Jak dokładna definicja powieści graficznej jest dyskutowana, początki formy są otwarte na interpretację.
Przygody Obadiaha Oldbucka są najstarszym uznanym amerykańskim przykładem komiksu używanego w tym celu. Wywodzi się z publikacji Histoire de M. Vieux Bois z 1828 roku autorstwa szwajcarskiego karykaturzysty Rodolphe’a Töpffera, a po raz pierwszy została wydana w angielskim tłumaczeniu w 1841 roku przez londyńskie wydawnictwo Tilt & Bogue, które korzystało z pirackiego wydania paryskiego z 1833 roku. Pierwsza amerykańska edycja została opublikowana w 1842 roku przez Wilson & Company w Nowym Jorku przy użyciu oryginalnych płyt drukarskich z edycji 1841. Innym wczesnym poprzednikiem jest Journey to the Gold Diggins by Jeremiah Saddlebags autorstwa braci J. A. D. i D. F. Read, zainspirowany The Adventures of Obadiah Oldbuck. W 1894 roku Caran d’Ache w liście do gazety Le Figaro poruszył pomysł „powieści rysunkowej” i rozpoczął pracę nad 360-stronicową książką bez słów (nigdy nie opublikowaną). W Stanach Zjednoczonych istnieje długa tradycja wznawiania wcześniej publikowanych komiksów w formie książkowej. W 1897 roku Hearst Syndicate opublikował taki zbiór The Yellow Kid autorstwa Richarda Outcaulta i szybko stał się on bestsellerem.
1920s to 1960sEdit
The 1920s saw a revival of the medieval woodcut tradition, with Belgian Frans Masereel cited as „the undisputed king” of this revival. Jego dziełem jest m.in. Passionate Journey (1919). Amerykanin Lynd Ward również pracował w tej tradycji, publikując Gods’ Man, w 1929 roku i idąc dalej, aby opublikować więcej w latach 1930.
Inne prototypowe przykłady z tego okresu obejmują amerykański Milt Gross’s He Done Her Wrong (1930), bezsłowny komiks opublikowany jako książka w twardej oprawie, i Une semaine de bonté (1934), powieść w sekwencyjnych obrazów złożonych z kolażu przez surrealistycznego malarza Maxa Ernsta. Podobnie Charlotte Salomon w Life? czy Theater? (skomponowany 1941-43) łączy obrazy, narrację i podpisy.
W latach czterdziestych XX wieku rozpoczęto wydawanie Classics Illustrated, serii komiksowej, która przede wszystkim adaptowała godne uwagi powieści z domeny publicznej na samodzielne komiksy dla młodych czytelników. Citizen 13660, ilustrowany, powieści długości retelling japońskiego internowania podczas II wojny światowej, został opublikowany w 1946 roku. W 1947 roku Fawcett Comics opublikował Comics Novel #1: „Anarcho, Dictator of Death”, 52-stronicowy komiks poświęcony jednej historii. W 1950 roku St. John Publications wydało powieść obrazkową dla dorosłych „It Rhymes with Lust”, inspirowany filmem noir kawałek stalowego życia, w którym główną rolę odgrywa intrygujący, manipulujący rudzielec o imieniu Rust. Określana na okładce jako „oryginalna, pełnowymiarowa powieść”, 128-stronicowa nowela autorstwa pseudonimowego pisarza „Drake’a Wallera” (Arnolda Drake’a i Leslie Wallera), ołówka Matta Bakera i rysownika Raya Osrina okazała się na tyle udana, że doprowadziła do powstania niepowiązanej z nią drugiej powieści obrazkowej, The Case of the Winking Buddha autorstwa pisarza Manninga Lee Stokesa i rysownika Charlesa Raaba. Poprzedzając wielopiętrową powieść graficzną Willa Eisnera A Contract with God (1978), rysownik Harvey Kurtzman napisał i narysował czteropiętrową powieść Harvey Kurtzman’s Jungle Book (Ballantine Books #338K), opublikowaną w 1959 roku.
Pod koniec lat 60-tych amerykańscy twórcy komiksów stawali się coraz bardziej odważni w tej formie. Gil Kane i Archie Goodwin samodzielnie opublikowali 40-stronicową powieść komiksową w formacie magazynowym, His Name Is… Savage (Adventure House Press) w 1968 roku – w tym samym roku Marvel Comics opublikował dwa numery The Spectacular Spider-Man w podobnym formacie. Kolumbista i scenarzysta komiksowy Steven Grant twierdzi również, że historia Doctor Strange Stana Lee i Steve’a Ditko w Strange Tales #130-146, choć publikowana seryjnie w latach 1965-1966, jest „pierwszą amerykańską powieścią graficzną”. Podobnie, krytyk Jason Sacks odniósł się do 13-zeszytowej historii „Panther’s Rage” – pierwszego znanego komiksowego tytułu, samodzielnego, wielotematycznego story arc – która ukazała się w latach 1973-1975 w serii Black Panther w Marvel’s Jungle Action jako „pierwszej powieści graficznej Marvela”.
Międzyczasie, w Europie kontynentalnej, tradycja zbierania serii popularnych pasków, takich jak Przygody Tintina lub Asterixa doprowadziła do długich form narracji opublikowanych początkowo jako serie.
Do 1969 roku, autor John Updike, który miał zabawne pomysły, aby stać się rysownikiem w młodości, zwrócił się do Bristol Literary Society, na „śmierć powieści”. Updike oferował przykłady nowych obszarów eksploracji dla powieściopisarzy, deklarując, że nie widzi „żadnego istotnego powodu, dla którego podwójnie utalentowany artysta nie mógłby powstać i stworzyć komiksowego arcydzieła powieści”.
Era współczesnaEdit
Blackmark Gila Kane’a i Archiego Goodwina (1971), science fiction/sword-and-sorcery paperback wydany przez Bantam Books, nie używał pierwotnie tego terminu; blurb na tylnej okładce wydania z okazji 30-lecia (ISBN 978-1-56097-456-7) nazywa go, retroaktywnie, „pierwszą amerykańską powieścią graficzną”. Academy of Comic Book Arts przyznała Kane’owi specjalną nagrodę Shazam Award w 1971 roku za to, co nazwała „jego powieścią komiksową na papierze”. Niezależnie od nomenklatury, Blackmark to 119-stronicowa historia sztuki komiksowej, z podpisami i dymkami, wydana w tradycyjnym formacie książkowym.
Europejscy twórcy również eksperymentowali z dłuższą narracją w formie komiksowej. W Wielkiej Brytanii Raymond Briggs tworzył prace takie jak Father Christmas (1972) i The Snowman (1978), które sam opisał jako pochodzące z „bezdennej otchłani komiksu paskowego”, choć one, wraz z innymi pracami Briggsa, takimi jak bardziej dojrzałe When the Wind Blows (1982), zostały ponownie wprowadzone na rynek jako powieści graficzne w następstwie popularności tego terminu. Briggs zauważa jednak: „Nie wiem, czy lubię ten termin za bardzo”.
Pierwsze samozwańcze powieści graficzne: 1976-1978Edit
W 1976 roku termin „powieść graficzna” pojawił się w druku, aby opisać trzy oddzielne prace. Bloodstar Richarda Corbena (zaadaptowane z opowiadania Roberta E. Howarda) użył tego terminu do skategoryzowania siebie na swojej okładce i wstępie. Beyond Time and Again George’a Metzgera, serializowane w undergroundowym komiksie od 1967 do 1972, zostało opatrzone podtytułem „A Graphic Novel” na wewnętrznej stronie tytułowej, gdy zostało zebrane jako 48-stronicowa, czarno-biała, twarda książka wydana przez Kyle’a & Wheary’ego.
Chandler w rozmiarze digest: Red Tide (1976) autorstwa Jima Steranko, przeznaczony do sprzedaży w kioskach, używał terminu „graphic novel” we wstępie i „a visual novel” na okładce.
W następnym roku Terry Nantier, który spędził swoje nastoletnie lata mieszkając w Paryżu, wrócił do Stanów Zjednoczonych i założył Flying Buttress Publications, później włączone jako NBM Publishing (Nantier, Beall, Minoustchine), i opublikował Racket Rumba, 50-stronicowy spoof z gatunku noir-detektywistycznego, napisany i narysowany przez jedno-imienny francuski artysta Loro. Następnie Nantier opublikował The Call of the Stars Enki Bilala. Firma reklamowała te prace jako „albumy graficzne”.
Pierwsze sześć numerów serii Jacka Katza z 1974 roku Comics and Comix Co. The First Kingdom zostało zebranych jako trade paperback (Pocket Books, marzec 1978), który opisywał się jako „pierwsza powieść graficzna”. Wydania komiksu określały się jako „proza graficzna” lub po prostu jako powieść.
Podobnie, Sabre: Slow Fade of an Endangered Species pisarza Dona McGregora i artysty Paula Gulacy’ego (Eclipse Books, sierpień 1978) – pierwsza powieść graficzna sprzedawana na nowo utworzonym „rynku bezpośrednim” sklepów komiksowych w Stanach Zjednoczonych – została nazwana przez autora w wywiadach „albumem graficznym”, chociaż wydawca nazwał ją „powieścią komiksową” na stronie tytułowej. „Album graficzny” był również terminem użytym w następnym roku przez Gene’a Daya dla jego zbioru opowiadań Future Day (Flying Buttress Press).
Kolejną wczesną powieścią graficzną, choć nie posiadającą własnego określenia, był The Silver Surfer (Simon & Schuster/Fireside Books, sierpień 1978), autorstwa Stana Lee i Jacka Kirby’ego z Marvel Comics. Co istotne, została ona wydana przez tradycyjnego wydawcę książek i rozprowadzana w księgarniach, podobnie jak Tantrum rysownika Julesa Feiffera (Alfred A. Knopf, 1979), opisana na okładce jako „powieść w obrazach”.
Przyjęcie terminuEdit
Hiperboliczne opisy dłuższych komiksów jako „powieści” pojawiają się na okładkach już w latach 40. XX wieku. Wczesne numery All-Flash wydawnictwa DC Comics, na przykład, opisywały swoją zawartość jako „novel-length stories” i „full-length four chapter novels”.
W najwcześniejszym znanym cytacie, recenzent komiksowy Richard Kyle użył terminu „graphic novel” w Capa-Alpha #2 (listopad 1964), biuletynie wydawanym przez Comic Amateur Press Alliance, i ponownie w artykule w magazynie Billa Spicera Fantasy Illustrated #5 (wiosna 1966). Kyle, zainspirowany europejskimi i wschodnioazjatyckimi albumami graficznymi (zwłaszcza japońską mangą), użył tej etykiety do oznaczenia komiksów artystycznie „poważnych”. Następnie Spicer, za zgodą Kyle’a, redagował i wydawał jesienią 1967 roku czasopismo zatytułowane Graphic Story Magazine. The Sinister House of Secret Love #2 (styczeń 1972), jeden z linii bardzo długich, 48-stronicowych komiksów DC Comics, użył na okładce sformułowania „graficzna powieść gotyckiej grozy”.
Termin „powieść graficzna” zaczął zyskiwać na popularności kilka miesięcy po tym, jak pojawił się na okładce wydania trade paperback (choć nie wydania w twardej oprawie) A Contract with God Willa Eisnera (październik 1978). Ten zbiór opowiadań był dojrzałym, złożonym dziełem skupiającym się na życiu zwykłych ludzi w prawdziwym świecie, opartym na własnych doświadczeniach Eisnera.
Jeden z badaczy wykorzystał powieści graficzne do wprowadzenia pojęcia grafizacji, teorii, że cała osobowość artysty jest widoczna poprzez jego lub jej wizualną reprezentację pewnej postaci, scenerii, wydarzenia lub obiektu w powieści, i może działać jako środek do badania i analizy stylu rysowania.
Mimo że A Contract with God Eisnera został w końcu opublikowany w 1978 roku przez mniejszą firmę, Baronet Press, zajęło Eisnerowi ponad rok znalezienie wydawnictwa, które pozwoliłoby jego pracy dotrzeć na rynek masowy. We wstępie Eisner przywołał drzeworyty Lynda Warda z lat 30. (patrz wyżej) jako inspirację.
Krytyczny i komercyjny sukces Umowy z Bogiem pomógł ustanowić termin „powieść graficzna” w powszechnym użyciu, a wiele źródeł błędnie przypisało Eisnerowi bycie pierwszym, który go użył. Należała do nich strona internetowa magazynu Time w 2003 roku, która w swoim sprostowaniu napisała: „Eisner przyznaje, że termin 'powieść graficzna’ został ukuty przed jego książką. Ale, jak mówi, „nie wiedziałem wtedy, że ktoś wcześniej użył tego terminu. Nie przypisuje sobie również zasługi za stworzenie pierwszej książki graficznej.”
Jedno z najwcześniejszych współczesnych zastosowań terminu post-Eisner nastąpiło w 1979r, kiedy sequel Blackmark – wydany rok po A Contract with God, choć napisany i narysowany we wczesnych latach 70-tych – został oznaczony jako „powieść graficzna” na okładce czarno-białego magazynu komiksowego Marvel Comics Marvel Preview #17 (Winter 1979), gdzie Blackmark: The Mind Demons miał swoją premierę – jego 117-stronicowa zawartość pozostała nienaruszona, ale jego układ paneli został przekonfigurowany tak, aby zmieścić 62 strony.
Ponadto, Marvel od 1982 do 1988 roku publikował linię Marvel Graphic Novel w formie trade paperbacków 10″ × 7″ – choć numerował je jak komiksy, od #1 (Jim Starlin’s The Death of Captain Marvel) do #35 (Dennis O’Neil, Mike Kaluta, and Russ Heath’s Hitler’s Astrologer, z udziałem radiowego i pulp fiction bohatera the Shadow, i wydaną w twardej oprawie). Marvel zamawiał oryginalne powieści graficzne od takich twórców jak John Byrne, J.M. DeMatteis, Steve Gerber, pionier powieści graficznych McGregor, Frank Miller, Bill Sienkiewicz, Walt Simonson, Charles Vess i Bernie Wrightson. Podczas gdy w większości z nich wystąpili superbohaterowie Marvela, inne, takie jak Heartburst Ricka Veitcha, zawierały oryginalne postacie SF/fantasy; jeszcze inne, takie jak Dracula Johna J. Mutha, zawierały adaptacje historii literackich lub postaci; a jedna, A Sailor’s Story Sama Glanzmana, była prawdziwą opowieścią morską z czasów II wojny światowej.
Karykaturzysta Art Spiegelman’s Pulitzer Prize-winning Maus (1986), pomógł ustanowić zarówno termin i pojęcie powieści graficznych w umysłach głównego nurtu publiczności. Dwa DC Comics przedruki książek self-contained miniserii zrobił podobnie, choć nie były one pierwotnie opublikowane jako powieści graficzne: Batman: The Dark Knight Returns (1986), zbiór czteroczęściowej serii komiksowej Franka Millera, w której starszy Batman mierzy się z problemami dystopijnej przyszłości; oraz Watchmen (1986-1987), zbiór 12-zeszytowej limitowanej serii Alana Moore’a i Dave’a Gibbonsa, w której Moore, jak zauważa, „postanowił zbadać, między innymi, dynamikę władzy w świecie po Hiroszimie”. Te i inne prace były recenzowane w gazetach i czasopismach, co prowadziło do zwiększenia zasięgu. Sprzedaż powieści graficznych wzrosła, na przykład Batman: The Dark Knight Returns utrzymywał się przez 40 tygodni na brytyjskiej liście bestsellerów.
Przyjęcie terminu w EuropieEdit
Poza Ameryką Północną, A Contract with God Eisnera i Maus Spiegelmana doprowadziły do popularyzacji wyrażenia „powieść graficzna”, jak również. Do tego czasu w większości krajów europejskich używano neutralnej, opisowej terminologii, odnoszącej się do formy medium, a nie do treści. Na przykład w Europie frankofońskiej używa się wyrażenia bandes dessinées – co w dosłownym tłumaczeniu oznacza „rysowane paski”, podczas gdy terminy stripverhaal („historia paskowa”) i tegneserie („seria rysowana”) są używane odpowiednio przez Holendrów/Flamandczyków i Skandynawów. Europejscy badacze komiksu zauważyli, że Amerykanie początkowo używali terminu graphic novel w odniesieniu do wszystkiego, co odbiegało od ich standardowego, 32-stronicowego formatu komiksu, co oznaczało, że wszystkie większe i dłuższe francusko-belgijskie albumy komiksowe, niezależnie od ich zawartości, mieściły się w tej kategorii.
Amerykańscy krytycy komiksowi od czasu do czasu określali europejskie powieści graficzne mianem „eurokomiksów”, a pod koniec lat 80. podjęto próby wprowadzenia tych dzieł na rynek amerykański. Amerykańscy wydawcy Catalan Communications i NBM Publishing wydali przetłumaczone tytuły, głównie z zaległych katalogów Castermana i Les Humanoïdes Associés.
Latynoskie powieści graficzneEdit
La Borinqueña to nazwa powieści graficznej i postaci, która została stworzona przez Edgardo Mirandę-Rodrigueza. Z Borinquen odnoszących się do Puerto Rico, La Borinqueña oznacza „Portorykańczyk (kobieta)” i jest Columbia University Earth and Environmental Sciences undergraduate student mieszkający z rodzicami w Williamsburg, Brooklyn. Jest pierwszą postacią z latynoskiej powieści graficznej, która znalazła się na wystawie w Smithsonian Institution. Istnieje wiele innych latynoskich pisarzy i twórców w gatunku powieści graficznych, w tym George Pérez, znany ze swojej pracy nad Wonder Woman.
.