbe ejtő úgy olvasni, mint Gabriel megtépázott hűségének metaforáját. Az album csúcspontja, az In the Cage minden bizonnyal önéletrajzi ihletésűnek tűnik, Gabriel így énekel: “I’ve got sunshine in my stomach/ Like I just rocked my baby to sleep”, mielőtt a dallamos nyitány átadja helyét egy egyre feszesebb és frenetikusabb prog-gyakorlatnak, a riff egyre feszesebb, klausztrofób, ahogy Gabriel arról énekel, hogy csapdában van és kínozzák, “Holding still/ pinned for kill … in this cushioned straitjacket”. A Lamb volt a Genesis eddigi legmerészebb albuma, és a hozzá kapcsolódó turné a legambiciózusabb, egy audiovizuális extravaganza, amelynek során Gabriel groteszk, gennyes, gennyes szörnyekbe öltözött, és látszólag egyszerre materializálódott a színpad mindkét oldalán. De ez volt egyben az utolsó is. 1975-ben kilépett a Genesisből, hogy szólókarrierbe kezdjen, és ezzel a zenekar szétesett. A The Lamb Lies Down on Broadway zavarba ejtően hiányzik a Spotify-ról; kérjük, fogadja el helyette ezt az élő változatot.
7 Turn It On Again
Gabriel kilépése végül a Genesis karrierjének legnagyobb kereskedelmi sikereit hozta, mivel Phil Collins dobos vette át a mikrofont, és vezette a csapatot a progtól az áramvonalasabb modern rock felé, korábban elképzelhetetlen slágereket elérve eközben. Collins első három albuma énekesként egy átalakulóban lévő zenekart örökített meg, de az 1980-as Duke-ra levetették a bábukat, és megtalálták azt a hangzást, amelyet az évtized hátralévő részében oly jövedelmezően követtek. Ez a fejlődés a Turn It on Again című számban hallatszott a legvilágosabban: bár a dal négy perc alatt négy különböző időmérték között ugrált, Rutherford központi gitárriffje egyszerű és hatásos volt, míg Collins éneke a korábbi éles angolosságot egy közép-atlanti vonóslágerre cserélte, amely az amerikai rádiókban is jól szólna. A prognosztizisták fújoltak, de a jövő a Genesis ezen inkarnációjáé volt, és a Turn It on Again addiktív horgok halmaza az első top 10-es kislemezükhöz juttatta őket.
8 Duchess
De a Genesis nem fordított teljesen hátat a prog gyökereknek. A Turn It on Again valójában egy tematikusan kapcsolódó dalokból álló szvit része volt a Duke-on belül, amely egy mini szvitet komponált a Supper’s Ready stílusában, bár a csapat ezt akkoriban nyilvánosan nem ismerte el. Ennek legszebb eleme – az egész Genesis-diszkográfia egyik legszebb száma – a Duchess egy díva felemelkedésének és bukásának történetét mesélte el, Collins soulos énekével, amelyet Banks lendületes zongoraakkordjai és néhány igazán kolosszális dob hajtott. Minden himnikus tulajdonsága ellenére azonban a Duchess legvarázslatosabb pillanatait az intro és az outro jelentette: a programozott elektronikus dobok ambient, elemi erejű szakaszai, amelyek azt sugallják, hogy a zenekar Brian Eno kísérleti munkásságára figyelt. Ez valószínűleg nem volt véletlen, tekintve, hogy Collins rendszeres munkatársa volt Enónak, amióta dobolt a Taking Tiger Mountain (By Strategy) című albumon, Eno The Lamb Lies Down on Broadwayn való közreműködéséért való bosszúállásként. Banks visszafogott szintetizátorai mellett a dobgép lüktetése hipnotikus és felidéző hangzásvilágot varázsolt, amely légies és futurisztikus volt. Collins a továbbiakban is felfedezte a dobgépek drámai lehetőségeit, mind a Genesis-szel, mind természetesen első szóló kislemezén, az In the Air Tonight-on.
9 Abacab
“A kevesebb több” tűnt a Genesis következő, Abacab című albumának ethoszának. “A punk hagyott némi nyomot” – ismerte el Collins, és ez keményen érződik a Who Dunnit? öntudatos toporzékolásában. Eközben az albumon egy felemelő popos együttműködés is található az Earth Wind & Fire fúvós szekciójával a No Reply At All című számban. Az erőteljes címadó dal összefoglalta azt, amit Tony Banks az album általános “nem romantikus” hangulataként jellemzett: egy szűkszavú és hideg dzsembori, légies, pörgős minőséggel, ami inkább hasonlít Enóra vagy Krautrockra, mint bármi másra a Genesis katalógusából. A számoknak Hugh Padgham hangmérnök adott extra súlyt, aki kifejlesztette Collins dobsávjaira azt a jellegzetes “gated” effektust, amely a 80-as évek rockzenéjét uralta.
10 Domino
1986-ra Collins a világ egyik legnagyobb sztárjává vált, mivel szólóalbumainak soul-rock gyümölcsei többszörös platinalemezes sikerhez és bimbózó filmes karrierhez vezették. Az abban az évben megjelent Invisible Touch című Genesis-album nagy része – a fényes, csiszolt pop címadó dal, a Land of Confusion baby boomer agit-rockja, a Throwing It All Away című igazán megható ballada – könnyedén elfért volna a szólóalbumain. A Domino azonban más volt. Ez a szám mindannak a fúziója, ami a Genesis valaha volt, és amivé most vált: egy 11 perces többrészes eposz, amelyet az Abacab minimál támadással játszott, a kísérteties In the Glow of the Night átadja helyét a The Last Domino himnikus szinti-rock bombázásának. Az Invisible Touch a Genesis legsikeresebb albuma lett, és az ennek nyomán indult turné négy teltházas estével tetőzött a Wembley Stadionban. Ezeket a koncerteket lefilmezték egy későbbi koncertvideóhoz, amely tele volt a korszak legrosszabb túlkapásainak bizonyítékaival – Rutherford fej nélküli gitárjától kezdve Collins komor Blues Brothers-stílusú rablásáig a soul-klasszikusok záró medley-je alatt. A Domino azonban az 1991-es We Can’t Dance és az 1997-es Calling All Stations megmagyarázhatatlan, Collins nélküli Calling All Stations unalma előtt a zsenialitás utolsó fuvallatának bizonyult.
{{topLeft}}
{{{bottomLeft}}
{{{topRight}}
{{{bottomRight}}
{{/goalExceededMarkerPercentage}}
{{/ticker}}
{{heading}}
{{#paragraphs}}
{{.}}
{{{/paragraphs}}{{highlightedText}}
- Megosztás a Facebookon
- Megosztás a Twitteren
- Megosztás e-mailben
- Megosztás a LinkedInen
- Megosztás a Pinteresten
- Megosztás a WhatsAppon
- Megosztás a Messengeren
.