DevelopmentEdit
-Walt Disney
In 1940 bracht Walt Disney Fantasia uit, zijn derde tekenfilm, bestaande uit acht geanimeerde segmenten op stukken klassieke muziek. Aanvankelijk was hij van plan de film continu uit te brengen met nieuwe segmenten ter vervanging van oudere, zodat het publiek nooit twee keer dezelfde film zou zien. Het idee werd opgegeven na de aanvankelijk lage kassa-inkomsten van de film en een gemengde reactie van de critici. Na voorbereidend werk aan nieuwe segmenten werd het idee in 1942 in de ijskast gezet en werd het de rest van Disney’s leven niet meer herzien. In 1980 begonnen de animatoren Wolfgang Reitherman en Mel Shaw met het voorbereidende werk voor Musicana, een speelfilm “die jazz, klassieke muziek, mythen en moderne kunst vermengt… volgens het oude Fantasia-formaat” en die “etnische verhalen uit de hele wereld met de muziek van de verschillende landen” moest voorstellen. Het project werd geannuleerd ten gunste van Mickey’s Christmas Carol (1983).
Het idee van een Fantasia-vervolg werd nieuw leven ingeblazen kort nadat Michael Eisner in 1984 chief executive officer van The Walt Disney Company werd, toen Walt’s neef, vice-voorzitter Roy E. Disney, het tijdens een lunch aan hem voorstelde, iets dat tien jaar eerder voor het eerst in zijn gedachten opkwam. Disney herinnerde zich zijn reactie: “Het was alsof er een grote gloeilamp boven zijn hoofd ging branden. Het idee was aanlokkelijk, maar we hadden niet de middelen om het uit te voeren”. Walt Disney Studios voorzitter Jeffrey Katzenberg toonde een gebrek aan interesse in de film. Hij had ooit André Previn gevraagd om te werken aan een Fantasia film, maar Previn weigerde toen hij hoorde dat er liedjes van de Beatles in zouden zitten in plaats van klassieke muziek. Eisner benaderde Leonard Bernstein met hetzelfde idee, maar hoewel hij enthousiast leek, stierf Bernstein voordat de productie begon. Het duurde nog eens zeven jaar voordat de film werd overwogen, nadat de heruitgave van Fantasia in 1990 in eigen land 25 miljoen dollar opbracht en de home video release in 1991 9,25 miljoen voorbestellingen opleverde. Disney zag het commerciële succes als een teken dat er genoeg publieke belangstelling was voor de Fantasia-franchise om een vervolg te maken. Eisner gaf uiteindelijk het groene licht voor de film in 1991 en stemde ermee in dat Disney zou fungeren als uitvoerend producent op basis van het feit dat de productie werd gefinancierd door de opbrengsten van de video-verkoop. Disney wees Donald W. Ernst aan als producent en Hendel Butoy als commissaris, omdat zijn werk met The Rescuers Down Under (1990) hem beviel.
Tijdens de zoektocht naar een geschikte dirigent, nodigden Disney en Walt Disney Feature Animation president Thomas Schumacher Metropolitan Opera dirigent James Levine en manager Peter Gelb uit voor een vergadering in september 1991. Disney herinnerde zich: “Ik vroeg James wat zijn mening was over een drie minuten durende versie van Beethovens vijfde symfonie. Hij pauzeerde en zei ‘Ik denk dat de juiste drie minuten mooi zouden zijn'”. In november 1992 ontmoetten Disney, Schumacher, Levine, Gelb en Butoy elkaar in Wenen om te praten over een collectie verhalenrollen, waarvan Pines of Rome er één was, die Levine onmiddellijk beviel. Butoy beschreef Levine’s enthousiasme voor de film als “als een kind in een snoepwinkel”. Omdat Katzenberg zich vijandig bleef uitlaten over de film, hield Disney ontwikkelingsvergaderingen zonder hem en rapporteerde rechtstreeks aan Eisner, iets dat auteur James B. Stewart schreef “zou ondenkbaar zijn geweest op elk ander toekomstig animatieproject.”
De productie begon onder de werktitel Fantasia Continued met een release in 1997. De titel werd veranderd in Fantasia 1999, gevolgd door Fantasia 2000 om samen te vallen met de theatrale release in 2000. Disney vormde de initiële volgorde met de helft van het Fantasia programma en slechts “drie of vier nieuwe nummers” met het doel om een “semi-nieuwe film” uit te brengen. Toen hij zich realiseerde dat dit idee niet zou werken, hield hij drie Fantasia segmenten-The Sorcerer’s Apprentice, The Nutcracker Suite, en Dance of the Hours in het programma voor “een hele tijd”. Night on Bald Mountain was het moeilijkste segment voor hem om te verwijderen uit zijn oorspronkelijke volgorde, omdat het een van zijn favorieten was. Hij had het in het midden van de film geplaatst zonder Ave Maria, maar vond dat het niet werkte en schrapte het idee. Later werd Dance of the Hours geschrapt en werd The Nutcracker Suite vervangen door Rhapsody in Blue tijdens de laatste paar maanden van de productie na de reacties van talrijke test screenings. Disney behield The Sorcerer’s Apprentice in het uiteindelijke programma als een eerbetoon aan Fantasia. Het segment onderging een digitale restauratie door Cinesite in Los Angeles. Disney overwoog Clair de Lune te gebruiken, een stuk dat oorspronkelijk voor Fantasia was gemaakt en dat twee grote witte reigers volgde die ’s nachts door de Everglades vlogen, maar vond het “nogal saai”. Een idee om “een nachtmerrie en een droom te laten strijden om de ziel van een slapend kind” op Rhapsody on a Theme of Paganini van Sergei Rachmaninoff was volledig storyboarded, maar viel af.
SegmentenEdit
Symphony No. 5Edit
Symphony No. 5 is een abstract segment gemaakt door Pixote Hunt met verhaalontwikkeling door Kelvin Yasuda. In december 1997, na het afwijzen van pitches van vier andere animators, vroegen Disney en Ernst Hunt om zijn ideeën. Hunt bedacht het verhaal voor het eerst tijdens een ochtendwandeling in Pasadena, Californië, een verhaal over een strijd van “goede” veelkleurige vormen tegen “kwade” donkere vormen en hoe het conflict zichzelf oplost. Het kostte Hunt ongeveer twee jaar, van begin tot eind, om het segment te voltooien. Disney en Ernst besloten in te stemmen met het idee van Hunt; Hunt vermeed de productie van een volledig abstract werk omdat “je iets abstracts gemakkelijk op elk computerscherm kunt krijgen”. Hunt verdeelde het segment in 31 miniscènes en noteerde punten waarop hij levendige kleuren zou gebruiken als de muziek helder en vloeiend was, om vervolgens over te schakelen op donkerdere tinten als de muziek donkerder en dichter aanvoelde. Om inspiratie op te doen over hoe de vormen zouden bewegen, bezochten Hunt en zijn medewerkers de dierentuin van San Diego, een vlinderkwekerij, en observeerden ze slow motion beelden van vleermuizen. Het segment combineert handgetekende achtergronden met pastelkrijt en verf, die werden gescand in het Computer Animation Production System (CAPS), en computergegenereerde beelden (CGI) van abstracte vormen en effecten, die er bovenop werden gelegd. Hunt legde uit dat het scannen van elke tekening “een eenmalig gebeuren” was, omdat de drukplaat die erop drukte de pastel zou veranderen zodra hij gescand was. Op een bepaald moment tijdens de productie, voltooiden Hunt en Yasuda 68 pasteltekeningen in acht dagen. Het segment werd geproduceerd met behulp van Houdini animatie software.
Pines of RomeEdit
Pines of Rome was het eerste stuk dat Disney voorstelde voor de film, en ook het eerste dat werd geanimeerd; ontwerpen verschenen al in oktober 1993 in de dailies van de studio. Butoy was de regisseur en James Fujii tekende voor het verhaal. De opening van het stuk gaf Disney het idee van “iets vliegends”. Butoy schetste de sequentie op gele Post-it briefjes. Het verhaal hield oorspronkelijk in dat de walvissen rondvlogen vanuit het perspectief van een groep pinguïns, maar dat idee werd geschrapt om van de babywalvis een centraal personage te maken. Het was ook de bedoeling dat de walvissen zouden terugkeren naar de aarde, maar Butoy zei dat dit “nooit helemaal goed voelde”. Daarom besloot hij om ze door een wolkenplafond te laten breken en een andere wereld binnen te laten gaan bij de supernova. Butoy maakte een “muzikale intensiteitskaart” die de animatoren konden volgen en die “de ups en downs van de muziek volgde … als de muziek helderder wordt, wordt de kleur dat ook”, en vice versa. Hij legde uit dat, omdat CGI nog in de kinderschoenen stond tijdens de ontwikkeling, het eerste derde deel van het segment met de hand werd getekend met potlood om een gevoel te krijgen van hoe de walvissen zouden bewegen. Toen de tekeningen in het CAPS-systeem werden gescand, ontdekte Butoy dat de walvissen ofwel te snel bewogen ofwel minder gewicht in de schaal legden. De tekeningen werden aangepast om de walvissen langzamer en “geloofwaardiger” te maken. De ogen van de walvissen werden met de hand getekend, omdat de gewenste blikken en oogopslag niet volledig met CGI konden worden bereikt. Butoy herinnerde aan de uitdaging om het water zo natuurlijk mogelijk te laten verschijnen en bewegen; het team besloot om vanaf nul computercode te schrijven omdat traditionele animatie te tijdrovend zou zijn geweest en ongewenste resultaten zou hebben opgeleverd. De code voor de walvissen werd zo geschreven dat de walvissen weg zouden bewegen als ze zouden botsen en niet tegen elkaar zouden botsen, elkaar zouden overlappen of door elkaar heen zouden gaan. Dezelfde techniek werd gebruikt voor de stormloop-scène in The Lion King (1994), die in dezelfde tijd werd geproduceerd.
Rhapsody in BlueEdit
Rhapsody in Blue is het eerste Fantasia-segment met muziek van de Amerikaanse componist George Gershwin. Het ontstond in 1992 toen regisseur en animator Eric Goldberg Al Hirschfeld benaderde over het idee van een korte tekenfilm op Gershwin’s compositie in de stijl van Hirschfeld’s illustraties. Hirschfeld stemde ermee in om als artistiek adviseur op te treden en stond de animators toe om zijn eerdere werken te gebruiken en aan te passen voor het segment. Goldbergs vrouw Susan was art director. Duke is vernoemd naar jazz artiest Duke Ellington. Op de bodem van zijn tandpastatube staat “NINA”, een paasei dat verwijst naar Hirschfelds dochter Nina. Rachel werd ontworpen naar de dochter van de Goldbergs en John is gebaseerd op animatiehistoricus en auteur John Culhane en Hirschfeld’s karikatuur van Alexander Woollcott. Goldberg nam Hirschfeld’s originele illustratie van Gershwin en animeerde het om hem piano te laten spelen. In de menigte die uit het hotel opduikt zijn afbeeldingen te zien van Brooks Atkinson en Hirschfeld, samen met zijn vrouw Dolly Haas. Het segment werd twee maanden voor op schema voltooid. Desondanks was de sequentie zo chromatisch complex dat het renderproces met behulp van het CAPS-systeem het werk aan Tarzan vertraagde.
Piano Concerto No. 2Edit
Piano Concerto No. 2 werd geregisseerd door Butoy met art director Michael Humphries. Het ontstond in de jaren 1930 toen Walt Disney een verzameling sprookjes van Hans Christian Andersen wilde omzetten in een tekenfilm. De kunstenaars voltooiden een reeks voorlopige ontwerpen gebaseerd op de verhalen, waaronder die voor De standvastige tinnen soldaat uit 1938 van Bianca Majolie die werden bewaard in de studio’s animatie onderzoeksbibliotheek en gebruikt voor een Disney boek uit 1991 dat het verhaal navertelde vergezeld van de storyboard schetsen. Toen Disney voorstelde het stuk van Sjostakovitsj te gebruiken, bladerde Butoy door het boek en vond de structuur van het verhaal passen bij de muziek. Toen Humphries de schetsen zag, ontwierp hij het segment met werken van Caravaggio en Rembrandt in gedachten om het segment een “tijdloos” gevoel te geven, terwijl hij de kleuren “zo romantisch mogelijk” hield tijdens de scènes waarin de soldaat en de ballerina elkaar voor het eerst leren kennen. Live action beelden van een echte ballerina werden gebruikt als leidraad voor de bewegingen van de speelgoedballerina. Butoy vond de Jack-in-a-box een moeilijk personage om te ontwerpen en te animeren met zijn verende basis en hoe hij met de doos mee bewoog. Zijn uiterlijk onderging talrijke veranderingen, deels door het gebrek aan referentiemateriaal waarover het team beschikte.
Het segment markeerde de eerste keer dat de Disney-studio de hoofdpersonages van een film volledig met CGI maakte; alleen achtergronden, secundaire of tertiaire personages waren tot dan toe met CGI geproduceerd. Aanvankelijk vroeg Butoy aan Pixar Animation Studios om de computergraphics te verzorgen, maar CGI-kunstenaar Steve Goldberg overtuigde hem om Disney’s eigen team het te laten produceren. De achtergronden werden met de hand voltooid. Oorspronkelijk bevatte de afvoerscène vriendelijke ratten die komische grappen uithaalden, maar het team vond dat dit niet paste bij de sfeer van de rest van het segment. De afvoerkanalen werden een meer enge omgeving, iets wat volgens Butoy was “wat de muziek ons vertelde te doen”. De regenanimatie uit Bambi (1942) werd in het CAPS-systeem gescand en digitaal aangepast om in het segment te passen. Het einde zou het originele einde moeten zijn met de soldaat en de ballerina die in het vuur smelten, maar de muziek was te opzwepend om het te animeren en werd veranderd. Een fragment van het segment werd getoond op de SIGGRAPH conferentie van 1998.
The Carnival of the Animals, FinaleEdit
The Carnival of the Animals, Finale werd geregisseerd door Goldberg; zijn vrouw Susan was de art director. Het idee kwam van animator Joe Grant, een van de twee verhaal regisseurs van Fantasia die hield van de struisvogels in Dans der Uren. Toen de ontwikkeling voor Fantasia 2000 begon, opperde Grant het idee om een van de struisvogels te laten spelen met een jojo op het laatste deel van Het Carnaval der Dieren. De struisvogels werden later veranderd in flamingo’s, omdat Disney wilde voorkomen dat personages uit de oorspronkelijke film opnieuw geïntroduceerd zouden worden en dacht dat flamingo’s kleurrijker op het scherm zouden overkomen. Goldberg werd gedeeltelijk geïnspireerd door co-regisseur Mike Gabriel, die met een jojo speelde als hij pauzeerde van zijn werk aan Pocahontas (1995). Het segment werd geproduceerd met CGI en 6.000 waterverfschilderijen op zwaar bankpostpapier. Susan koos een uitgesproken kleurenpalet voor het segment, dat ze vergeleek met de stijl van een Hawaiiaans shirt. The Goldbergs en hun team bezochten de dierentuin in Los Angeles en San Diego om de anatomie en beweging van flamingo’s te bestuderen.
The Sorcerer’s ApprenticeEdit
The Sorcerer’s Apprentice was eerder uit de eerste film terwijl Yen Sid en Mickey Mouse in dit segment te zien zijn.
Pomp and CircumstanceEdit
Eisner stelde Pomp and Circumstance voor als stuk nadat hij een diploma-uitreiking had bijgewoond en dacht dat de bekendheid ervan geschikt zou zijn voor een Fantasia segment. Zijn idee betrof een selectie van Disney prinsessen en helden in een trouwstoet met hun toekomstige kinderen, die dan gepresenteerd zouden worden in een ceremonie. De voorlopige ontwerpen van de animatoren beeldden een Grieks-Romeins decor af; één van de medewerkers beschreef het artwork als “een afschuwelijk misbruik” van de personages. Eisner ging akkoord om het verhaal te laten vallen, maar stond erop dat de muziek gebruikt zou worden. Nadat vele ideeën waren geschrapt omdat het moeilijk was een duidelijk plot te schrijven, kwam animator en regisseur Francis Glebas met het idee voor de Ark van Noach, dat hij Donald’s Last Roundup noemde, later omgedoopt tot Noah’s Duck, en hij pitchte het met de gedachte dat het “vol zat met komische mogelijkheden”.
De VuurvogelEdit
Om de film af te sluiten, wilde Disney een stuk dat “emotioneel equivalent” was aan de Nacht op de Kale Berg en Ave Maria segmenten waarmee Fantasia werd afgesloten. Disney koos De Vuurvogel als het te gebruiken stuk nadat “een half dozijn” anderen waren geschrapt, waaronder Symfonie nr. 9 van Beethoven en het “Hallelujah Chorus” uit Messiah van Händel. Disney bedacht het idee van de vernietiging en vernieuwing van de aarde na het passeren van Mount St. Helens na de uitbarsting in 1980. De Franse tweeling Paul en Gaëtan Brizzi van Disney’s studio in Parijs werden ingehuurd om het segment te regisseren. De Sprite is een Dryade-achtig wezen uit de Griekse mythologie. Haar vorm verandert zes keer; ze wordt geïntroduceerd als een Water Sprite die bloemen plant als een Flower Sprite. Ze wordt een Neutrale Sprite als haar groeipad stopt en een As Sprite als het bos is verwoest. Het segment eindigt met haar als een Rain-Wave Sprite, gevolgd door de Grass Sprite. Het segment eindigde oorspronkelijk met de Sprite in de vorm van een stromende rivier die oprijst naar de hemel en transformeert in een Sun Sprite, maar dit werd verlaten. Het gewei van de eland werd geproduceerd door CGI en geplaatst bovenop zijn lichaam dat op traditionele wijze werd getekend. Het segment werd geproduceerd met behulp van Houdini animatie software.
MusicEdit
De muziek voor The Sorcerer’s Apprentice was al opgenomen op 9 januari 1938 voor de eerste film in de Culver Studios, Californië met Leopold Stokowski als dirigent van een groep sessiemuzikanten. De opname van Rhapsody in Blue die in de film wordt gebruikt is een bewerkte versie van Ferde Grofé’s orkestratie van het stuk, uitgevoerd door het Philharmonia Orchestra onder leiding van dirigent Bruce Broughton. De ingekorte versie werd gemaakt door op drie verschillende plaatsen 125 maten van de pianosolo weg te snijden. Een opname van James Levine die beide stukken dirigeert met het Philharmonia verschijnt op de soundtrack van de film.
De overige zes stukken werden opgenomen in de Medinah Temple in Chicago, uitgevoerd door het Chicago Symphony Orchestra onder leiding van Levine. Pines of Rome werd in 1993 opnieuw gearrangeerd door Bruce Coughlin, die het vierdelige stuk reduceerde door het tweede deel in te korten en delen van het derde en vierde deel weg te snijden. Het stuk werd opgenomen op 28 maart 1994. De tweede opname betrof Symfonie Nr. 5, Carnaval der dieren, en Pomp and Circumstance, op 25 april 1994. Carnival of the Animals, Finale gebruikt twee piano’s bespeeld door Gail Niwa en Philip Sabransky. Pomp and Circumstance werd gearrangeerd door Peter Schickele en bevat het Chicago Symphony Chorus en sopraansoliste Kathleen Battle. De volgende opname vond plaats op 24 april 1995 voor Piano Concerto No. 2 met pianist Yefim Bronfman. Op 28 september 1996 was De Vuurvogel het laatste stuk dat werd opgenomen; de sessie duurde drie uur. Het stuk werd gearrangeerd met behulp van vier secties uit Stravinsky’s 1919 revisie van de partituur.
InterstitialsEdit
Disney voelde de noodzaak om interstitials (bruggen) te behouden zoals gebruikt in Fantasia om het publiek een kans te geven om “hun emotionele gehemelte te reinigen” van het vorige segment, terwijl ze ook wat informatie geven over het volgende segment. Don Hahn regisseerde de live actie scènes die werden ontworpen door Pixote Hunt. Hahn bedacht de set en de achtergronden terwijl hij aan het lunchen was; hij schetste een ruw idee van wat hij zich voorstelde op een servet. Hij “wilde beelden laten zien op vormen als grote zeilen van een klipper schip. Ze vliegen op de wind en vormen een soort Stonehenge concertzaal in het midden van een uitgestrekte, lege, denkbeeldige vlakte”.
Hahn herinnerde zich dat het moeilijk was iemand te vinden om de film te presenteren, dus besloot de studio een groep artiesten en muzikanten uit verschillende amusementsgebieden in te zetten. De interstitials werden op verschillende locaties gefilmd; het orkest, Jones, Lansbury en Bronfman werden in Los Angeles opgenomen, Perlman en Midler in New York City, en anderen in Boston, Massachusetts. Elke scène werd gefilmd voor een groen scherm, zodat opnamen van het orkest of de set achter hen konden worden geplaatst. De opnamen van Levine, de artiesten en het orkest zijn gemaakt op 31 oktober 1998. De piano die Grierson bespeelt in zijn scène met Jones is dezelfde waarop hij Rhapsody in Blue speelde voor de soundtrack.