DevelopmentEdit
-Walt Disney
W 1940 roku Walt Disney wypuścił Fantazję, swój trzeci pełnometrażowy film animowany, składający się z ośmiu animowanych segmentów ustawionych do utworów muzyki klasycznej. Początkowo planował mieć film na ciągłej premiery z nowych segmentów zastępujących starszych, więc widzowie nigdy nie zobaczyć ten sam film dwa razy. Pomysł ten został zarzucony po początkowych niskich wpływach kasowych i mieszanych opiniach krytyków. Po wstępnych pracach nad nowymi segmentami, pomysł został odłożony na półkę w 1942 roku i nie powrócono do niego przez resztę życia Disneya. W 1980 roku animatorzy Wolfgang Reitherman i Mel Shaw rozpoczęli wstępne prace nad Musicaną, pełnometrażowym filmem „mieszającym jazz, muzykę klasyczną, mity, sztukę współczesną… na wzór starej Fantazji”, który miał przedstawiać „etniczne opowieści z całego świata z muzyką różnych krajów”. Projekt został anulowany na rzecz Mickey’s Christmas Carol (1983).
Pomysł sequela Fantazji odżył krótko po tym, jak Michael Eisner został dyrektorem naczelnym The Walt Disney Company w 1984 roku, gdy bratanek Walta, wiceprezes Roy E. Disney, zasugerował mu to podczas lunchu, coś, co po raz pierwszy przyszło mu do głowy dziesięć lat wcześniej. Disney wspominał swoją reakcję: „To było tak, jakby nad jego głową zapaliła się wielka żarówka. Pomysł był kuszący, ale nie mieliśmy środków, aby go zrealizować”. Prezes Walt Disney Studios, Jeffrey Katzenberg, wykazywał brak zainteresowania filmem. Poprosił on kiedyś André Previna o pracę nad filmem Fantazja, ale Previn odmówił, gdy dowiedział się, że w filmie miały się znaleźć piosenki Beatlesów, a nie muzyka klasyczna. Eisner zwrócił się z tym samym pomysłem do Leonarda Bernsteina, ale choć ten wydawał się entuzjastycznie nastawiony, zmarł przed rozpoczęciem produkcji. Minęło kolejnych siedem lat, zanim film został uznany, po tym jak w 1990 roku reedycja Fantazji zarobiła w kraju 25 milionów dolarów, a jej domowe wydanie wideo w 1991 roku przyniosło 9,25 miliona zamówień przedpremierowych. Disney uznał sukces komercyjny filmu za znak, że zainteresowanie publiczności serią Fantazja jest wystarczające, by nakręcić sequel. Eisner ostatecznie dał zielone światło dla filmu w 1991 roku i zgodził się, aby Disney pełnił funkcję producenta wykonawczego, pod warunkiem, że produkcja zostanie sfinansowana z wpływów ze sprzedaży wideo. Disney przypisał Donald W. Ernst jako producent i Hendel Butoy jako dyrektor nadzorczy, który lubił swoją pracę z The Rescuers Down Under (1990).
Podczas poszukiwań odpowiedniego dyrygenta, Disney i Walt Disney Feature Animation prezes Thomas Schumacher zaprosił Metropolitan Opera dyrygent James Levine i kierownik Peter Gelb do spotkania we wrześniu 1991 roku. Disney wspominał: „Zapytałem Jamesa, co sądzi o trzyminutowej wersji piątej symfonii Beethovena. Zrobił pauzę i powiedział 'Myślę, że odpowiednie trzy minuty byłyby piękne'”. W listopadzie 1992 roku Disney, Schumacher, Levine, Gelb i Butoy spotkali się w Wiedniu, by przedyskutować opracowaną kolekcję story reeli, z których jeden to Pines of Rome, który od razu przypadł Levine’owi do gustu. Butoy opisał entuzjazm Levine’a w stosunku do filmu jako „jak dziecko w sklepie z cukierkami”. Ponieważ Katzenberg nadal wyrażać pewną wrogość wobec filmu, Disney odbyła spotkania rozwoju bez niego i zgłosił się bezpośrednio do Eisner zamiast, coś, co autor James B. Stewart napisał „byłoby nie do pomyślenia na każdym innym przyszłym projekcie animacji.”
Produkcja rozpoczęła się pod roboczym tytułem Fantazja kontynuowana z wydania w 1997 roku. Tytuł został zmieniony na Fantazja 1999, a następnie Fantazja 2000, aby zbiegać się z jego premiery kinowej w 2000 roku. Disney stworzył początkowy porządek z połową programu Fantazji i tylko „trzema lub czterema nowymi numerami”, mając na celu wydanie „pół-nowego filmu”. Zdając sobie sprawę, że pomysł ten nie wypali, utrzymał trzy segmenty Fantazji – Uczeń czarnoksiężnika, Suitę dziadka do orzechów i Taniec godzin – w programie przez „dość długi czas”. Night on Bald Mountain był dla niego najtrudniejszym do usunięcia segmentem z pierwotnej kolejności, ponieważ był jednym z jego ulubionych. Umieścił go w środku filmu bez Ave Maria, ale uznał, że to nie działa i zrezygnował z tego pomysłu. Później zrezygnowano z Tańca godzin, a Suitę Dziadka do orzechów zastąpiono Rapsodią w błękicie w ciągu ostatnich kilku miesięcy produkcji po reakcji na liczne pokazy testowe. Disney zachował The Sorcerer’s Apprentice w ostatecznym programie jako hołd dla Fantazji. Segment został poddany cyfrowej rekonstrukcji przez Cinesite w Los Angeles. Disney rozważał użycie Clair de Lune, utworu pierwotnie stworzonego dla Fantazji, który podążał za dwoma wielkimi białymi czaplami lecącymi nocą przez Everglades, ale uznał, że jest on „dość nudny”. Pomysł, aby mieć „koszmar i sen walczący o duszę śpiącego dziecka” do Rapsodii na temat Paganiniego Siergieja Rachmaninowa był w pełni storyboardowany, ale upadł.
SegmentyEdit
Symfonia nr 5Edit
Symfonia nr 5 jest abstrakcyjnym segmentem stworzonym przez Pixote Hunta z rozwojem historii przez Kelvina Yasudę. W grudniu 1997 roku, po odrzuceniu propozycji od czterech innych animatorów, Disney i Ernst poprosili Hunta o jego pomysły. Hunt po raz pierwszy wymyślił tę historię podczas porannego spaceru w Pasadenie w Kalifornii, przedstawiającą bitwę „dobrych” wielobarwnych kształtów ze „złymi” ciemnymi oraz sposób rozwiązania konfliktu. Ukończenie tego segmentu zajęło Huntowi około dwóch lat, od początku do końca. Disney i Ernst zdecydowali się zrealizować pomysł Hunta; Hunt unikał tworzenia całkowicie abstrakcyjnego dzieła, ponieważ „na każdym ekranie komputera można z łatwością uzyskać coś abstrakcyjnego”. Hunt podzielił segment na 31 mini-scenek, notując punkty, w których używał żywych kolorów, gdy muzyka była jasna i płynna, a następnie przechodził do ciemniejszych odcieni, gdy muzyka wydawała się ciemniejsza i gęstsza. Aby zainspirować się sposobem poruszania się kształtów, Hunt i jego współpracownicy odwiedzili zoo w San Diego, farmę motyli i obserwowali w zwolnionym tempie nagrania nietoperzy. Segment łączy ręcznie rysowane tła przy użyciu pasteli i farb, które zostały zeskanowane do Computer Animation Production System (CAPS), oraz generowane komputerowo obrazy (CGI) abstrakcyjnych kształtów i efektów, które zostały nałożone na wierzch. Hunt wyjaśnił, że skanowanie każdego rysunku „to była jednorazowa akcja”, ponieważ płyta dociskająca zmieniała pastel po jego zeskanowaniu. W pewnym momencie produkcji, Hunt i Yasuda wykonali 68 rysunków pastelowych w ciągu ośmiu dni. Segment został wyprodukowany przy użyciu oprogramowania do animacji Houdini.
Pines of RomeEdit
Pines of Rome był pierwszym utworem, który Disney zaproponował do filmu, jak również pierwszym, który został animowany; projekty pojawiły się w dziennikach studia już w październiku 1993 roku. Butoy pełnił funkcję reżysera, a James Fujii zajął się historią. Otwarcie dzieła dało Disneyowi pomysł „czegoś latającego”. Butoy naszkicował sekwencję na żółtych karteczkach Post-it. Początkowo historia zakładała, że wieloryby będą latać z perspektywy grupy pingwinów, ale pomysł ten został porzucony, aby uczynić małego wieloryba centralną postacią. Wieloryby miały również powrócić na Ziemię, ale Butoy powiedział, że „nigdy nie czuło się tego do końca dobrze”, co doprowadziło do decyzji, aby przebić się przez sufit chmur i wejść do innego świata przez supernową. Butoy stworzył dla animatorów „muzyczny wykres intensywności”, który „śledził wzloty i upadki muzyki … jak muzyka się rozjaśnia, tak samo kolor” i na odwrót. Wyjaśnił, że ponieważ CGI było w powijakach podczas tworzenia filmu, pierwsza jedna trzecia segmentu została narysowana ręcznie ołówkiem, aby poczuć, jak wieloryby będą się poruszać. Kiedy rysunki zostały zeskanowane do systemu CAPS, Butoy stwierdził, że wieloryby poruszają się albo zbyt szybko, albo mają mniejszą masę. Rysunki zostały zmienione tak, aby wieloryby zwolniły i stały się „bardziej wiarygodne”. Oczy wielorybów zostały narysowane ręcznie, ponieważ pożądane spojrzenia nie były w pełni osiągalne przy użyciu CGI. Zespół zdecydował się napisać kod komputerowy od podstaw, ponieważ tradycyjna animacja byłaby zbyt czasochłonna i przyniosłaby niepożądane rezultaty. Kod obsługujący stado wielorybów został napisany tak, by w razie zderzenia wieloryby odsuwały się, a nie wpadały na siebie, nie zachodziły na siebie i nie przechodziły przez siebie. Ta sama technika została użyta w scenie popędzania w Królu Lwie (1994), która została wyprodukowana w tym samym czasie.
Rhapsody in BlueEdit
Rhapsody in Blue to pierwszy segment Fantazji z muzyką amerykańskiego kompozytora George’a Gershwina. Pochodzi z 1992 roku, kiedy reżyser i animator Eric Goldberg zwrócił się do Ala Hirschfelda o pomysł animowanego krótkiego zestawu do kompozycji Gershwina w stylu ilustracji Hirschfelda. Hirschfeld zgodził się pełnić rolę konsultanta artystycznego i pozwolił animatorom wykorzystać i zaadaptować na potrzeby tego segmentu swoje wcześniejsze prace. Żona Goldberga, Susan, była dyrektorem artystycznym. Imię Duke’a pochodzi od nazwiska artysty jazzowego Duke’a Ellingtona. Na spodzie tubki jego pasty do zębów widnieje napis „NINA”, Easter egg nawiązujący do córki Hirschfelda, Niny. Rachel została zaprojektowana po córce Goldbergów, a John jest oparty na historyku animacji i autorze Johnie Culhane’ie oraz karykaturze Alexandra Woollcotta autorstwa Hirschfelda. Goldberg wziął oryginalną ilustrację Hirschfelda przedstawiającą Gershwina i ożywił ją tak, aby umożliwić mu grę na fortepianie. W tłumie wychodzącym z hotelu pojawiają się Brooks Atkinson i Hirschfeld oraz jego żona Dolly Haas. Segment został ukończony dwa miesiące przed planowanym terminem. Mimo to sekwencja była tak chromatycznie złożona, że proces renderowania z wykorzystaniem systemu CAPS opóźnił prace nad Tarzanem.
Koncert fortepianowy nr 2Edit
Koncert fortepianowy nr 2 został wyreżyserowany przez Butoya z dyrektorem artystycznym Michaelem Humphriesem. Powstał w latach trzydziestych, kiedy Walt Disney chciał zaadaptować zbiór baśni Hansa Christiana Andersena na film animowany. Artyści wykonali serię wstępnych projektów opartych na opowiadaniach, m.in. do Niezłomnego blaszanego żołnierza z 1938 roku autorstwa Bianki Majolie, które przechowywane były w bibliotece studia animacji i wykorzystane w książce Disneya z 1991 roku, w której opowiedziano tę historię wraz ze szkicami storyboardów. Kiedy Disney zaproponował wykorzystanie utworu Szostakowicza, Butoy przewertował książkę i stwierdził, że struktura opowieści pasuje do muzyki. Kiedy Humphries zobaczył szkice, zaprojektował segment z myślą o dziełach Caravaggia i Rembrandta, aby nadać mu „ponadczasowy” charakter, jednocześnie utrzymując kolory „tak romantyczne, jak to tylko możliwe” w scenach, kiedy żołnierz i baletnica po raz pierwszy się poznają. Materiał filmowy przedstawiający prawdziwą balerinę został wykorzystany jako przewodnik dla ruchów baleriny zabawki. Butoy uznał, że Jack-in-a-box jest trudną postacią do zaprojektowania i animowania ze względu na sprężynową podstawę i sposób, w jaki poruszał się wraz z pudełkiem. Jego wygląd ulegał licznym zmianom, częściowo z powodu braku materiałów referencyjnych dostępnych dla zespołu.
Odcinek ten był pierwszym przypadkiem, gdy studio Disneya stworzyło głównych bohaterów filmu w całości za pomocą CGI; wcześniej tylko tła, postacie drugo- i trzecioplanowe były produkowane przy użyciu CGI. Początkowo Butoy poprosił Pixar Animation Studios o zajęcie się grafiką komputerową, ale artysta CGI Steve Goldberg przekonał go, by pozwolił własnemu zespołowi Disneya na produkcję. Tła zostały wykonane ręcznie. Pierwotnie sekwencja kanalizacji zawierała przyjazne szczury, które wykonywały komiczne gagi, ale ekipa uznała, że nie pasuje to do nastroju reszty segmentu. Kanalizacja stała się bardziej przerażającym środowiskiem, co według Butoya było „tym, co podpowiadała nam muzyka”. Animacja deszczu z filmu Bambi (1942) została zeskanowana do systemu CAPS i cyfrowo zmieniona tak, by pasowała do segmentu. Końcówka miała zawierać oryginalne zakończenie z żołnierzem i baletnicą topiącymi się w ogniu, ale muzyka była zbyt skoczna, by ją animować i została zmieniona. Fragment segmentu został pokazany na konferencji SIGGRAPH w 1998 roku.
The Carnival of the Animals, FinaleEdit
The Carnival of the Animals, Finale został wyreżyserowany przez Goldberga; jego żona Susan była jego dyrektorem artystycznym. Pomysł wyszedł od animatora Joe Granta, jednego z dwóch dyrektorów fabularnych Fantazji, któremu podobały się strusie w Tańcu godzin. Kiedy rozpoczęto prace nad Fantazją 2000, Grant zasugerował pomysł, aby jeden ze strusi grał z jo-jo do ostatniej części Karnawału zwierząt. Później strusie zostały zamienione na flamingi, ponieważ Disney chciał uniknąć ponownego wprowadzania postaci z oryginalnego filmu i uznał, że flamingi będą wyglądały bardziej kolorowo na ekranie. Goldberg był częściowo zainspirowany przez współreżysera Mike’a Gabriela, który bawił się jo-jo, gdy miał przerwę w pracy nad Pocahontas (1995). Segment został zrealizowany przy użyciu CGI i 6000 akwarel na grubym papierze. Susan wybrała do tego segmentu wyrazistą paletę kolorów, którą porównała do stylu hawajskiej koszuli. The Goldbergs i ich zespół odwiedzili zoo w Los Angeles i San Diego, aby zbadać anatomię i ruch flamingów.
Uczeń czarnoksiężnikaEdit
Uczeń czarnoksiężnika był wcześniej z pierwszego filmu, podczas gdy Yen Sid i Myszka Miki są w tym segmencie.
Pomp and CircumstanceEdit
Eisner zasugerował Pomp and Circumstance jako utwór po tym, jak uczestniczył w zakończeniu studiów i pomyślał, że jego znajomość nadawałaby się do segmentu Fantazji. Jego pomysł zakładał wybór księżniczek i bohaterów Disneya w orszaku ślubnym, niosących swoje przyszłe dzieci, które następnie zostaną zaprezentowane podczas ceremonii. Wstępne projekty animatorów przedstawiały scenerię grecko-rzymską; jeden z pracowników opisał te prace jako „przerażające nadużycie” postaci. Eisner zgodził się porzucić tę historię, ale nalegał na wykorzystanie muzyki. Po wielu pomysłach zostały odrzucone ze względu na trudności w napisaniu jasnej fabuły, animator i reżyser Francis Glebas wpadł na pomysł Arki Noego, który zatytułował Donald’s Last Roundup!, później przemianowany na Noah’s Duck, i przedstawił go myśląc, że jest „naładowany komicznymi możliwościami”.
The FirebirdEdit
Na zakończenie filmu, Disney chciał utwór, który był „emocjonalnie równoważny” do segmentów Night on Bald Mountain i Ave Maria, które zamykały Fantazję. Disney wybrał Ognistego Ptaka jako utwór do wykorzystania po tym jak „pół tuzina” innych zostało odrzuconych, w tym IX Symfonia Beethovena i „Chór Alleluja” z Mesjasza Haendla. Disney wpadł na pomysł zniszczenia i odnowienia Ziemi po minięciu góry St. Helens po jej erupcji w 1980 roku. Francuscy bliźniacy Paul i Gaëtan Brizzi z paryskiego studia Disneya zostali zatrudnieni do wyreżyserowania tego segmentu. Sprite jest podobną do Dryad istotą z mitologii greckiej. Jej forma zmienia się sześciokrotnie; jest wprowadzana jako Water Sprite, która sadzi kwiaty jako Flower Sprite. Staje się Neutralnym Sprite, gdy jej szlak wzrostu zatrzymuje się i Popielnym Sprite, gdy las został zniszczony. Segment kończy się z nią jako Rain-Wave Sprite, a następnie Grass Sprite. Pierwotnie segment kończył się w formie płynącej rzeki, która wznosiła się do nieba i przekształcała w Sun Sprite, ale zrezygnowano z tego. Poroże łosia zostało wykonane w technologii CGI i umieszczone na jego ciele, które zostało narysowane tradycyjnie. Segment został wyprodukowany przy użyciu oprogramowania animacyjnego Houdini.
MusicEdit
Muzyka do Ucznia czarnoksiężnika została już nagrana 9 stycznia 1938 roku na potrzeby pierwszego filmu w Culver Studios w Kalifornii z Leopoldem Stokowskim dyrygującym grupą muzyków sesyjnych. Nagranie Błękitnej rapsodii użyte w filmie jest zmontowaną wersją orkiestracji utworu Ferde Grofé w wykonaniu Philharmonia Orchestra z dyrygentem Brucem Broughtonem. Wersja skrócona powstała poprzez wycięcie 125 taktów fortepianowego solo w trzech różnych miejscach. Nagranie Jamesa Levine’a dyrygującego obydwoma utworami z Philharmonia pojawia się na ścieżce dźwiękowej filmu.
Pozostałe sześć utworów zostało nagranych w Medinah Temple w Chicago, w wykonaniu Chicago Symphony Orchestra pod dyrekcją Levine’a. Pines of Rome został zaaranżowany na nowo w 1993 roku przez Bruce’a Coughlina, który zredukował czteroczęściowy utwór poprzez skrócenie części drugiej oraz przycięcie fragmentów części trzeciej i czwartej. Nagranie utworu odbyło się 28 marca 1994 roku. Drugie nagranie dotyczyło V Symfonii, Karnawału zwierząt oraz Pomp and Circumstance i odbyło się 25 kwietnia 1994 roku. W Karnawale zwierząt, Finale wykorzystano dwa fortepiany, na których zagrali Gail Niwa i Philip Sabransky. Pomp and Circumstance zostało zaaranżowane przez Petera Schickele i zawiera Chicago Symphony Chorus oraz solistkę sopranową Kathleen Battle. Kolejne nagranie miało miejsce 24 kwietnia 1995 roku i dotyczyło II Koncertu fortepianowego z pianistą Yefimem Bronfmanem. Ostatnim utworem nagranym 28 września 1996 roku był Ognisty ptak, którego sesja trwała trzy godziny. Utwór został zaaranżowany przy użyciu czterech sekcji z rewizji partytury Strawińskiego z 1919 roku.
InterstitialsEdit
Disney czuł potrzebę utrzymania interstitials (mostków), jak to było używane w Fantazji, aby dać widzom szansę na „oczyszczenie ich emocjonalnego podniebienia” z poprzedniego segmentu, jednocześnie dostarczając pewnych informacji o następnym. Don Hahn wyreżyserował sceny akcji na żywo, które zostały zaprojektowane przez Pixote Hunt. Hahn wymyślił scenografię i tła podczas jedzenia lunchu; przystąpił do szkicowania na serwetce wstępnej koncepcji tego, co sobie wyobrażał. Chciał „pokazać obrazy o kształtach przypominających wielkie żagle statku klipera. Lecą na wietrze i tworzą coś w rodzaju sali koncertowej Stonehenge w środku rozległej, pustej, wyimaginowanej równiny”.
Hahn wspominał pewne trudności ze znalezieniem kogoś, kto mógłby poprowadzić film, więc studio postanowiło wykorzystać grupę artystów i muzyków z różnych dziedzin rozrywki. Przerywniki były kręcone w różnych miejscach; orkiestra, Jones, Lansbury i Bronfman byli kręceni w Los Angeles, Perlman i Midler w Nowym Jorku, a inni w Bostonie, Massachusetts. Każda scena została nakręcona przed zielonym ekranem, co pozwoliło na umieszczenie za nimi ujęć orkiestry lub planu filmowego. Ujęcia Levine’a, artystów i orkiestry zostały nakręcone 31 października 1998 roku. Fortepian, na którym Grierson gra w scenie z Jonesem jest tym samym, na którym grał Rhapsody in Blue na potrzeby ścieżki dźwiękowej.