Da die genaue Definition der Graphic Novel umstritten ist, sind die Ursprünge der Form offen für Interpretationen.
Die Abenteuer von Obadiah Oldbuck sind das älteste anerkannte amerikanische Beispiel für Comics in diesem Sinne. Es stammt aus der 1828 erschienenen Publikation Histoire de M. Vieux Bois des Schweizer Karikaturisten Rodolphe Töpffer und wurde erstmals 1841 in englischer Übersetzung vom Londoner Verlag Tilt & Bogue veröffentlicht, der eine Pariser Piratenausgabe von 1833 verwendete. Die erste amerikanische Ausgabe wurde 1842 von der Wilson & Company in New York City unter Verwendung der Originaldruckplatten der Ausgabe von 1841 veröffentlicht. Ein weiterer früher Vorläufer ist Journey to the Gold Diggins von Jeremiah Saddlebags der Brüder J. A. D. und D. F. Read, inspiriert von The Adventures of Obadiah Oldbuck. 1894 brachte Caran d’Ache in einem Brief an die Zeitung Le Figaro die Idee eines „gezeichneten Romans“ zur Sprache und begann mit der Arbeit an einem 360-seitigen wortlosen Buch (das nie veröffentlicht wurde). In den Vereinigten Staaten gibt es eine lange Tradition der Wiederveröffentlichung von bereits veröffentlichten Comicstrips in Buchform. Im Jahr 1897 veröffentlichte das Hearst Syndicate eine solche Sammlung von The Yellow Kid von Richard Outcault, die schnell zu einem Bestseller wurde.
1920er bis 1960er JahreBearbeiten
In den 1920er Jahren kam es zu einer Wiederbelebung der mittelalterlichen Holzschnitttradition, wobei der Belgier Frans Masereel als „unbestrittener König“ dieser Wiederbelebung gilt. Zu seinen Werken gehört Passionate Journey (1919). In dieser Tradition arbeitete auch der Amerikaner Lynd Ward, der 1929 Gods‘ Man veröffentlichte und in den 1930er Jahren weitere Werke publizierte.
Weitere prototypische Beispiele aus dieser Zeit sind He Done Her Wrong (1930) des Amerikaners Milt Gross, ein wortloser Comic, der als gebundenes Buch veröffentlicht wurde, und Une semaine de bonté (1934), ein Roman in sequentiellen Bildern, der aus Collagen des surrealistischen Malers Max Ernst besteht. In ähnlicher Weise verbindet Charlotte Salomons Leben? oder Theater? (komponiert 1941-43) kombiniert Bilder, Erzählungen und Bildunterschriften.
In den 1940er Jahren kam Classics Illustrated auf den Markt, eine Comicserie, die vor allem bekannte, gemeinfreie Romane in eigenständige Comics für junge Leser umsetzte. Citizen 13660, eine illustrierte, romanhafte Nacherzählung der japanischen Internierung während des Zweiten Weltkriegs, wurde 1946 veröffentlicht. 1947 veröffentlichte Fawcett Comics den Comic-Roman Nr. 1: „Anarcho, Dictator of Death“, einen 52-seitigen Comic, der einer einzigen Geschichte gewidmet ist. 1950 produzierte St. John Publications den erwachsenengerechten „Bilderroman“ It Rhymes with Lust, ein vom Film Noir beeinflusstes Stück Steeltown-Leben mit einer intriganten, manipulativen Rothaarigen namens Rust in der Hauptrolle. Das 128-seitige Werk, das auf dem Umschlag als „origineller Roman in voller Länge“ angepriesen wurde, war so erfolgreich, dass es zu einem zweiten, davon unabhängigen Bilderroman führte: The Case of the Winking Buddha (Der Fall des zwinkernden Buddhas) von Pulp-Romanautor Manning Lee Stokes und Illustrator Charles Raab. Der Cartoonist Harvey Kurtzman, der Will Eisners mehrstöckigen Graphic Novel A Contract with God (1978) vorwegnahm, schrieb und zeichnete das vierstöckige Massenmarkt-Taschenbuch Harvey Kurtzman’s Jungle Book (Ballantine Books #338K), das 1959 veröffentlicht wurde.
In den späten 1960er Jahren wurden die amerikanischen Comiczeichner immer abenteuerlustiger mit der Form. Gil Kane und Archie Goodwin veröffentlichten im Selbstverlag einen 40-seitigen Comic-Roman im Magazinformat, His Name Is… Savage (Adventure House Press) im Jahr 1968 – im selben Jahr veröffentlichte Marvel Comics zwei Ausgaben von The Spectacular Spider-Man in einem ähnlichen Format. Der Kolumnist und Comic-Autor Steven Grant vertritt ebenfalls die Ansicht, dass Stan Lees und Steve Ditkos Doctor Strange-Geschichte in Strange Tales #130-146, obwohl sie von 1965 bis 1966 in Serie veröffentlicht wurde, „die erste amerikanische Graphic Novel“ ist. In ähnlicher Weise bezeichnete der Kritiker Jason Sacks die 13-teilige Geschichte „Panther’s Rage“ – die erste bekannte, in sich abgeschlossene, mehrteilige Geschichte in Comics -, die von 1973 bis 1975 in der Serie Black Panther in Marvel’s Jungle Action erschien, als „Marvels erste Graphic Novel“.
In Kontinentaleuropa führte die Tradition des Sammelns von Fortsetzungsgeschichten populärer Strips wie Die Abenteuer von Tim und Struppi oder Asterix zu langen Erzählungen, die zunächst als Fortsetzungsgeschichten veröffentlicht wurden.
Im Jahr 1969 sprach der Schriftsteller John Updike, der in seiner Jugend mit dem Gedanken gespielt hatte, Comiczeichner zu werden, vor der Bristol Literary Society über „den Tod des Romans“. Updike bot Beispiele für neue Erkundungsgebiete für Romanautoren und erklärte, er sehe „keinen inneren Grund, warum ein doppelt begabter Künstler nicht auftauchen und ein Comic-Roman-Meisterwerk schaffen könnte“.
NeuzeitBearbeiten
Gil Kanes und Archie Goodwins Blackmark (1971), ein bei Bantam Books erschienenes Science-Fiction/Sword-and-Sorcery-Taschenbuch, verwendete den Begriff ursprünglich nicht; der Klappentext der Ausgabe zum 30-jährigen Jubiläum (ISBN 978-1-56097-456-7) nennt es rückwirkend „die allererste amerikanische Graphic Novel“. Die Academy of Comic Book Arts verlieh Kane 1971 einen speziellen Shazam Award für „seinen Taschenbuch-Comicroman“. Unabhängig von der Nomenklatur handelt es sich bei Blackmark um eine 119-seitige Geschichte mit Comic-Kunst, Bildunterschriften und Sprechblasen, die in einem traditionellen Buchformat veröffentlicht wurde.
Europäische Autoren experimentierten ebenfalls mit längeren Erzählungen in Comic-Form. Im Vereinigten Königreich produzierte Raymond Briggs Werke wie Father Christmas (1972) und The Snowman (1978), die er selbst als aus dem „bodenlosen Abgrund des Strip-Cartooning“ stammend bezeichnete, obwohl sie, wie auch andere Werke von Briggs wie das reifere When the Wind Blows (1982), im Zuge der Popularität des Begriffs als Graphic Novels neu vermarktet wurden. Briggs merkt jedoch an: „Ich weiß nicht, ob ich diesen Begriff zu sehr mag“.
Erste selbsternannte Graphic Novels: 1976-1978Edit
Im Jahr 1976 erschien der Begriff „Graphic Novel“ im Druck, um drei verschiedene Werke zu beschreiben. Bloodstar von Richard Corben (nach einer Geschichte von Robert E. Howard) verwendete den Begriff, um sich selbst auf dem Schutzumschlag und in der Einleitung zu kategorisieren. George Metzgers Beyond Time and Again (Jenseits von Zeit und Raum), das von 1967 bis 1972 in Underground-Comics veröffentlicht wurde, trug auf der Innenseite der Titelseite den Untertitel „A Graphic Novel“, als es als 48-seitiges, schwarz-weißes Hardcover-Buch von Kyle & Wheary herausgegeben wurde.
Der Chandler im Digest-Format: Red Tide (1976) von Jim Steranko, das für den Verkauf an Kiosken bestimmt war, verwendete in der Einleitung den Begriff „Graphic Novel“ und auf dem Cover den Begriff „Visual Novel“.
Im folgenden Jahr kehrte Terry Nantier, der seine Jugendjahre in Paris verbracht hatte, in die Vereinigten Staaten zurück und gründete den Verlag Flying Buttress Publications, der später in NBM Publishing (Nantier, Beall, Minoustchine) umbenannt wurde, und veröffentlichte Racket Rumba, eine 50-seitige Parodie des Noir-Detektiv-Genres, geschrieben und gezeichnet von dem französischen Künstler Loro, der nur einen Namen hatte. Nantier folgte mit Enki Bilals The Call of the Stars. Das Unternehmen vermarktete diese Werke als „grafische Alben“.
Die ersten sechs Ausgaben der Serie The First Kingdom des Autors und Künstlers Jack Katz aus dem Jahr 1974 wurden in einem Taschenbuch (Pocket Books, März 1978) zusammengefasst, das sich selbst als „die erste grafische Novelle“ bezeichnete. Die Ausgaben des Comics hatten sich selbst als „grafische Prosa“ oder einfach als Roman bezeichnet.
In ähnlicher Weise wurde Sabre: Slow Fade of an Endangered Species von Autor Don McGregor und Zeichner Paul Gulacy (Eclipse Books, August 1978) – die erste Graphic Novel, die auf dem neu geschaffenen „Direktmarkt“ der US-amerikanischen Comicläden verkauft wurde – vom Autor in Interviews als „grafisches Album“ bezeichnet, obwohl der Verlag es auf der Vorspannseite als „Comic Novel“ bezeichnete. „Graphic Album“ war auch der Begriff, den Gene Day im folgenden Jahr für seine Hardcover-Kurzgeschichtensammlung Future Day (Flying Buttress Press) verwendete.
Eine weitere frühe Graphic Novel, die allerdings keine Selbstbezeichnung trug, war The Silver Surfer (Simon & Schuster/Fireside Books, August 1978) von Stan Lee und Jack Kirby von Marvel Comics. Bezeichnenderweise wurde es von einem traditionellen Buchverlag veröffentlicht und über den Buchhandel vertrieben, ebenso wie Tantrum (Alfred A. Knopf, 1979) des Cartoonisten Jules Feiffer, das auf dem Schutzumschlag als „Roman in Bildern“ beschrieben wurde.
Übernahme des BegriffsEdit
Die hyperbolischen Beschreibungen längerer Comics als „Romane“ erscheinen bereits in den 1940er Jahren auf den Covern. Frühe Ausgaben von DC Comics‘ All-Flash zum Beispiel beschrieben ihren Inhalt als „Geschichten in Romanlänge“ und „Romane in voller Länge mit vier Kapiteln“.
Am frühesten bekannten Beispiel verwendete der Comic-Rezensent Richard Kyle den Begriff „Graphic Novel“ in Capa-Alpha #2 (November 1964), einem von der Comic Amateur Press Alliance herausgegebenen Newsletter, und erneut in einem Artikel in Bill Spicer’s Magazin Fantasy Illustrated #5 (Frühjahr 1966). Kyle, inspiriert von europäischen und ostasiatischen grafischen Alben (insbesondere japanischen Mangas), benutzte die Bezeichnung, um Comics einer künstlerisch „ernsthaften“ Art zu bezeichnen. Daraufhin gab Spicer mit Kyles Einverständnis im Herbst 1967 eine Zeitschrift mit dem Titel Graphic Story Magazine heraus. The Sinister House of Secret Love #2 (Jan. 1972), eine Reihe von DC Comics‘ überlangen, 48-seitigen Comics, verwendete auf seinem Cover ausdrücklich die Formulierung „a graphic novel of Gothic terror“.
Der Begriff „Graphic Novel“ begann Monate nach seinem Erscheinen auf dem Cover der Taschenbuchausgabe (wenn auch nicht der Hardcover-Ausgabe) von Will Eisners A Contract with God (Oktober 1978) an Popularität zu gewinnen. Diese Sammlung von Kurzgeschichten war ein ausgereiftes, komplexes Werk, das sich auf das Leben gewöhnlicher Menschen in der realen Welt konzentrierte und auf Eisners eigenen Erfahrungen basierte.
Ein Wissenschaftler nutzte Graphic Novels, um das Konzept der Graphisierung einzuführen, die Theorie, dass die gesamte Persönlichkeit eines Künstlers durch seine oder ihre visuelle Darstellung einer bestimmten Figur, eines Schauplatzes, eines Ereignisses oder eines Objekts in einem Roman sichtbar ist und als Mittel zur Untersuchung und Analyse des Zeichenstils dienen kann.
Auch wenn Eisners A Contract with God schließlich 1978 von einem kleineren Verlag, Baronet Press, veröffentlicht wurde, brauchte Eisner über ein Jahr, um einen Verlag zu finden, der seinem Werk den Zugang zum Massenmarkt ermöglichte. In der Einleitung zitierte Eisner die Holzschnitte von Lynd Ward aus den 1930er Jahren (siehe oben) als Inspiration.
Der kritische und kommerzielle Erfolg von A Contract with God trug dazu bei, den Begriff „Graphic Novel“ im allgemeinen Sprachgebrauch zu etablieren, und viele Quellen haben Eisner fälschlicherweise zugeschrieben, dass er ihn als Erster verwendet hat. So auch auf der Website des Time Magazine im Jahr 2003, wo es in einer Korrektur heißt: „Eisner räumt ein, dass der Begriff ‚Graphic Novel‘ bereits vor seinem Buch geprägt wurde. Aber, so sagt er, ‚ich wusste zu der Zeit nicht, dass jemand diesen Begriff schon vorher benutzt hatte‘. Er reklamiert auch nicht für sich, das erste grafische Buch geschaffen zu haben.“
Eine der frühesten zeitgenössischen Anwendungen des Begriffs nach Eisner kam 1979, als Blackmarks Fortsetzung – ein Jahr nach A Contract with God veröffentlicht, aber in den frühen 1970er Jahren geschrieben und gezeichnet – auf dem Cover von Marvel Comics‘ schwarz-weißem Comic-Magazin Marvel Preview #17 (Winter 1979) als „Graphic Novel“ bezeichnet wurde, wo Blackmark: The Mind Demons uraufgeführt wurde – sein 117-seitiger Inhalt war intakt, aber sein Panel-Layout wurde so umgestaltet, dass es auf 62 Seiten passte.
Im Anschluss daran veröffentlichte Marvel von 1982 bis 1988 die Marvel-Graphic-Novel-Reihe von 10″ × 7″ großen Taschenbüchern – obwohl sie wie Comics nummeriert waren, von Nr. 1 (Jim Starlins The Death of Captain Marvel) bis Nr. 35 (Dennis O’Neil, Mike Kaluta und Russ Heaths Hitlers Astrologe, mit der Radio- und Pulp-Fiction-Figur The Shadow in der Hauptrolle, die als Hardcover erschien). Marvel gab originelle Graphic Novels bei Autoren wie John Byrne, J. M. DeMatteis, Steve Gerber, dem Graphic-Novel-Pionier McGregor, Frank Miller, Bill Sienkiewicz, Walt Simonson, Charles Vess und Bernie Wrightson in Auftrag. Während in den meisten von ihnen Marvel-Superhelden die Hauptrolle spielten, enthielten andere, wie Rick Veitchs Heartburst, originale SF-/Fantasy-Figuren; wieder andere, wie John J. Muths Dracula, enthielten Adaptionen literarischer Geschichten oder Figuren; und eine, Sam Glanzmans A Sailor’s Story, war eine wahre Geschichte aus dem Zweiten Weltkrieg, die auf der Marine spielt.
Die mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnete Maus (1986) des Zeichners Art Spiegelman trug dazu bei, sowohl den Begriff als auch das Konzept der Graphic Novels in den Köpfen der breiten Öffentlichkeit zu verankern. Zwei Nachdrucke von in sich abgeschlossenen Miniserien von DC Comics taten dies ebenfalls, obwohl sie ursprünglich nicht als Graphic Novels veröffentlicht wurden: Batman: The Dark Knight Returns (1986), eine Sammlung der vierteiligen Comicserie von Frank Miller, in der ein älterer Batman mit den Problemen einer dystopischen Zukunft konfrontiert wird, und Watchmen (1986-1987), eine Sammlung der 12-teiligen limitierten Serie von Alan Moore und Dave Gibbons, in der Moore laut eigener Aussage „unter anderem die Dynamik der Macht in einer Welt nach Hiroshima erkunden wollte“. Diese und andere Werke wurden in Zeitungen und Zeitschriften rezensiert, was zu einer verstärkten Berichterstattung führte. Die Verkaufszahlen von Graphic Novels stiegen, und Batman: The Dark Knight Returns hielt sich beispielsweise 40 Wochen lang auf der britischen Bestsellerliste.
Europäische Übernahme des BegriffsEdit
Außerhalb Nordamerikas führten Eisners A Contract with God und Spiegelmans Maus ebenfalls zur Popularisierung des Begriffs „Graphic Novel“. Bis dahin verwendeten die meisten europäischen Länder eine neutrale, beschreibende Terminologie, die sich auf die Form des Mediums und nicht auf den Inhalt bezog. Im frankophonen Europa beispielsweise wird der Ausdruck bandes dessinées – wörtlich übersetzt „gezeichnete Streifen“ – verwendet, während die Begriffe stripverhaal („Streifengeschichte“) und tegneserie („gezeichnete Serie“) von den Niederländern/Flamen bzw. Skandinaviern benutzt werden. Europäische Comicforscher haben festgestellt, dass die Amerikaner ursprünglich den Begriff Graphic Novel für alles verwendet haben, was von ihrem Standardformat eines 32-seitigen Comics abwich, was bedeutet, dass alle größeren und längeren franko-belgischen Comic-Alben, unabhängig von ihrem Inhalt, unter diesen Begriff fielen.
Amerikanische Comic-Kritiker haben europäische Graphic Novels gelegentlich als „Euro-Comics“ bezeichnet, und in den späten 1980er Jahren wurden Versuche unternommen, den amerikanischen Markt mit diesen Werken zu befruchten. Die amerikanischen Verlage Catalan Communications und NBM Publishing brachten übersetzte Titel heraus, vor allem aus den Katalogen von Casterman und Les Humanoïdes Associés.
Latino graphic novelsEdit
La Borinqueña ist der Name einer Graphic Novel und einer Figur, die von Edgardo Miranda-Rodriguez geschaffen wurde. Da Borinquen sich auf Puerto Rico bezieht, bedeutet La Borinqueña „die Puerto Ricanerin“ und ist eine Studentin der Columbia University für Erd- und Umweltwissenschaften, die mit ihren Eltern in Williamsburg, Brooklyn, lebt. Sie ist die erste Figur aus einem lateinamerikanischen Graphic Novel, die in einer Ausstellung der Smithsonian Institution zu sehen ist. Es gibt viele andere lateinamerikanische Autoren und Schöpfer im Genre der Graphic Novels, darunter George Pérez, der für seine Arbeit an Wonder Woman bekannt ist.