1 The Knife
Utworzony przez wokalistę Petera Gabriela i klawiszowca Tony’ego Banksa podczas nauki w szkole publicznej Charterhouse, Genesis rozpoczął swoją karierę nagraniową niepomyślnie od najlepiej zapomnianego debiutu z 1969 roku, wyprodukowanego przez Jonathana Kinga i posiadającego tytuł From Genesis to Revelation, który sprawił, że w sklepach z płytami został umieszczony razem z muzyką religijną. Wydany rok później Trespass, pierwszy wydany dla Charisma Records, był bliższy rockowi progresywnemu, z którego wkrótce stali się sławni, a The Knife – późno dodany do albumu – był jego najmocniejszym utworem. Tekst – ostre odrzucenie mitów głoszonych przez wojskowe plakaty rekrutacyjne – był, jak przyznał później Gabriel, dziełem „chłopca ze szkoły publicznej buntującego się przeciwko swojemu pochodzeniu”, ale pozostaje to poruszający materiał, antycypujący antywojenny hymn Metalliki Disposable Heroes, który pojawił się 15 lat później. Zmienne tempa, marszowe organy i ząbkowana gitara The Knife są najlepiej reprezentowane na albumie Live z 1973 roku, a nowi członkowie grupy, Phil Collins (perkusja) i Steve Hackett (gitara), nadają utworowi odpowiednią proto-thrashową dzikość.
2 The Musical Box
Do trzeciego albumu Nursery Cryme, klasyczny skład Genesis był na swoim miejscu, a ekscentryczny, makabryczny, czarno-komiczny liryzm, który charakteryzował erę Petera Gabriela w grupie, wysunął się na pierwszy plan. Okładka albumu – namalowana przez Paula Whiteheada, będąca ćwiczeniem z pokręconej wiktoriańszczyzny – przedstawiała małe dziewczynki grające w krokieta z odciętymi głowami i czerpała inspirację z otwierającego album utworu tytułowego. Gabriel naszkicował pokręconą narrację utworu w krótkiej winiecie na wewnętrznej okładce, opowiadając o młodym chłopcu, który został ścięty przez swoją przyjaciółkę Cynthię podczas meczu krokieta, powracając jako duch nawiedzający jej pozytywkę, manifestując się przed nią jako szybko starzejący się duch z „pragnieniami całego życia, które zostały w nim zoperowane”. Straszna rzecz, ale muzyka porywa najbardziej: jej trzy części przechodzą od barokowego folku o wschodnim zabarwieniu, poprzez środkową sekcję z rozedrganymi klawiszami Tony’ego Banksa i palcowymi arpeggiami Steve’a Hacketta, aż do niesamowitego, tęsknego końcowego fragmentu, który dał Gabrielowi przestrzeń do odkrycia bogatego, uduchowionego głosu, który później wykorzysta w swojej solowej karierze. To, że używał tego głosu, aby ożywić starego ducha wyjącego „Why won’t you touch me?” do dziewięcioletniej dziewczynki – a kiedy wykonywał utwór na scenie, miał na sobie przerażającą maskę „starca” – tylko pokazuje, jak osobliwy może być Genesis.
3 Watcher of the Skies
Foxtrot z 1972 roku został zdominowany przez Supper’s Ready, 23-minutową suitę, która zajęła prawie całą drugą stronę albumu, łącząc siedem oddzielnych fragmentów piosenek za pomocą segmentów i powtarzających się motywów, brawurowy gest, który do dziś robi wrażenie. Ale nominowanie takiej suity do 10 najlepszych wydaje się być oszustwem. Z pewnością całość Supper’s Ready jest silniejsza niż każda z jej części składowych, a żaden fragment nie jest tak poruszający jak ten, otwierający album utwór. Zainspirowany „On First Looking Into Chapman’s Homer” Keatsa i „Childhood’s End” Arthura C Clarke’a, „Watcher of the Skies” rozpoczyna się półtoraminutowym, wirującym mellotronem, zanim Collins i basista Mike Rutherford rozpoczną jąkający się, staccato riff, który nadaje utworowi jego żywiołowy charakter – lekki, ale niefunky groove, który w końcowych minutach zamienia się w ostry blitz, gdy klawisze Banksa wzniecają coraz bardziej złowieszcze dramaty. Tymczasem tekst spokojnie wyobraża „koniec długiego związku człowieka z Ziemią”, a Gabriel gra jakąś beznamiętną istotę pozaziemską obserwującą taką apokalipsę – postać podobną, być może, do Uatu The Watcher z Marvel Comics, i rolę, którą wiecznie teatralny wokalista przedstawi na koncercie, nosząc makijaż w kolorze day-glo i wielką, poszarpaną czapę.
4 Firth of Fifth
Tony Banks uważał, że teksty, które on i Mike Rutherford napisali do Firth of Fifth – highlight najlepszego albumu zespołu, 1973’s Selling England by the Pound – były jednymi z najgorszych w jego karierze, a wersy takie jak „The mountain cuts off the town from view / Like a cancer growth is removed by skill” sugerują, że nie jest on fałszywie skromny. Ale znaczna radość z Firth of Fifth nie leży w słowach, ale w rozkwitającym preludium fortepianowym Banksa, wznoszącym się prog-rockowym hymnie jego głównej części i sposobie, w jaki zespół powraca do otwierającego utworu Banksa jako zespół na końcowe pięć minut. W rzeczy samej, ta pełna zachwytu sekcja końcowa – śpiewna gitara Hacketta, muskularna i pomysłowa perkusja Collinsa, futurystyczne syntezatory Banksa – jest świadectwem, że Genesis to rzadkość wśród proggersów, zespół, który nigdy nie pozwolił, by jego techniczna biegłość rozlała się w bezsensowny nadmiar, ani nie przytłoczyła ich wyczucia piosenki. A muzyka, którą grają w ciągu tych pięciu minut jest o wiele bardziej skuteczna jako podnosząca na duchu oda do piękna natury niż te toporne teksty.
5 I Know What I Like (In Your Wardrobe)
Potem, pośród ich 10-minutowych epopei i 22-minutowych cykli piosenek, Genesis upuściło swój pierwszy niespodziewany popowy klejnot. Trwający nieco ponad cztery minuty „I Know What I Like” wznosi się z ciepłym blaskiem, po czym wpada w groove podobny do „Hole in my Shoe” zespołu Traffic, hippisowską zadumę, która pasuje do luzackiego klimatu piosenki jak para dopasowanych spodni typu bell-bottom. Antybohater piosenki jest odmieńcem, jak wszyscy inni w śpiewniku Gabriela, porzucającym naukę, zadowolonym ze swojego życia kosiarza, pomimo nieprzychylnych szeptów sąsiadów z przedmieścia. Jego bunt jest zanurzony w zrzędzącym, leniwym sitarowym liźnięciu, zawadiackim śpiewnym refrenie i solówce na flecie, którą Pan’s People bez wątpienia zinterpretowali poprzez taniec, kiedy piosenka pojawiła się na Top Of The Pops po osiągnięciu 21 miejsca na listach przebojów (materiał filmowy, który niestety nie dotarł jeszcze na Youtube).
6 In the Cage
Do 1974 roku, napięcia w Genesis były coraz większe. Coraz częściej postrzegany przez prasę jako lider rzekomo demokratycznej grupy, zamiłowanie Gabriela do dziwacznych kostiumów scenicznych – noszenie głowy lisa, ubieranie się jak kwiat lub strój wikariusza, jak wymagała tego piosenka – zostało oskarżone przez Banksa i innych o przyćmienie muzyki. Na krótko opuścił grupę po przyjęciu propozycji od reżysera Egzorcysty Williama Friedkina, by pracować nad scenariuszem filmowym, ale powrócił przed rozpoczęciem prac nad szóstym albumem Genesis, The Lamb Lies Down on Broadway. Ten album to koncepcyjny utwór, zainspirowany filmem Jodorowsky’ego „El Topo”, który śledzi podróż nowojorskiego dzieciaka z ulicy do mrocznego, mistycznego podziemnego królestwa, aby uratować swojego brata przed przerażającymi bestiami. W zerwaniu z tradycją Genesis, Gabriel sam napisał wszystkie teksty do Lamb, przemieszczając się pomiędzy studiem nagraniowym w Headley Grange a Londynem, gdzie jego żona i pierwsze dziecko wracali do zdrowia w szpitalu po traumatycznym porodzie. Ponieważ koledzy z zespołu naciskali na niego, by więcej czasu poświęcał grupie, a mniej rodzinie, kuszące jest odczytanie Lamb – który według Collinsa był albumem o rozdwojeniu jaźni – jako metafory rozdartych wierności Gabriela. Z pewnością najważniejszy punkt albumu, In the Cage, wydaje się być autobiograficzny, Gabriel śpiewa „I’ve got sunshine in my stomach/ Like I just rocked my baby to sleep”, zanim ckliwe otwarcie ustąpi miejsca coraz ciaśniejszemu i bardziej frenetycznemu progresywnemu treningowi, riffowi zacieśniającemu się, klaustrofobicznemu, gdy Gabriel śpiewa o byciu uwięzionym i torturowanym, „Holding still/ pinned for kill … in this cushioned straitjacket”. Lamb był jak dotąd najodważniejszym albumem Genesis, a związana z nim trasa koncertowa ich najambitniejszym przedsięwzięciem, audio-wizualną ekstrawagancją, podczas której Gabriel przebrany był za groteskowego potwora pokrytego krostami i pozornie materializował się po obu stronach sceny jednocześnie. Był to jednak również jego ostatni występ. W 1975 roku odszedł z Genesis, by rozpocząć karierę solową, co doprowadziło zespół do rozpadu. The Lamb Lies Down on Broadway jest zastanawiająco nieobecny na Spotify; proszę zaakceptować tę wersję na żywo.
7 Turn It On Again
Odejście Gabriela ostatecznie przyniosło Genesis największy komercyjny sukces w ich karierze, ponieważ perkusista Phil Collins przejął mikrofon i poprowadził grupę z dala od progresji i w kierunku bardziej opływowego nowoczesnego rocka, osiągając po drodze niewyobrażalne wcześniej przeboje. Pierwsze trzy albumy Collinsa jako wokalisty uchwyciły zespół w okresie przejściowym, ale do 1980 roku Duke zrzucił poczwarkę i zlokalizował brzmienie, które tak lukratywnie kontynuował przez resztę dekady. Ten rozwój był najwyraźniejszy w Turn It on Again: podczas gdy piosenka przeskakiwała pomiędzy czterema różnymi znakami czasowymi w ciągu czterech minut, centralny riff gitarowy Rutherforda był prosty i skuteczny, podczas gdy wokal Collinsa porzucił ostrą angielskość z przeszłości na rzecz środkowo-atlantyckiego drawl’u, który dobrze grałby w amerykańskim radiu. Prognozujący płakali, ale przyszłość należała do tego wcielenia Genesis, a plejada uzależniających hooków Turn It on Again zdobyła ich pierwszy singiel z pierwszej dziesiątki.
8 Duchess
Ale Genesis nie odwrócili się całkowicie od swoich progresywnych korzeni. Turn It on Again był w rzeczywistości częścią suity tematycznie powiązanych utworów w ramach Duke’a komponującego mini-suitę w stylu Supper’s Ready, choć grupa nie przyznała się do tego publicznie w tamtym czasie. Duchess – jeden z najlepszych utworów w całej dyskografii Genesis – opowiadał historię wzlotu i upadku divy, z uduchowionym wokalem Collinsa napędzanym przez napędzające akordy fortepianu Banksa i prawdziwie kolosalną perkusję. Jednak przy całej swej hymniczności, najbardziej urzekające momenty Duchess to intro i outro: ambientowe, elementarne pasaże programowanej elektronicznej perkusji, które sugerują, że zespół zwracał uwagę na eksperymentalną twórczość Briana Eno. To prawdopodobnie nie był przypadek, biorąc pod uwagę, że Collins był stałym współpracownikiem Eno od czasu gry na perkusji w utworze Taking Tiger Mountain (By Strategy), jako rewanż za wkład Eno w The Lamb Lies Down on Broadway. Wraz z powściągliwymi syntezatorami Banksa, impulsy automatu perkusyjnego wyczarowują hipnotyczny i sugestywny pejzaż dźwiękowy, który jest zwiewny i futurystyczny. Collins miał dalej odkrywać dramatyczny potencjał automatów perkusyjnych, zarówno z Genesis, jak i oczywiście na swoim pierwszym solowym singlu In the Air Tonight.
9 Abacab
„Less is more” wydawało się etosem dla kolejnego albumu Genesis – Abacab. „Punk odcisnął pewne piętno” – przyznał Collins, a to może być trudne w samoświadomym tupocie Who Dunnit? W międzyczasie na albumie znalazła się również pełna energii popowa współpraca z sekcją rogów Earth Wind & Fire w No Reply At All. Potężny utwór tytułowy podsumowuje to, co Tony Banks opisał jako ogólny „nieromantyczny” charakter albumu: oszczędny i zimny dżem o zwiewnej, spacyfikowanej jakości bardziej przypominającej Eno lub Krautrock niż cokolwiek z katalogu Genesis. Utwory otrzymały dodatkowy ciężar dzięki inżynierowi Hugh Padghamowi, który opracował charakterystyczny efekt „bramkowania” dla ścieżek perkusji Collinsa, który zdominował rock lat 80-tych.
10 Domino
Do 1986 roku Collins stał się jedną z największych światowych gwiazd, jako że soul-rockowe konfekty jego solowych albumów doprowadziły go do multi-platynowego sukcesu i rozwijającej się kariery filmowej. Wiele z tegorocznego albumu Genesis „Invisible Touch” – jego jasny, wypolerowany popowy utwór tytułowy, agit-rock okresu wyżu demograficznego „Land of Confusion”, prawdziwie wzruszająca ballada „Throwing It All Away” – z łatwością zmieściłoby się na jego solowych albumach. Domino, jednakże, było inne. Ten utwór to fuzja wszystkiego, czym Genesis kiedykolwiek było i czym teraz się stało: 11-minutowa wieloczęściowa epopeja zagrana z minimalnym atakiem Abacab, nawiedzający In the Glow of the Night ustępujący miejsca hymnicznej synth-rockowej bombastyczności The Last Domino. Invisible Touch stał się najbardziej udanym albumem Genesis, a trasa koncertowa zakończyła się czterema wyprzedanymi nocami na stadionie Wembley. Zostały one sfilmowane na potrzeby późniejszego filmu koncertowego, który obfitował w dowody – od pozbawionej głowy gitary Rutherforda, do wywołującej grymas twarzy Collinsa w stylu Blues Brothers podczas zamykającego koncert medleya klasyków soulowych – najgorszych ekscesów epoki. Domino okazało się jednak ostatnim wytryskiem błyskotliwości przed nijakością „We Can’t Dance” z 1991 roku i niewytłumaczalnym, pozbawionym Collinsa „Calling All Stations” z 1997 roku.
{{topLeft}}
{{bottomLeft}}
{{topRight}}
{{bottomRight}}
.
{{/goalExceededMarkerPercentage}}
{{/ticker}}
{{heading}}
{{#paragraphs}}
{{.}}
{{/paragraphs}}{{highlightedText}}
- Share on Facebook
- Share on Twitter
- Share via Email
- Share on LinkedIn
- Share on Pinterest
- Share on WhatsApp
- Share on Messenger
.