DevelopmentEdit
-Walt Disney
În 1940, Walt Disney a lansat Fantasia, cel de-al treilea lungmetraj de animație al său, format din opt segmente animate pe piese de muzică clasică. Inițial, el plănuia ca filmul să fie lansat în mod continuu, cu noi segmente care să le înlocuiască pe cele mai vechi, astfel încât publicul să nu vadă niciodată același film de două ori. Ideea a fost abandonată în urma încasărilor inițiale slabe din box office și a unui răspuns mixt din partea criticilor. În urma lucrărilor preliminare la noile segmente, ideea a fost abandonată în 1942 și nu a mai fost reluată până la sfârșitul vieții lui Disney. În 1980, animatorii Wolfgang Reitherman și Mel Shaw au început lucrările preliminare la Musicana, un lungmetraj „care amesteca jazz, muzică clasică, mituri, artă modernă … urmând vechiul format Fantasia” și care urma să prezinte „povești etnice din întreaga lume cu muzica diferitelor țări”. Proiectul a fost anulat în favoarea filmului Mickey’s Christmas Carol (1983).
Ideea unei continuări a filmului Fantasia a fost reluată la scurt timp după ce Michael Eisner a devenit director executiv al The Walt Disney Company, în 1984, când nepotul lui Walt, vicepreședintele Roy E. Disney, i-a sugerat, la un prânz, un lucru care îi venise în minte pentru prima dată cu zece ani înainte. Disney și-a amintit reacția sa: „A fost ca și cum un bec mare s-a aprins deasupra capului său. Ideea era seducătoare, dar nu aveam resursele necesare pentru a o pune în aplicare”. Președintele Walt Disney Studios, Jeffrey Katzenberg, a arătat o lipsă de interes față de film. Acesta îl rugase cândva pe André Previn să lucreze la un film Fantasia, dar Previn a refuzat după ce a aflat că acesta urma să cuprindă mai degrabă cântece ale Beatles decât muzică clasică. Eisner l-a abordat pe Leonard Bernstein cu aceeași idee, dar, deși părea entuziasmat, Bernstein a murit înainte de începerea producției. Au trebuit să treacă încă șapte ani până când filmul a fost luat în considerare, după ce reeditarea din 1990 a filmului Fantasia a avut încasări de 25 de milioane de dolari pe plan intern, iar lansarea sa home video din 1991 a provocat 9,25 milioane de precomenzi. Disney a văzut succesul comercial al filmului ca pe un semn că exista suficient interes din partea publicului pentru franciza Fantasia pentru a face o continuare. Eisner a dat în cele din urmă undă verde filmului în 1991 și a fost de acord ca Disney să servească drept producător executiv, pe baza faptului că producția sa a fost finanțată din încasările din vânzările video. Disney l-a desemnat pe Donald W. Ernst ca producător și pe Hendel Butoy ca regizor supervizor, după ce îi plăcuse munca sa cu The Rescuers Down Under (1990).
În timpul căutării unui dirijor potrivit, Disney și președintele Walt Disney Feature Animation, Thomas Schumacher, l-au invitat pe dirijorul Metropolitan Opera, James Levine, și pe managerul Peter Gelb la o întâlnire în septembrie 1991. Disney și-a amintit: „L-am întrebat pe James ce părere are despre o versiune de trei minute a celei de-a cincea simfonii a lui Beethoven. A făcut o pauză și a spus: „Cred că cele trei minute potrivite ar fi frumoase””. În noiembrie 1992, Disney, Schumacher, Schumacher, Levine, Gelb și Butoy s-au întâlnit la Viena pentru a discuta despre o colecție de povești dezvoltate, una dintre ele fiind Pines of Rome, pe care Levine a apreciat-o imediat. Butoy a descris entuziasmul lui Levine față de acest film ca fiind „ca un copil într-un magazin de dulciuri”. Deoarece Katzenberg a continuat să-și exprime o oarecare ostilitate față de film, Disney a organizat întâlniri de dezvoltare fără el și a raportat în schimb direct lui Eisner, lucru despre care autorul James B. Stewart a scris că „ar fi fost de neconceput la orice alt proiect de animație viitor.”
Producția a început sub titlul de lucru Fantasia Continued, cu o lansare în 1997. Titlul a fost schimbat în Fantasia 1999, urmat de Fantasia 2000 pentru a coincide cu lansarea în cinematografe în 2000. Disney a format ordinea de rulare inițială cu jumătate din programul Fantasia și doar „trei sau patru numere noi”, cu scopul de a lansa un „film semi-nouț”. Dându-și seama că ideea nu va funcționa, el a păstrat trei segmente Fantasia – The Sorcerer’s Apprentice, The Nutcracker Suite și Dance of the Hours – în program pentru „o bună bucată de vreme”. Night on Bald Mountain (Noaptea pe Muntele Chelios) a fost segmentul pe care i-a fost cel mai greu să îl elimine din ordinea inițială de desfășurare, deoarece era unul dintre preferatele sale. Îl plasase la mijlocul filmului, fără Ave Maria, dar a considerat că nu funcționează și a renunțat la idee. Ulterior, Dansul orelor a fost abandonat, iar Suita Spărgătorul de nuci a fost înlocuită cu Rapsodia albastră în ultimele luni de producție, ca urmare a răspunsului primit în urma numeroaselor proiecții de probă. Disney a păstrat The Sorcerer’s Apprentice în programul final ca un omagiu adus lui Fantasia. Segmentul a fost supus unei restaurări digitale de către Cinesite din Los Angeles. Disney s-a gândit să folosească Clair de Lune, o piesă realizată inițial pentru Fantasia, care urmărea doi mari heroni albi zburând noaptea prin Everglades, dar a considerat-o „destul de plictisitoare”. O idee de a avea „un coșmar și un vis care se luptă pentru sufletul unui copil adormit” pe Rhapsody on a Theme of Paganini de Sergei Rachmaninoff a fost complet storyboardată, dar a căzut.
SegmenteEdit
Simfonia nr. 5Edit
Simfonia nr. 5 este un segment abstract creat de Pixote Hunt cu dezvoltarea poveștii de către Kelvin Yasuda. În decembrie 1997, după ce au respins propuneri de la alți patru animatori, Disney și Ernst i-au cerut ideile lui Hunt. Hunt s-a gândit pentru prima dată la poveste în timpul unei plimbări de dimineață în Pasadena, California, una care descrie o bătălie a formelor multicolore „bune” împotriva celor întunecate „rele” și cum se rezolvă conflictul. Hunt a avut nevoie de aproximativ doi ani, de la început până la sfârșit, pentru a finaliza acest segment. Disney și Ernst au decis să accepte ideea lui Hunt; Hunt a evitat să producă o lucrare complet abstractă, deoarece „poți obține cu ușurință ceva abstract pe fiecare ecran de calculator”. Hunt a împărțit segmentul în 31 de mini-scene, notând punctele în care ar fi folosit culori vii atunci când muzica era luminoasă și fluidă, iar apoi ar fi trecut la nuanțe mai închise atunci când muzica părea mai întunecată și mai densă. Pentru a se inspira din modul în care se vor mișca formele, Hunt și asociații săi au vizitat grădina zoologică din San Diego, o fermă de fluturi și au observat filmări cu încetinitorul cu lilieci. Segmentul combină fundaluri desenate de mână, folosind pasteluri și vopsea, care au fost scanate în Computer Animation Production System (CAPS), și imagini generate pe calculator (CGI) de forme și efecte abstracte, care au fost suprapuse. Hunt a explicat că scanarea fiecărui desen „a fost o treabă de o singură lovitură”, deoarece platina care a apăsat pe el modifica pastelul după ce a fost scanat. La un moment dat, în timpul producției, Hunt și Yasuda au realizat 68 de desene în pastel în opt zile. Segmentul a fost produs cu ajutorul software-ului de animație Houdini.
Pines of RomeEdit
Pines of Rome a fost prima piesă pe care Disney a sugerat-o pentru film, precum și prima care a fost animată; desenele au apărut în ziarele studioului încă din octombrie 1993. Butoy a fost regizor, iar James Fujii s-a ocupat de poveste. Deschiderea piesei i-a dat lui Disney ideea de „ceva care zboară”. Butoy a schițat secvența pe post-it-uri galbene. Inițial, povestea presupunea ca balenele să zboare din perspectiva unui grup de pinguini, dar ideea a fost abandonată pentru a face din puiul de balenă un personaj central. Balenele trebuiau, de asemenea, să se întoarcă pe Pământ, dar Butoy a spus că „nu s-a simțit niciodată foarte bine”, ceea ce a dus la decizia de a le face să străpungă un plafon de nori și să intre într-o lume diferită prin supernovă. Butoy a creat o „diagramă de intensitate muzicală” pe care animatorii trebuiau să o urmeze și care „urmărea suișurile și coborâșurile muzicii… pe măsură ce muzica se luminează, la fel se luminează și culoarea” și viceversa. El a explicat că, deoarece CGI se afla în fază incipientă în timpul dezvoltării, prima treime a segmentului a fost desenată de mână, folosind creionul, pentru a avea o idee despre cum se vor mișca balenele. Când desenele au fost scanate în sistemul CAPS, Butoy a constatat că balenele fie se mișcau prea repede, fie aveau mai puțină greutate. Desenele au fost modificate pentru ca balenele să fie mai lente și „mai credibile”. Ochii balenelor au fost desenați de mână, deoarece privirile și privirile dorite nu puteau fi realizate pe deplin cu ajutorul CGI. Butoy a amintit provocarea de a face ca apa să apară și să se miște cât mai natural posibil; echipa a decis să scrie un cod de calculator de la zero, deoarece animația tradițională ar fi necesitat prea mult timp și ar fi produs rezultate nedorite. Codul care se ocupă de grupul de balene a fost scris astfel încât balenele să se îndepărteze în caz de coliziune și să nu se ciocnească, să se suprapună sau să treacă una de cealaltă. Aceeași tehnică a fost folosită pentru scena de debandadă din The Lion King (1994), care a fost produsă în același timp.
Rhapsody in BlueEdit
Rhapsody in Blue este primul segment Fantasia cu muzică a compozitorului american George Gershwin. A luat naștere în 1992, când regizorul și animatorul Eric Goldberg l-a abordat pe Al Hirschfeld cu privire la ideea unui scurtmetraj animat pe o compoziție a lui Gershwin, în stilul ilustrațiilor lui Hirschfeld. Hirschfeld a fost de acord să servească drept consultant artistic și le-a permis animatorilor să folosească și să adapteze lucrările sale anterioare pentru acest segment. Soția lui Goldberg, Susan, a fost director artistic. Duke este numit după artistul de jazz Duke Ellington. În partea de jos a tubului său de pastă de dinți scrie „NINA”, un ou de Paște care face referire la Nina, fiica lui Hirschfeld. Rachel a fost desenată după fiica familiei Goldberg, iar John se bazează pe istoricul și autorul de animație John Culhane și pe caricatura lui Hirschfeld a lui Alexander Woollcott. Goldberg a luat ilustrația originală a lui Hirschfeld a lui Gershwin și a animat-o pentru a-l face să cânte la pian. În mulțimea care iese din hotel sunt prezentate reprezentări ale lui Brooks Atkinson și Hirschfeld, împreună cu soția sa Dolly Haas. Segmentul a fost finalizat cu două luni înainte de termen. În ciuda acestui fapt, secvența a fost atât de complexă din punct de vedere cromatic încât procesul de redare folosind sistemul CAPS a întârziat lucrul la Tarzan.
Piano Concerto No. 2Edit
Piano Concerto No. 2 a fost regizat de Butoy cu directorul artistic Michael Humphries. A luat naștere în anii 1930, când Walt Disney a dorit să adapteze o colecție de basme de Hans Christian Andersen într-un film de animație. Artiștii au finalizat o serie de desene preliminare bazate pe povești, inclusiv unele pentru The Steadfast Tin Soldier din 1938 de Bianca Majolie, care au fost păstrate în biblioteca de cercetare a studioului de animație și folosite pentru o carte Disney din 1991 care reda povestea însoțită de schițele de storyboard. Când Disney a sugerat să folosească piesa lui Șostakovici, Butoy a răsfoit cartea și a descoperit că structura poveștii se potrivește cu muzica. Când Humphries a văzut schițele, a proiectat segmentul cu lucrări de Caravaggio și Rembrandt în minte pentru a da segmentului un aer „atemporal”, păstrând în același timp culorile „cât mai romantice posibil” în timpul scenelor în care soldatul și balerina fac cunoștință pentru prima dată. Ca ghid pentru mișcările balerinei de jucărie au fost folosite imagini live ale unei balerine reale. Butoy a considerat că Jack-in-a-box a fost un personaj dificil de proiectat și de animat datorită bazei sale cu arc și a modului în care se mișca odată cu cutia. Aspectul său a trecut prin numeroase modificări, în parte din cauza lipsei de material de referință la dispoziția echipei.
Segmentul a marcat prima dată când studioul Disney a creat personajele principale ale unui film în întregime din CGI; doar fundalurile, personajele secundare sau terțiare fuseseră produse folosind CGI până atunci. Inițial, Butoy a cerut studiourilor Pixar Animation Studios să se ocupe de grafica computerizată, dar artistul CGI Steve Goldberg l-a convins să lase propria echipă Disney să o producă. Decorurile au fost completate manual. Inițial, secvența de scurgere includea șobolani prietenoși care executau gaguri comice, dar echipa a considerat că nu se potrivea cu atmosfera din restul segmentului. Canalele de scurgere au devenit un mediu mai înfricoșător, lucru despre care Butoy a spus că era „ceea ce ne spunea muzica să facem”. Animația ploii din Bambi (1942) a fost scanată în sistemul CAPS și modificată digital pentru a se potrivi în segment. Finalul trebuia să prezinte finalul original cu soldatul și balerina care se topesc în foc, dar muzica era prea optimistă pentru a o anima și a fost schimbată. Un extras al segmentului a fost prezentat la conferința SIGGRAPH din 1998.
The Carnival of the Animals, FinaleEdit
The Carnival of the Animals, Finale a fost regizat de Goldberg; soția sa Susan a fost directorul artistic. Ideea a pornit de la animatorul Joe Grant, unul dintre cei doi regizori de povești de la Fantasia, care a îndrăgit struții din Dance of the Hours. Când a început dezvoltarea pentru Fantasia 2000, Grant a sugerat ideea ca unul dintre struți să se joace cu un yo-yo pe ultima mișcare din Carnavalul animalelor. Ulterior, struții au fost schimbați cu flamingo, deoarece Disney a dorit să evite reintroducerea personajelor din filmul original și a considerat că flamingo ar arăta mai colorat pe ecran. Goldberg a fost inspirat parțial de co-regizorul Mike Gabriel, care se juca cu un yo-yo în timp ce își lua o pauză de la lucrul la Pocahontas (1995). Segmentul a fost produs cu CGI și cu 6.000 de picturi în acuarelă pe hârtie bond grea. Susan a ales o paletă de culori distinctă pentru segment, pe care a comparat-o cu stilul unei cămăși hawaiiene. Familia Goldberg și echipa lor au vizitat grădina zoologică din Los Angeles și San Diego pentru a studia anatomia și mișcarea flamingo.
The Sorcerer’s ApprenticeEdit
The Sorcerer’s Apprentice a fost anterior din primul film, în timp ce Yen Sid și Mickey Mouse sunt în acest segment.
Pomp and CircumstanceEdit
Eisner a sugerat Pomp and Circumstance ca piesă după ce a participat la o absolvire și a crezut că familiaritatea sa ar fi potrivită pentru un segment Fantasia. Ideea sa a implicat o selecție de prințese și eroi Disney într-o procesiune de nuntă, purtându-și viitorii copii care vor fi apoi prezentați în cadrul unei ceremonii. Proiectele preliminare ale animatorilor înfățișau un decor greco-roman; unul dintre membrii personalului a descris lucrarea ca fiind „un abuz îngrozitor” al personajelor. Eisner a fost de acord să renunțe la poveste, dar a insistat ca muzica să fie folosită. După ce numeroase idei au fost abandonate din cauza dificultății de a scrie o intrigă clară, animatorul și regizorul Francis Glebas a venit cu ideea de Arcă a lui Noe pe care a intitulat-o Donald’s Last Roundup!, mai târziu redenumită Noah’s Duck (Rața lui Noe), și a prezentat-o crezând că este „încărcată de posibilități comice”.
Pasărea de focEdit
Pentru a încheia filmul, Disney a dorit o piesă care să fie „echivalentă din punct de vedere emoțional” cu segmentele Night on Bald Mountain și Ave Maria care au încheiat Fantasia. Disney a ales „Pasărea de foc” ca piesă de folosit după ce a renunțat la „o jumătate de duzină” de alte piese, inclusiv Simfonia nr. 9 de Beethoven și „Hallelujah Chorus” din Messiah de Handel. Disney s-a gândit la ideea de distrugere și reînnoire a Pământului după ce a trecut pe lângă Muntele St. Helens în urma erupției sale din 1980. Gemenii francezi Paul și Gaëtan Brizzi, de la studioul Disney din Paris, au fost angajați să regizeze segmentul. Sprite este o creatură asemănătoare cu o Dryad din mitologia greacă. Forma ei se schimbă de șase ori; este prezentată ca Spiriduș de apă care plantează flori ca Spiriduș de flori. Ea devine un Sprite Neutru atunci când traseul ei de creștere se oprește și un Sprite Cenușă când pădurea a fost distrusă. Segmentul se încheie cu ea ca Rain-Wave Sprite, urmată de Grass Sprite. Segmentul se încheia inițial cu Sprite sub forma unui râu curgător care se ridică spre cer și se transformă într-un Sun Sprite, dar acest lucru a fost abandonat. Coarnele elanului au fost produse prin CGI și plasate deasupra corpului său care a fost desenat în mod tradițional. Segmentul a fost produs cu ajutorul software-ului de animație Houdini.
MusicEdit
Muzica filmului The Sorcerer’s Apprentice a fost deja înregistrată pe 9 ianuarie 1938 pentru primul film la Culver Studios, California, cu Leopold Stokowski dirijând un grup de muzicieni de sesiune. Înregistrarea Rhapsody in Blue folosită în film este o versiune editată a orchestrației lui Ferde Grofé a piesei, interpretată de Orchestra Philharmonia cu dirijorul Bruce Broughton. Versiunea scurtată a fost realizată prin tăierea a 125 de măsuri de solo de pian în trei locuri diferite. O înregistrare a lui James Levine dirijând ambele piese cu Filarmonica apare pe coloana sonoră a filmului.
Celelalte șase piese au fost înregistrate la Templul Medinah din Chicago, interpretate de Orchestra Simfonică din Chicago dirijată de Levine. Pines of Rome a fost rearanjată în 1993 de Bruce Coughlin, care a redus piesa în patru mișcări prin tăierea celei de-a doua mișcări și tăierea unor secțiuni din mișcările a treia și a patra. Piesa a fost înregistrată la 28 martie 1994. Cea de-a doua înregistrare a implicat Simfonia nr. 5, Carnavalul animalelor și Pomp and Circumstance, la 25 aprilie 1994. Carnival of the Animals, Finale folosește două piane interpretate de Gail Niwa și Philip Sabransky. Pomp and Circumstance a fost aranjat de Peter Schickele și prezintă Corul Simfoniei din Chicago și solista soprană Kathleen Battle. Următoarea înregistrare a avut loc la 24 aprilie 1995 pentru Concertul pentru pian nr. 2 cu pianistul Yefim Bronfman. La 28 septembrie 1996, Pasărea de foc a fost ultima piesă care a fost înregistrată; sesiunea a durat trei ore. Piesa a fost aranjată folosind patru secțiuni din revizia din 1919 a partiturii lui Stravinski.
InterstițiiEdit
Disney a simțit nevoia de a păstra interstițiile (punți) așa cum au fost folosite în Fantasia pentru a oferi publicului o șansă de a-și „curăța palatul emoțional” de la segmentul anterior, oferind în același timp și unele informații despre următorul. Don Hahn a regizat scenele live action care au fost proiectate de Pixote Hunt. Hahn a venit cu decorul și fundalurile în timp ce mânca la prânz; el a continuat să schițeze o idee aproximativă a ceea ce își imagina pe un șervețel. El „a vrut să arate imagini pe forme ca niște pânze mari ale unui vas clipper. Ele zboară în bătaia vântului și formează un fel de sală de concerte Stonehenge în mijlocul unei câmpii vaste, goale, imaginare”.
Hahn și-a amintit de unele dificultăți în a găsi pe cineva care să prezinte filmul, așa că studioul a decis să folosească un grup de artiști și muzicieni din diverse domenii de divertisment. Interstițiile au fost filmate în diverse locații; orchestra, Jones, Lansbury și Bronfman au fost filmați în Los Angeles, Perlman și Midler în New York, iar ceilalți în Boston, Massachusetts. Fiecare scenă a fost filmată în fața unui ecran verde pentru a permite ca în spatele lor să fie plasate cadre ale orchestrei sau ale decorului. Imaginile cu Levine, artiștii și orchestra au fost filmate pe 31 octombrie 1998. Pianul la care cântă Grierson în scena cu Jones este același la care a cântat la Rhapsody in Blue pentru coloana sonoră.
.