1 The Knife
Gegründet von Sänger Peter Gabriel und Keyboarder Tony Banks während ihrer Zeit an der Charterhouse Public School, begannen Genesis ihre Plattenkarriere auf unglückliche Weise mit einem unvergessenen Debütalbum aus dem Jahr 1969, das von Jonathan King produziert wurde und den Titel From Genesis to Revelation trug, so dass es in den Plattenläden zusammen mit religiöser Musik abgelegt wurde. Das im folgenden Jahr erschienene Trespass, ihr erstes Album für Charisma Records, näherte sich dem progressiven Rock an, für den sie bald berühmt werden sollten, und The Knife – eine späte Ergänzung des Albums – war sein stärkster Titel. Der Text – eine pointierte Ablehnung der Mythen, die von militärischen Rekrutierungsplakaten verbreitet werden – war, wie Gabriel später zugab, das Werk eines „öffentlichen Schuljungen, der gegen seine Herkunft rebelliert“, aber es ist immer noch mitreißendes Material, das Metallicas eigene Antikriegshymne Disposable Heroes vorwegnimmt, die 15 Jahre später erschien. Die wechselnden Tempi, die marschierende Orgel und die gezackte Gitarre von The Knife sind am besten auf dem Live-Album der Gruppe von 1973 vertreten, wobei die Neuzugänge Phil Collins (Schlagzeug) und Steve Hackett (Gitarre) dem Stück eine passende Proto-Thrash-Wut verleihen.
2 The Musical Box
Bei ihrem dritten Album Nursery Cryme war die klassische Genesis-Besetzung komplett, und die exzentrische, makabre und schwarz-komische Lyrik, die Peter Gabriels Ära mit der Gruppe charakterisieren sollte, trat in den Vordergrund. Das Klappcover des Albums – eine von Paul Whitehead gemalte Übung in verdrehter Victoriana – zeigte kleine Mädchen, die mit abgetrennten Köpfen Krocket spielten, und ließ sich vom Titelsong des Albums inspirieren, dem Opener. Gabriel skizzierte die verdrehte Geschichte des Songs in einer kurzen Vignette auf der Innenhülle, die von einem kleinen Jungen erzählte, der von seiner Freundin Cynthia während eines Krocketspiels geköpft wurde und als Geist zurückkehrte, der ihre Spieluhr heimsuchte und sich vor ihr als schnell alternder Geist manifestierte, der „die Wünsche eines ganzen Lebens in sich aufgesogen hat“. Die drei Sätze des Albums reichen von barockem, orientalisch angehauchtem Folk über einen Mittelteil mit Tony Banks‘ Fuzz-getönten Keyboards und Steve Hacketts Arpeggios bis hin zu einer unheimlichen, sehnsüchtigen Schlusspassage, in der Gabriel seine reiche, gefühlvolle Stimme erforschen konnte, die er später in seiner Solokarriere ausspielen sollte. Dass er diese Stimme einsetzte, um einen gealterten Geist zum Leben zu erwecken, der einem neunjährigen Mädchen „Why won’t you touch me?“ zuruft – und bei der Aufführung des Liedes auf der Bühne eine gruselige „alter Mann“-Maske trug – dient nur dazu, zu verdeutlichen, wie eigenartig Genesis sein konnte.
3 Watcher of the Skies
1972’s Foxtrot wurde von Supper’s Ready dominiert, einer 23-minütigen Suite, die fast die gesamte zweite Seite des Albums einnahm und sieben separate Songfragmente mit Übergängen und wiederkehrenden Motiven verband – eine bravouröse Geste, die noch heute beeindruckt. Aber es scheint wie Betrug, eine solche Suite für diese 10 der Besten zu nominieren. Sicherlich ist das Ganze von Supper’s Ready stärker als jeder seiner Bestandteile, und kein Fragment ist so mitreißend wie dieses, das Eröffnungsstück des Albums. Inspiriert von Keats‘ On First Looking Into Chapman’s Homer und Arthur C. Clarkes Childhood’s End beginnt Watcher of the Skies mit anderthalb Minuten wirbelndem Mellotron, bevor Collins und Bassist Mike Rutherford das stotternde, stakkatoartige Riff anstimmen, das dem Song seine schwungvolle Note verleiht – ein geschmeidiger, aber nicht funkiger Groove, der sich in den letzten Minuten in einen wilden Blitz verwandelt, während Banks‘ Tasten immer düsterere Dramen anregen. Der Text stellt sich derweil in aller Ruhe „das Ende der langen Verbindung des Menschen mit der Erde“ vor, wobei Gabriel einen teilnahmslosen Außerirdischen spielt, der eine solche Apokalypse beobachtet – eine Figur, die vielleicht mit Uatu The Watcher aus den Marvel Comics verwandt ist, und eine Rolle, die der stets theatralische Sänger im Konzert darstellen würde, indem er ein grelles Make-up und eine große, gezackte Kutte trägt.
4 Firth of Fifth
Tony Banks hielt die Texte, die er und Mike Rutherford für Firth of Fifth – Höhepunkt des besten Albums der Band, Selling England by the Pound von 1973 – geschrieben hatten, für die schlechtesten seiner Karriere, und Zeilen wie „The mountain cuts off the town from view / Like a cancer growth is removed by skill“ lassen vermuten, dass er nicht zu Unrecht bescheiden ist. Aber die beträchtlichen Freuden von Firth of Fifth liegen nicht in den Worten, sondern in Banks‘ blühendem Klaviervorspiel, der aufsteigenden Prog-Rock-Hymne des Hauptteils und der Art und Weise, wie die Band Banks‘ Eröffnungsstück in den letzten fünf Minuten als Ensemble wieder aufgreift. In der Tat ist dieser schwärmerische Schlussteil – Hacketts ohnmächtige Gitarre, Collins‘ muskulöses und einfallsreiches Schlagzeug, Banks‘ futuristische Synthesizer – ein Zeugnis dafür, dass Genesis eine Seltenheit unter den Proggern sind, eine Band, die es nie zuließ, dass ihr technisches Können in sinnlose Exzesse ausuferte oder ihr Gespür für den Song überwältigte. Und die Musik, die sie in diesen fünf Minuten spielen, ist als erbauliche Ode an die Schönheit der Natur weitaus effektiver als diese klobigen Texte.
5 I Know What I Like (In Your Wardrobe)
Dann, inmitten ihrer 10-Minuten-Epen und 22-Minuten-Songzyklen, ließen Genesis ihr erstes unerwartetes Pop-Juwel fallen. Mit einer Spielzeit von etwas mehr als vier Minuten steigt I Know What I Like mit einem Hitzeschimmer auf, bevor es sich in einen Groove verwandelt, der an Traffic’s Hole in my Shoe erinnert, eine Hippie-Träumerei, die zur lockeren Stimmung des Songs passt wie ein Paar maßgeschneiderte Schlaghosen. Der Anti-Held des Songs ist ein Außenseiter, wie all die anderen im Songbook der Gabriel-Ära, ein Schulabbrecher, der mit seinem Leben als Rasenmäher zufrieden ist, trotz des missbilligenden Geflüsters seiner Vorstadtnachbarn. Seine Rebellion wird von einem nörgelnden, trägen Sitar-Lick, einem schwermütigen Singalong-Refrain und einem Flötensolo untermalt, das Pan’s People zweifellos tänzerisch interpretierte, als der Song bei Top Of The Pops auftauchte, nachdem er Platz 21 der Charts erreicht hatte (Aufnahmen davon sind leider noch nicht auf Youtube aufgetaucht).
6 In the Cage
Im Jahr 1974 schwelten die Spannungen innerhalb von Genesis. Gabriel wurde von der Presse zunehmend als Anführer der angeblich demokratischen Gruppe wahrgenommen, und seine Vorliebe für ausgefallene Bühnenkostüme – er zog sich einen Fuchskopf an, kleidete sich wie eine Blume oder trug das Gewand eines Pfarrers, wie es der Song verlangte – wurde von Banks und anderen beschuldigt, die Musik zu überschatten. Kurzzeitig verließ er die Gruppe, nachdem er ein Angebot des Exorzisten-Regisseurs William Friedkin angenommen hatte, an einem Filmdrehbuch zu arbeiten, kam aber wieder zurück, bevor die Arbeit an Genesis‘ sechstem Album The Lamb Lies Down on Broadway begann. Diese LP ist ein Konzeptwerk, das von Jodorowskys El Topo inspiriert ist und die Reise eines New Yorker Straßenkindes in ein dunkles, mystisches unterirdisches Reich beschreibt, um seinen Bruder vor schrecklichen Bestien zu retten. In Abkehr von der Genesis-Tradition schrieb Gabriel alle Texte für Lamb selbst, während er zwischen dem Aufnahmestudio in Headley Grange und London pendelte, wo sich seine Frau und sein erstes Kind nach einer traumatischen Geburt im Krankenhaus erholten. Da seine Bandkollegen ihn unter Druck setzten, mehr Zeit mit der Gruppe und weniger mit seiner Familie zu verbringen, ist es verlockend, Lamb – von dem Collins glaubte, es sei ein Album über gespaltene Persönlichkeiten – als Metapher für Gabriels zerrissene Loyalitäten zu lesen. Sicherlich scheint der Höhepunkt des Albums, In the Cage, autobiografisch zu sein, wenn Gabriel singt: „I’ve got sunshine in my stomach/ Like I just rocked my baby to sleep“, bevor der liebliche Anfang einem immer festeren und frenetischeren Prog-Workout weicht, das Riff sich verengt, klaustrophobisch, während Gabriel davon singt, gefangen und gequält zu werden, „Holding still/ pinned for kill … in this cushioned straitjacket“. Lamb war das bisher kühnste Album von Genesis und die darauf folgende Tournee die ehrgeizigste, eine audiovisuelle Extravaganz, bei der Gabriel als groteskes, mit Pusteln bedecktes Monster gekleidet war und sich scheinbar auf beiden Seiten der Bühne gleichzeitig materialisierte. Aber es sollte auch sein letzter Auftritt sein. 1975 verließ er Genesis, um eine Solokarriere anzustreben, was die Band ins Chaos stürzte. The Lamb Lies Down on Broadway ist leider nicht auf Spotify zu finden; bitte akzeptieren Sie stattdessen diese Live-Version.
7 Turn It On Again
Gabriels Ausstieg sollte Genesis schließlich die größten kommerziellen Erfolge ihrer Karriere bescheren, als Schlagzeuger Phil Collins das Mikrofon übernahm und die Gruppe weg vom Prog und hin zu einem stromlinienförmigen, modernen Rock führte und auf dem Weg dorthin ungeahnte Hitsingles erzielte. Collins‘ erste drei Alben als Sänger zeigen eine Band in der Übergangsphase, aber mit Duke von 1980 hatten sie die Puppe abgelegt und den Sound gefunden, den sie für den Rest des Jahrzehnts so lukrativ verfolgen sollten. Diese Entwicklung war am deutlichsten bei Turn It on Again zu hören: Während der Song in seinen vier Minuten zwischen vier verschiedenen Taktarten hin- und herspringt, war Rutherfords zentrales Gitarrenriff einfach und effektiv, während Collins‘ Gesang die spitze englische Art von früher zugunsten eines mittelatlantischen Drawls aufgab, das im amerikanischen Radio gut ankam. Die Prognostiker schimpften, aber die Zukunft gehörte dieser Inkarnation von Genesis, und Turn It on Again’s Anhäufung von süchtig machenden Hooks brachte ihnen ihre erste Top-10-Single ein.
8 Duchess
Aber Genesis hatten sich nicht völlig von ihren Prog-Wurzeln abgewandt. Turn It on Again war in der Tat Teil einer Suite von thematisch verbundenen Songs innerhalb von Duke, die eine Mini-Suite in der Art von Supper’s Ready komponierten, obwohl die Gruppe dies zu der Zeit nicht öffentlich zugab. Duchess, eines der besten Stücke in der gesamten Genesis-Diskographie, erzählt die Geschichte vom Aufstieg und Fall einer Diva, wobei Collins‘ gefühlvoller Gesang von Banks‘ treibenden Klavierakkorden und einigen wahrhaft kolossalen Drums unterstützt wird. Trotz seiner hymnischen Qualitäten hatte Duchess jedoch seine bezauberndsten Momente im Intro und im Outro: atmosphärische, elementare Passagen mit programmierten elektronischen Drums, die den Eindruck erwecken, dass die Band sich an den experimentellen Arbeiten von Brian Eno orientiert hat. Das war wahrscheinlich kein Zufall, denn Collins war ein regelmäßiger Mitarbeiter von Eno, seit er auf Taking Tiger Mountain (By Strategy) Schlagzeug spielte, als Rache für Enos Beiträge zu The Lamb Lies Down on Broadway. Zusammen mit Banks‘ zurückhaltenden Synthesizern zaubern die Drum-Machine-Impulse eine hypnotische und beschwörende Klanglandschaft, die luftig und futuristisch ist. Collins sollte das dramatische Potenzial von Drumcomputern weiter erforschen, sowohl mit Genesis als auch auf seiner ersten Solo-Single In the Air Tonight.
9 Abacab
„Weniger ist mehr“ schien das Ethos für Genesis‘ nächstes Album Abacab zu sein. „Punk hatte einige Spuren hinterlassen“, gab Collins zu, und das kann im selbstbewussten Stampfen von Who Dunnit? schwer sein. Das Album enthält auch eine beschwingte Pop-Zusammenarbeit mit der Bläsersektion von Earth Wind & Fire auf No Reply At All. Der kraftvolle Titeltrack fasst zusammen, was Tony Banks als das „unromantische“ Gefühl des Albums beschreibt: ein spärlicher und kalter Jam mit einer luftigen, spacigen Qualität, die eher an Eno oder Krautrock erinnert als an irgendetwas aus dem Genesis-Katalog. Der Tontechniker Hugh Padgham verlieh den Stücken zusätzliches Gewicht, indem er den charakteristischen „Gated“-Effekt für Collins‘ Schlagzeugspuren entwickelte, der den Rock der 80er Jahre dominieren sollte.
10 Domino
Bis 1986 war Collins zu einem der größten Stars der Welt geworden, denn die Soul-Rock-Kostbarkeiten seiner Soloalben führten ihn zu mehrfachem Platin-Erfolg und einer aufkeimenden Filmkarriere. Vieles auf dem diesjährigen Genesis-Album Invisible Touch – der helle, ausgefeilte Pop-Titelsong, der Baby-Boomer-Agit-Rock von Land of Confusion, die wirklich ergreifende Ballade Throwing It All Away – hätte ohne weiteres auf seine Soloalben gepasst. Domino jedoch war anders. Dieses Stück ist eine Verschmelzung von allem, was Genesis jemals war und jetzt ist: ein 11-minütiges, mehrteiliges Epos, das mit der minimalen Attacke von Abacab gespielt wird, wobei das eindringliche In the Glow of the Night dem hymnischen Synth-Rock-Bombast von The Last Domino weicht. Invisible Touch wurde zu Genesis‘ erfolgreichstem Album und die darauf folgende Tournee fand ihren Höhepunkt in vier ausverkauften Nächten im Wembley-Stadion. Diese wurden für ein anschließendes Konzertvideo gefilmt, das von Rutherfords kopfloser Gitarre bis hin zu Collins‘ fratzenhafter Überfall im Stil der Blues Brothers während eines abschließenden Medleys von Soul-Klassikern die schlimmsten Exzesse der Ära zeigte. Domino erwies sich jedoch als letzter Hauch von Brillanz vor der Fadheit von We Can’t Dance von 1991 und dem unerklärlichen, Collins-losen Calling All Stations von 1997.
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