DevelopmentEdit
-Walt Disney
1940 släppte Walt Disney Fantasia, sin tredje animerade långfilm, som bestod av åtta animerade segment till klassiska musikstycken. Ursprungligen planerade han att filmen skulle släppas kontinuerligt med nya segment som ersatte de äldre så att publiken aldrig skulle få se samma film två gånger. Idén övergavs efter filmens första låga biljettintäkter och ett blandat gensvar från kritikerna. Efter ett inledande arbete med nya segment lades idén på hyllan 1942 och återupptogs inte under resten av Disneys liv. 1980 inledde animatörerna Wolfgang Reitherman och Mel Shaw det preliminära arbetet med Musicana, en långfilm som ”blandar jazz, klassisk musik, myter, modern konst … enligt det gamla Fantasia-formatet” och som skulle presentera ”etniska berättelser från hela världen med musik från de olika länderna”. Projektet avbröts till förmån för Mickey’s Christmas Carol (1983).
Idén om en uppföljare till Fantasia väcktes till liv strax efter att Michael Eisner blev verkställande direktör för The Walt Disney Company 1984 när Walts brorson, vice ordförande Roy E. Disney, vid en lunch föreslog det för honom, något som han först hade tänkt på tio år tidigare. Disney mindes sin reaktion: ”Det var som om en stor glödlampa tändes ovanför hans huvud. Idén var lockande, men vi hade inte resurser att genomföra den”. Walt Disney Studios ordförande Jeffrey Katzenberg visade bristande intresse för filmen. Han hade en gång bett André Previn att arbeta med en Fantasia-film, men Previn avböjde efter att han fått veta att den skulle innehålla låtar av Beatles i stället för klassisk musik. Eisner kontaktade Leonard Bernstein med samma idé, men även om han verkade entusiastisk dog Bernstein innan produktionen påbörjades. Det dröjde ytterligare sju år innan filmen övervägdes, efter att återutgåvan av Fantasia från 1990 spelade in 25 miljoner dollar på hemmamarknaden och dess hemvideoutgåva från 1991 föranledde 9,25 miljoner förhandsbeställningar. Disney såg den kommersiella framgången som ett tecken på att det fanns tillräckligt stort allmänintresse för Fantasia-franchisen för att göra en uppföljare. Eisner gav slutligen grönt ljus för filmen 1991 och gick med på att Disney skulle fungera som exekutiv producent under förutsättning att produktionen finansierades av intäkterna från videoförsäljningen. Disney utsåg Donald W. Ernst till producent och Hendel Butoy till övervakande regissör efter att ha gillat hans arbete med The Rescuers Down Under (1990).
Under sökandet efter en lämplig dirigent bjöd Disney och Walt Disney Feature Animations ordförande Thomas Schumacher in Metropolitan Operas dirigent James Levine och manager Peter Gelb till ett möte i september 1991. Disney minns: ”Jag frågade James vad han tyckte om en treminutersversion av Beethovens femte symfoni. Han gjorde en paus och sa ’Jag tror att de rätta tre minuterna skulle vara vackra'”. I november 1992 träffades Disney, Schumacher, Levine, Gelb och Butoy i Wien för att diskutera en samling berättarrullar som utvecklats, en av dem var Pines of Rome, som Levine genast fattade tycke för. Butoy beskrev Levines entusiasm inför filmen som ”som ett barn i en godisaffär”. Eftersom Katzenberg fortsatte att uttrycka en viss fientlighet mot filmen höll Disney utvecklingsmöten utan honom och rapporterade istället direkt till Eisner, något som författaren James B. Stewart skrev ”skulle ha varit otänkbart för något annat framtida animationsprojekt.”
Produktionen inleddes under arbetsnamnet Fantasia Continued med premiär 1997. Titeln ändrades till Fantasia 1999, följt av Fantasia 2000 för att sammanfalla med bioproduktionen år 2000. Disney utformade sin ursprungliga löpande ordning med hälften av Fantasia-programmet och endast ”tre eller fyra nya nummer” i syfte att släppa en ”halvny film”. När han insåg att idén inte skulle fungera behöll han tre Fantasia-segment – The Sorcerer’s Apprentice, The Nutcracker Suite och Dance of the Hours – i programmet under ”ganska lång tid”. Night on Bald Mountain var det svåraste segmentet för honom att ta bort från den ursprungliga ordningen eftersom det var en av hans favoriter. Han hade placerat det i mitten av filmen utan Ave Maria, men kände att det inte fungerade och skrotade idén. Senare ströks Dance of the Hours och Nötknäpparsviten ersattes av Rhapsody in Blue under de sista månaderna av produktionen efter responsen från många testvisningar. Disney behöll The Sorcerer’s Apprentice i det slutliga programmet som en hyllning till Fantasia. Avsnittet genomgick en digital restaurering av Cinesite i Los Angeles. Disney övervägde att använda Clair de Lune, ett stycke som ursprungligen gjordes för Fantasia och som följde två stora vita hägrar som flög genom Everglades på natten, men tyckte att det var ”ganska tråkigt”. En idé att ha ”en mardröm och en dröm som kämpar om ett sovande barns själ” till Rhapsody on a Theme of Paganini av Sergei Rachmaninoff var helt storyboardad, men föll igenom.
SegmentsEdit
Symphony No. 5Edit
Symphony No. 5 är ett abstrakt segment som skapats av Pixote Hunt med storyutveckling av Kelvin Yasuda. I december 1997, efter att ha avvisat förslag från fyra andra animatörer, frågade Disney och Ernst Hunt om hans idéer. Hunt tänkte först på berättelsen under en morgonpromenad i Pasadena, Kalifornien, en berättelse som skildrar en strid mellan ”goda” flerfärgade figurer mot ”onda” mörka figurer och hur konflikten löser sig själv. Det tog Hunt ungefär två år, från början till slut, att färdigställa avsnittet. Disney och Ernst bestämde sig för att följa Hunts idé; Hunt undvek att producera ett helt abstrakt verk eftersom ”man lätt kan få något abstrakt på varje datorskärm”. Hunt delade upp segmentet i 31 miniscener och antecknade punkter där han skulle använda livliga färger när musiken var ljus och flytande och sedan övergå till mörkare nyanser när musiken kändes mörkare och tätare. För att få inspiration till hur formerna skulle röra sig besökte Hunt och hans medarbetare San Diego Zoo, en fjärilsfarm och observerade slow motion-filmer av fladdermöss. Segmentet kombinerar handritade bakgrunder med pastellfärger och färg som skannades in i Computer Animation Production System (CAPS) och datorgenererade bilder (CGI) av abstrakta former och effekter som lades ovanpå. Hunt förklarade att skanningen av varje teckning ”var en engångsföreteelse” eftersom den platta som tryckte på den skulle förändra pastellen när den hade skannats. Vid ett tillfälle under produktionen slutförde Hunt och Yasuda 68 pastellteckningar på åtta dagar. Segmentet producerades med hjälp av animationsprogrammet Houdini.
Pines of RomeEdit
Pines of Rome var den första pjäs som Disney föreslog för filmen, liksom den första som animerades; ritningar dök upp i studions dagstidningar så tidigt som i oktober 1993. Butoy fungerade som regissör och James Fujii skötte berättelsen. Öppningen till verket gav Disney idén om ”något som flyger”. Butoy skissade sekvensen på gula Post-it-lappar. Historien innebar ursprungligen att valarna flög runt ur en grupp pingviners perspektiv, men den idén skrotades för att göra valbarnet till en central karaktär. Valarna skulle också återvända till jorden, men Butoy sa att det ”aldrig kändes riktigt rätt”, vilket ledde till beslutet att låta dem bryta igenom ett molntak och komma in i en annan värld vid supernovan. Butoy skapade ett ”musikalisk intensitetsdiagram” som animatörerna skulle följa och som ”följde musikens upp- och nedgångar … när musiken blir ljusare så blir färgen ljusare”, och vice versa. Han förklarade att eftersom CGI var i sin linda under utvecklingen, ritades den första tredjedelen av segmentet för hand med blyertspenna för att få en känsla för hur valarna skulle röra sig. När teckningarna skannades in i CAPS-systemet fann Butoy att valarna antingen rörde sig för snabbt eller hade mindre tyngd. Ritningarna ändrades för att göra valarna långsammare och ”mer trovärdiga”. Valarnas ögon ritades för hand, eftersom de önskade blickarna och blickarna inte helt och hållet kunde uppnås med hjälp av CGI. Butoy påminde om utmaningen att få vattnet att se ut och röra sig så naturligt som möjligt; teamet bestämde sig för att skriva datorkod från grunden eftersom traditionell animation skulle ha varit för tidskrävande och skulle ha gett oönskade resultat. Koden som hanterade valskocken skrevs så att valarna skulle röra sig iväg om de skulle kollidera och inte stöta på, överlappa eller gå igenom varandra. Samma teknik användes för stampede-scenen i Lejonkungen (1994), som producerades vid samma tidpunkt.
Rhapsody in BlueRedigera
Rhapsody in Blue är det första Fantasia-segmentet med musik av den amerikanske tonsättaren George Gershwin. Det uppstod 1992 när regissören och animatören Eric Goldberg kontaktade Al Hirschfeld om idén att göra en animerad kortfilm till Gershwins komposition i stil med Hirschfelds illustrationer. Hirschfeld gick med på att fungera som konstnärlig konsult och lät animatörerna använda och anpassa hans tidigare verk till segmentet. Goldbergs fru Susan var art director. Duke är uppkallad efter jazzartisten Duke Ellington. I botten av tandkrämstuben står det ”NINA”, ett påskägg som hänvisar till Hirschfelds dotter Nina. Rachel är designad efter Goldbergs dotter och John är baserad på animationshistorikern och författaren John Culhane och Hirschfelds karikatyr av Alexander Woollcott. Goldberg tog Hirschfelds originalillustration av Gershwin och animerade den för att få honom att spela piano. I publiken som kommer ut från hotellet syns Brooks Atkinson och Hirschfeld tillsammans med hans fru Dolly Haas. Avsnittet färdigställdes två månader tidigare än planerat. Trots detta var sekvensen så kromatiskt komplex att renderingsprocessen med CAPS-systemet försenade arbetet med Tarzan.
Piano Concerto No. 2Redigera
Piano Concerto No. 2 regisserades av Butoy med art director Michael Humphries. Den uppstod på 1930-talet när Walt Disney ville anpassa en samling sagor av Hans Christian Andersen till en animerad film. Konstnärerna färdigställde en rad preliminära ritningar baserade på sagorna, bland annat för The Steadfast Tin Soldier från 1938 av Bianca Majolie som förvarades i studions animationsforskningsbibliotek och användes till en Disney-bok från 1991 som återberättade sagan tillsammans med skisserna från storyboardet. När Disney föreslog att man skulle använda Sjostakovitj-stycket bläddrade Butoy i boken och fann att berättelsens struktur passade till musiken. När Humphries såg skisserna utformade han segmentet med verk av Caravaggio och Rembrandt i åtanke för att ge segmentet en ”tidlös” känsla, samtidigt som han höll färgerna ”så romantiska som möjligt” under scenerna när soldaten och ballerinan först lär känna varandra. Upptagningar av en riktig ballerina användes som vägledning för leksaksballerinans rörelser. Butoy tyckte att Jack-in-a-boxen var en svår karaktär att utforma och animera med sin fjäderbas och hur han rörde sig med lådan. Hans utseende genomgick många ändringar, delvis på grund av bristen på referensmaterial som teamet hade tillgång till.
Segmentet markerade den första gången som Disney-studion skapade en films huvudkaraktärer helt och hållet med hjälp av CGI; endast bakgrunder, sekundära eller tertiära karaktärer hade tidigare producerats med hjälp av CGI. Till en början bad Butoy Pixar Animation Studios att sköta datorgrafiken, men CGI-konstnären Steve Goldberg övertalade honom att låta Disneys eget team producera den. Bakgrunderna färdigställdes för hand. Ursprungligen innehöll dräneringssekvensen vänliga råttor som utförde komiska skämt, men teamet tyckte att det inte passade till stämningen i resten av avsnittet. Avloppen blev en mer skrämmande miljö, något som Butoy sa var ”vad musiken sa åt oss att göra”. Regnanimationen från Bambi (1942) skannades in i CAPS-systemet och ändrades digitalt för att passa in i segmentet. Slutet skulle innehålla det ursprungliga slutet med soldaten och ballerinan som smälter i elden, men musiken var för uppåtstigande för att animera det och ändrades. Ett utdrag av avsnittet visades på SIGGRAPH-konferensen 1998.
The Carnival of the Animals, FinaleEdit
The Carnival of the Animals, Finale regisserades av Goldberg; hans fru Susan var dess art director. Idén kom från animatören Joe Grant, en av de två story directors på Fantasia som älskade strutsarna i Dance of the Hours. När utvecklingen av Fantasia 2000 påbörjades föreslog Grant idén att låta en av strutsarna spela med en jojo till sista satsen av The Carnival of the Animals. Strutsarna byttes senare ut mot flamingos eftersom Disney ville undvika att återinföra karaktärer från originalfilmen och tyckte att flamingos skulle se mer färgglada ut på skärmen. Goldberg inspirerades delvis av medregissören Mike Gabriel, som lekte med en jojo när han tog en paus från arbetet med Pocahontas (1995). Avsnittet producerades med CGI och 6 000 akvarellmålningar på tjockt bondpapper. Susan valde en distinkt färgpalett för avsnittet som hon jämförde med stilen på en Hawaiiskjorta. Goldbergs och deras team besökte djurparken i Los Angeles och San Diego för att studera flamingos anatomi och rörelser.
The Sorcerer’s ApprenticeRedigera
The Sorcerer’s Apprentice var tidigare från den första filmen medan Yen Sid och Musse Pigg är med i detta segment.
Pomp and CircumstanceEdit
Eisner föreslog Pomp and Circumstance som ett stycke efter att han hade deltagit i en studentavslutning och tyckte att dess välbekanta karaktär skulle passa för ett Fantasia-segment. Hans idé innefattade ett urval av Disney-prinsessor och -hjältar i en bröllopsprocession med sina framtida barn som sedan skulle presenteras under en ceremoni. Animatörernas preliminära ritningar visade en grekisk-romersk miljö; en av de anställda beskrev konstverket som ”ett fruktansvärt missbruk” av karaktärerna. Eisner gick med på att släppa berättelsen, men insisterade på att musiken skulle användas. Efter att många idéer skrotades på grund av svårigheten att skriva en tydlig handling kom animatören och regissören Francis Glebas på idén om Noaks ark som han gav titeln Donald’s Last Roundup!, senare omdöpt till Noaks anka, och presenterade den med tanken att den var ”laddad med komiska möjligheter”.
EldfågelnRedigera
För att avsluta filmen ville Disney ha ett stycke som var ”känslomässigt likvärdigt” med Night on Bald Mountain och Ave Maria som avslutade Fantasia. Disney valde Eldfågeln som det stycke som skulle användas efter att ”ett halvt dussin” andra hade skrotats, däribland Symfoni nr 9 av Beethoven och ”Halleluja-kören” från Messias av Händel. Disney kom på idén om jordens förstörelse och förnyelse efter att ha passerat Mount St. Helens efter dess utbrott 1980. De franska tvillingarna Paul och Gaëtan Brizzi från Disneys studio i Paris anlitades för att regissera avsnittet. Spriten är en dryadliknande varelse från den grekiska mytologin. Hennes form förändras sex gånger; hon introduceras som en vattenspridare som planterar blommor som en blomsterspridare. Hon blir en Neutral Sprite när hennes tillväxtspår slutar och en Ash Sprite när skogen har förstörts. Avsnittet avslutas med henne som en Rain-Wave Sprite, följt av Grass Sprite. Segmentet slutade ursprungligen med spriten i form av en flödande flod som stiger upp mot himlen och förvandlas till en Sun Sprite, men detta övergavs. Älgens horn producerades med hjälp av CGI och placerades ovanpå dess kropp som ritades traditionellt. Segmentet producerades med hjälp av animationsprogrammet Houdini.
MusicEdit
Musiken till The Sorcerer’s Apprentice spelades in redan den 9 januari 1938 för den första filmen i Culver Studios i Kalifornien med Leopold Stokowski som dirigent för en grupp sessionsmusiker. Den inspelning av Rhapsody in Blue som används i filmen är en redigerad version av Ferde Grofés orkestrering av stycket framförd av Philharmonia Orchestra med dirigent Bruce Broughton. Den förkortade versionen gjordes genom att 125 takter av pianosolot klipptes bort på tre olika ställen. En inspelning av James Levine som dirigerar båda styckena med Philharmonia finns på filmens soundtrack.
De återstående sex styckena spelades in i Medinah Temple i Chicago, framförda av Chicago Symphony Orchestra under ledning av Levine. Pines of Rome omarrangerades 1993 av Bruce Coughlin, som reducerade det fyrsatsiga stycket genom att skära bort den andra satsen och beskära delar av den tredje och fjärde satsen. Stycket spelades in den 28 mars 1994. Den andra inspelningen omfattade Symfoni nr 5, Carnival of the Animals och Pomp and Circumstance, den 25 april 1994. I Carnival of the Animals, Finale används två pianon som spelas av Gail Niwa och Philip Sabransky. Pomp and Circumstance arrangerades av Peter Schickele och har Chicago Symphony Chorus och sopransolisten Kathleen Battle. Nästa inspelning ägde rum den 24 april 1995 för Pianokonsert nr 2 med pianisten Yefim Bronfman. Den 28 september 1996 var Eldfågeln det sista stycket som spelades in; sessionen varade i tre timmar. Stycket arrangerades med hjälp av fyra sektioner från Stravinskijs revidering av partituret 1919.
InterstitialsRedigera
Disney kände sig tvungen att behålla de interstitials (bryggor) som användes i Fantasia för att ge publiken en chans att ”rensa sin känslomässiga gom” från det föregående avsnittet samtidigt som de ger viss information om nästa avsnitt. Don Hahn regisserade de levande scenerna som utformades av Pixote Hunt. Hahn kom på kulisserna och bakgrunderna när han åt lunch; han fortsatte med att skissa en grov idé om vad han föreställde sig på en servett. Han ”ville visa bilder på former som stora segel på ett clipperfartyg. De flyger in i vinden och bildar ett slags Stonehenge-konsertsal mitt på en vidsträckt, tom, imaginär slätt”.
Hahn minns att det var svårt att hitta någon som skulle vara värd för filmen, så studion bestämde sig för att använda sig av en grupp artister och musiker från olika nöjesbranscher. Mellanfilmerna filmades på olika platser; orkestern, Jones, Lansbury och Bronfman filmades i Los Angeles, Perlman och Midler i New York City och andra i Boston, Massachusetts. Varje scen filmades framför en green screen så att bilder av orkestern eller kulisserna kunde placeras bakom dem. Bilderna av Levine, artisterna och orkestern filmades den 31 oktober 1998. Det piano som Grierson spelar på i sin scen med Jones är samma piano som han spelade Rhapsody in Blue på för soundtracket.