DevelopmentEdit
-Walt Disney
Em 1940, Walt Disney lançou Fantasia, seu terceiro longa-metragem de animação, composto por oito segmentos animados, com peças de música clássica. Inicialmente, ele planejava ter o filme em lançamento contínuo com novos segmentos substituindo os mais antigos para que o público nunca visse o mesmo filme duas vezes. A idéia foi abandonada após as receitas iniciais baixas de bilheteria do filme e uma resposta mista da crítica. Após o trabalho preliminar em novos segmentos, a idéia foi arquivada até 1942 e não foi revisitada para o resto da vida da Disney. Em 1980, os animadores Wolfgang Reitherman e Mel Shaw iniciaram um trabalho preliminar sobre Musicana, um longa-metragem “misturando jazz, música clássica, mitos, arte moderna … seguindo o antigo formato Fantasia”, que era para apresentar “contos étnicos de todo o mundo com a música dos vários países”. O projeto foi cancelado em favor de Mickey’s Christmas Carol (1983).
A ideia de uma sequela de Fantasia foi reavivada pouco depois de Michael Eisner se tornar director executivo da The Walt Disney Company em 1984 quando o sobrinho de Walt, o vice-presidente Roy E. Disney, lho sugeriu num almoço, algo que lhe veio à cabeça dez anos antes. Disney lembrou-se da sua reacção: “Foi como se uma grande lâmpada se acendesse sobre a sua cabeça. A ideia era aliciante, mas não tínhamos os recursos para a levar a cabo”. O presidente do Walt Disney Studios, Jeffrey Katzenberg, mostrou um desinteresse pelo filme. Ele já havia pedido a André Previn para trabalhar em um filme do Fantasia, mas Previn recusou depois de saber que era para apresentar canções dos Beatles, em vez de música clássica. Eisner aproximou-se de Leonard Bernstein com a mesma ideia, mas enquanto ele parecia entusiasmado, Bernstein morreu antes do início da produção. Levou mais sete anos até que o filme fosse considerado, após a reedição de Fantasia em 1990, no valor de 25 milhões de dólares, e o seu lançamento em casa, em 1991, levou 9,25 milhões de pré-encomendas. A Disney viu seu sucesso comercial como um sinal de que havia interesse público suficiente na franquia de Fantasia para fazer uma seqüência. Eisner finalmente deu luz verde ao filme em 1991 e concordou em ter a Disney como produtora executiva com base no fato de que sua produção era financiada pela receita das vendas do vídeo. A Disney designou Donald W. Ernst como produtor e Hendel Butoy como diretor supervisor, tendo gostado do seu trabalho com The Rescuers Down Under (1990).
Durante a procura de um maestro adequado, o presidente da Disney e Walt Disney Feature Animation, Thomas Schumacher, convidou o maestro da Ópera Metropolitana James Levine e o gerente Peter Gelb para uma reunião em setembro de 1991. Disney lembrou: “Perguntei a James qual era a sua opinião sobre uma versão de três minutos da quinta sinfonia de Beethoven. Ele fez uma pausa e disse: “Acho que os três minutos certos seriam lindos”. Em novembro de 1992, Disney, Schumacher, Levine, Gelb e Butoy reuniram-se em Viena para discutir uma coleção de rolos de histórias desenvolvidas, uma das quais foi Pines of Rome, a qual Levine gostou imediatamente. Butoy descreveu o entusiasmo de Levine em relação ao filme como “como uma criança numa loja de doces”. Como Katzenberg continuou a expressar alguma hostilidade em relação ao filme, a Disney realizou reuniões de desenvolvimento sem ele e reportou diretamente a Eisner, algo que o autor James B. Stewart escreveu “teria sido impensável em qualquer outro projeto futuro de animação”
Produção iniciada sob o título de Fantasia Continuou com um lançamento em 1997. O título foi mudado para Fantasia 1999, seguido por Fantasia 2000 para coincidir com seu lançamento teatral em 2000. A Disney formou sua ordem inicial de execução com metade do programa Fantasia e apenas “três ou quatro novos números” com o objetivo de lançar um “filme semi-novo”. Percebendo que a idéia não funcionaria, manteve três segmentos de Fantasia – O Aprendiz de Feiticeiro, A Suíte Quebra-nozes e Dança das Horas – no programa durante “bastante tempo”. A noite na Montanha Careca foi o segmento mais difícil para ele remover da sua ordem de corrida original, pois era um dos seus favoritos. Ele o tinha colocado no meio do filme sem a Ave Maria, mas sentiu que não funcionava e acabou com a idéia. Mais tarde, Dance of the Hours foi largado e The Nutcracker Suite foi substituído por Rhapsody in Blue durante os últimos meses de produção, após a resposta de numerosas exibições de teste. A Disney manteve The Sorcerer’s Apprentice no programa final como uma homenagem a Fantasia. O segmento foi submetido à restauração digital pela Cinesite em Los Angeles. A Disney considerou usar Clair de Lune, uma peça originalmente feita para Fantasia que seguia duas grandes garças brancas voando pelos Everglades à noite, mas achou “bastante chata”. A idéia de ter “um pesadelo e um sonho lutando pela alma de uma criança adormecida” para Rhapsody on a Theme of Paganini de Sergei Rachmaninoff foi totalmente storyboarded, mas caiu através.
SegmentsEdit
Symphony No. 5Edit
Symphony No. 5 é um segmento abstrato criado por Pixote Hunt com desenvolvimento de história por Kelvin Yasuda. Em dezembro de 1997, depois de rejeitar os lances de outros quatro animadores, Disney e Ernst perguntaram a Hunt por suas idéias. Hunt pensou pela primeira vez na história numa caminhada matinal em Pasadena, Califórnia, que retratava uma batalha de “boas” formas multicoloridas contra as “más” escuras e como o conflito se resolve por si mesmo. Hunt levou aproximadamente dois anos, do início ao fim, para completar o segmento. Disney e Ernst decidiram seguir a idéia de Hunt; Hunt evitou produzir um trabalho totalmente abstrato porque “você pode obter algo abstrato em cada tela de computador” com facilidade. Hunt dividiu o segmento em 31 mini-cenas, anotando pontos em que ele usaria cores vivas quando a música fosse brilhante e fluida, e depois mudaria para tons mais escuros quando a música fosse mais escura e mais densa. Para se inspirar em como as formas se moviam, Hunt e seus associados visitaram o Zoológico de San Diego, uma fazenda de borboletas, e observaram filmagens em câmera lenta de morcegos. O segmento combina fundos desenhados à mão usando pastéis e tinta que foram digitalizados no Computer Animation Production System (CAPS), e imagens geradas por computador (CGI) de formas e efeitos abstratos, que foram estratificadas em camadas no topo. Hunt explicou que a digitalização de cada desenho “era um negócio de um tiro”, pois o vidro que pressionado sobre ele alteraria o pastel uma vez que tivesse sido digitalizado. Em um ponto durante a produção, Hunt e Yasuda completaram 68 desenhos pastéis em oito dias. O segmento foi produzido usando o software de animação Houdini.
Pines of RomeEdit
Pines of Rome foi a primeira peça sugerida pela Disney para o filme, bem como a primeira a ser animada; os desenhos apareceram nos diários do estúdio já em outubro de 1993. Butoy serviu como diretor com James Fujii cuidando da história. A abertura da peça deu à Disney a ideia de “algo voando”. Butoy esboçou a sequência em notas Post-it amarelas. A história originalmente envolvia as baleias voando a partir da perspectiva de um grupo de pinguins, mas a ideia foi eliminada para fazer da baleia bebé uma personagem central. As baleias também estavam preparadas para voltar à Terra, mas Butoy disse que “nunca se sentiu muito bem”, levando à decisão de fazê-las romper um teto de nuvens e entrar num mundo diferente pela supernova. Butoy criou uma “tabela de intensidade musical” para os animadores seguirem, que “acompanhou os altos e baixos da música… à medida que a música ilumina a cor”, e vice-versa. Ele explicou que como o CGI estava na sua infância durante o desenvolvimento, o primeiro terço do segmento foi desenhado à mão usando lápis para ter uma idéia de como as baleias iriam se mover. Quando os desenhos foram digitalizados no sistema CAPS, Butoy descobriu que as baleias estavam se movendo muito rápido ou tinham menos peso para elas. Os desenhos foram alterados para tornar as baleias mais lentas e “mais credíveis”. Os olhos das baleias foram desenhados à mão, uma vez que a aparência e os olhares desejados não eram totalmente realizáveis usando CGI. Butoy lembrou o desafio de ter a água aparecendo e se movendo o mais naturalmente possível; a equipe decidiu escrever código de computador a partir do zero, pois a animação tradicional teria sido muito demorada e teria produzido resultados indesejados. O código que manuseia a cápsula de baleias foi escrito para que as baleias se afastassem se colidissem e não se chocassem, se sobrepusessem ou se atravessassem umas às outras. A mesma técnica foi utilizada para a cena da debandada em O Rei Leão (1994), que foi produzida ao mesmo tempo.
Rapsódia em BlueEdit
Rhapsody in Blue é o primeiro segmento de Fantasia com música do compositor americano George Gershwin. Ela teve origem em 1992 quando o diretor e animador Eric Goldberg abordou Al Hirschfeld sobre a idéia de um pequeno conjunto animado para a composição de Gershwin no estilo das ilustrações de Hirschfeld. Hirschfeld concordou em servir como consultor artístico e permitiu que os animadores utilizassem e adaptassem os seus trabalhos anteriores para o segmento. A esposa de Goldberg, Susan, foi diretora de arte. Duke tem o nome do artista de jazz Duke Ellington. O fundo do seu tubo de pasta de dentes diz “NINA”, um ovo de Páscoa referenciando a filha de Hirschfeld, Nina. Rachel foi desenhada depois da filha de Goldbergs e John é baseado no historiador de animação e autor John Culhane e a caricatura de Hirschfeld de Alexander Woollcott. Goldberg pegou a ilustração original de Hirschfeld de Gershwin e a animou para que ele tocasse o piano. Na multidão que sai do hotel estão representadas as imagens de Brooks Atkinson e Hirschfeld, juntamente com a sua mulher Dolly Haas. O segmento foi concluído dois meses antes do previsto. Apesar disso, a sequência foi tão complexa cromaticamente que o processo de renderização usando o sistema CAPS atrasou o trabalho em Tarzan.
Concerto para Piano No. 2Edit
Concerto para Piano No. 2 foi dirigido por Butoy com o diretor de arte Michael Humphries. Originou-se nos anos 30 quando Walt Disney quis adaptar uma coleção de contos de fadas de Hans Christian Andersen para um filme de animação. Os artistas completaram uma série de desenhos preliminares baseados nas histórias, incluindo os de The Steadfast Tin Soldier de 1938 de Bianca Majolie que foram armazenados na biblioteca de pesquisa de animação do estúdio e usados para um livro da Disney de 1991 que recontou a história acompanhada dos esboços do storyboard. Quando a Disney sugeriu usar a peça Shostakovich, Butoy folheou o livro e achou a estrutura da história adequada à música. Quando Humphries viu os esboços, desenhou o segmento com obras de Caravaggio e Rembrandt em mente para dar ao segmento uma sensação “atemporal”, mantendo as cores “tão românticas quanto possível” durante as cenas em que o soldado e a bailarina se conhecem pela primeira vez. Imagens de ação ao vivo de uma bailarina de verdade foram usadas como guia para os movimentos da bailarina de brinquedo. Butoy achou o Jack-in-a-box um personagem difícil de desenhar e animar com sua base de mola e como ele se movia com a caixa. Sua aparência passou por inúmeras mudanças, em parte devido à falta de material de referência disponível para a equipe.
O segmento marcou a primeira vez que o estúdio da Disney criou os personagens principais de um filme inteiramente em CGI; apenas fundos, personagens secundários ou terciários tinham sido produzidos usando CGI de antemão. Inicialmente Butoy pediu aos Estúdios de Animação Pixar que tratassem da computação gráfica, mas o artista de CGI Steve Goldberg convenceu-o a deixar a própria equipa da Disney produzi-la. Os fundos foram completados à mão. Originalmente a sequência de drenagem incluía ratos amigáveis que faziam gags cómicas, mas a equipa descobriu que não se enquadrava no humor do resto do segmento. Os drenos se tornaram um ambiente mais assustador, algo que Butoy disse ser “o que a música estava nos dizendo para fazer”. A animação de chuva do Bambi (1942) foi digitalizada para o sistema CAPS e alterada digitalmente para se enquadrar no segmento. O final era para apresentar o final original com o soldado e a bailarina derretendo no fogo, mas a música estava muito animada para animá-la e foi alterada. Um trecho do segmento foi exibido na conferência SIGGRAPH 1998.
O Carnaval dos Animais, FinaleEdit
O Carnaval dos Animais, Finale foi dirigido por Goldberg; sua esposa Susan foi sua diretora de arte. A idéia surgiu do animador Joe Grant, um dos dois diretores de história de Fantasia que adorou as avestruzes em Dança das Horas. Quando o desenvolvimento de Fantasia 2000 começou, Grant sugeriu a idéia de ter uma das avestruzes brincando com um ioiô até o último movimento de O Carnaval dos Animais. Mais tarde, os avestruzes foram transformados em flamingos, pois a Disney desejava evitar a reintrodução de personagens do filme original e achava que os flamingos ficariam mais coloridos na tela. Goldberg foi parcialmente inspirado pelo co-diretor Mike Gabriel, que brincava com um ioiô enquanto ele fazia uma pausa no trabalho em Pocahontas (1995). O segmento foi produzido com CGI e 6.000 pinturas de aquarela em papel de colagem pesada. Susan escolheu uma paleta de cores distintas para o segmento que ela comparou com o estilo de uma camisa havaiana. Os Goldbergs e sua equipe visitaram o zoológico de Los Angeles e San Diego para estudar a anatomia e movimento dos flamingos.
The Sorcerer’s ApprenticeEdit
The Sorcerer’s Apprentice was previously from the first film while Yen Sid and Mickey Mouse are in this segment.
Pomp and CircumstanceEdit
Eisner sugeriu Pomp and Circumstance como peça após ter frequentado uma graduação e pensou que a sua familiaridade seria adequada para um segmento de Fantasia. Sua idéia envolveu uma seleção de princesas e heróis Disney em uma procissão de casamento carregando seus futuros filhos que seriam então apresentados em uma cerimônia. Os desenhos preliminares dos animadores retratavam um cenário greco-romano; um dos membros da equipe descreveu o trabalho artístico como “um terrível abuso” dos personagens. Eisner concordou em abandonar a história, mas insistiu que a música fosse usada. Depois que inúmeras idéias foram eliminadas devido à dificuldade em escrever um enredo claro, o animador e diretor Francis Glebas teve a idéia da Arca de Noé que ele intitulou Donald’s Last Roundup!, mais tarde intitulada de Pato de Noé, e lançou-a pensando que estava “carregada de possibilidades cômicas”.
The FirebirdEdit
Para fechar o filme, a Disney queria uma peça que fosse “emocionalmente equivalente” aos segmentos da Noite na Montanha Calva e da Ave Maria que fechava Fantasia. A Disney escolheu O Pássaro de Fogo como a peça a ser usada depois de “meia dúzia” de outras terem sido eliminadas, incluindo a Sinfonia No. 9 de Beethoven e o “Refrão Aleluia” do Messias de Handel. A Disney pensou na ideia da destruição e renovação da Terra após a passagem do Monte Santa Helena, após a sua erupção em 1980. Os gêmeos franceses Paul e Gaëtan Brizzi do estúdio da Disney em Paris foram contratados para dirigir o segmento. O Sprite é uma criatura parecida com o Dryad da mitologia grega. Sua forma muda seis vezes; ela é apresentada como um duende de água que planta flores como um duende de flores. Ela se torna um duende neutro onde seu rastro de crescimento pára e um duende de cinzas quando a floresta foi destruída. O segmento termina com ela como um duende das ondas de chuva, seguido pelo duende das gramíneas. O segmento originalmente termina com o duende na forma de um rio que nasce no céu e se transforma em um duende-sol, mas este foi abandonado. Os chifres do alce eram produzidos pelo CGI e colocados no topo do seu corpo que era desenhado tradicionalmente. O segmento foi produzido usando o software de animação Houdini.
MusicEdit
A música para O Aprendiz de Feiticeiro já foi gravada em 9 de janeiro de 1938 para o primeiro filme no Culver Studios, Califórnia, com Leopold Stokowski conduzindo um grupo de músicos da sessão. A gravação de Rhapsody in Blue usada no filme é uma versão editada da orquestração de Ferde Grofé da peça executada pela Orquestra Filarmônica com o maestro Bruce Broughton. A versão curta foi feita através do corte de 125 compassos de piano solo em três lugares diferentes. Uma gravação de James Levine dirigindo ambas as peças com a Filarmônica aparece na trilha sonora do filme.
As seis peças restantes foram gravadas no Templo Medinah em Chicago, executada pela Orquestra Sinfônica de Chicago dirigida por Levine. Pines of Rome foi remontada em 1993 por Bruce Coughlin, que reduziu a peça de quatro movimentos, cortando o segundo movimento e aparando as secções do terceiro e quarto movimentos. A peça foi gravada em 28 de março de 1994. A segunda gravação envolveu a Sinfonia nº 5, Carnaval dos Animais, e Pompa e Circunstância, em 25 de abril de 1994. Carnaval dos Animais, Finale usa dois pianos tocados por Gail Niwa e Philip Sabransky. Pomp and Circumstance foi arranjado por Peter Schickele e apresenta o Coro Sinfônico de Chicago e a solista soprano Kathleen Battle. A gravação seguinte ocorreu em 24 de abril de 1995 para o Concerto de Piano No. 2 com o pianista Yefim Bronfman. Em 28 de setembro de 1996, The Firebird foi a peça final a ser gravada; sua sessão durou três horas. A peça foi arranjada usando quatro secções da revisão da partitura de Stravinsky de 1919.
InterstialsEdit
Disney sentiu a necessidade de manter os intersticiais (pontes) como usados em Fantasia, a fim de dar ao público uma chance de “limpar o seu paladar emocional” do segmento anterior, ao mesmo tempo em que também fornece algumas informações sobre o segmento seguinte. Don Hahn dirigiu as cenas de acção ao vivo que foram desenhadas por Pixote Hunt. Hahn criou o cenário e os bastidores enquanto almoçava; ele começou a esboçar uma idéia aproximada do que ele imaginava em um guardanapo. Ele “queria mostrar imagens em formas como as grandes velas de um navio cortador”. Eles voam ao vento e formam uma espécie de sala de concertos Stonehenge no meio de uma vasta planície vazia e imaginária”.
Hahn lembrou alguma dificuldade em encontrar alguém para receber o filme, então o estúdio decidiu usar um grupo de artistas e músicos de vários campos de entretenimento. Os interstícios foram filmados em vários locais; a orquestra, Jones, Lansbury e Bronfman foram filmados em Los Angeles, Perlman e Midler em Nova York, e outros em Boston, Massachusetts. Cada cena foi filmada em frente a um ecrã verde para permitir que as filmagens da orquestra ou do cenário fossem colocadas atrás delas. As filmagens de Levine, dos artistas e da orquestra foram filmadas em 31 de outubro de 1998. O piano que Grierson toca em sua cena com Jones é o mesmo em que ele tocou Rhapsody in Blue para a trilha sonora.